Los Sultanes del Swing

Concierto Audio´s Pain + El Primer Hombre / Sala Moby Dick / Sábado 28 de enero.

2012-01-31T08:28:00.000-08:00

En Los Sultanes Del Swing siempre hemos tenido como lema principal tratar a los artistas y los grupos 'que hicieron, hacen y harán historia'... y precisamente es por esto último por lo que gracias a la gente de Feiticeira pudimos asistir al concierto que iban a protagonizar Audio´s Pain y El Primer Hombre en la madrileña sala Moby Dick.

En contra de nuestras costumbres, resulta que llegamos un poco apurados de tiempo a la puerta de la sala, pero no había problema: los chicos de El Primer Hombre, que inauguraban la noche, todavía no se habían subido al escenario. ¡Ufff! Tranquilidad para el cuerpo y cerveza al canto...

Este grupo originario de Santander y radicado en Madrid era el verdadero motivo por el que acudimos a la Moby Dick, y es que desde que hace unas semanas escuchamos por casualidad su sorprendente EP de 2010, pues como que nos quedamos patidifusos –palabra que se está perdiendo y no logramos adivinar por qué- y con las ganas de que llegara el momento en que tuvieran una actuación para verlos en directo… Cosa que ocurrió.

En la primera toma de contacto, lo que más sorprende y llama la atención del sonido de El Primer Hombre es la amplitud del concepto Rock que tiene la banda, así como el dominio que demuestran los músicos a la hora de navegar sutilmente entre dos mundos tan aparentemente distintos como son los de la claridad y la distorsión.
Sus canciones suelen empezar en general como un leve susurro, suaves y tranquilas, como sobre una balsa de aceite... Pero no os dejéis engañar por las apariencias, porque tras esas zapatillas deportivas, los vaqueros y las impolutas camisas de botones en realidad se esconden unas auténticas bestias pardas capaces de volar la cabeza del respetable a base de rabiosos guitarrazos.

Un ejemplo que puede ilustrar a la perfección todo lo dicho hasta ahora es este tema titulado “Juan Muestra”, que en vivo se acabó convirtiendo en todo un monumento a la distorsión, a la rabia y a la ira instrumental:

Durante su intervención, El Primer Hombre tocó canciones que nos eran desconocidas como “Tu Fuego Brilla” o “El Rey”, pero esta situación no importaba mucho ya que las sensaciones seguían siendo igual de positivas.

Un aspecto que merece la pena destacar de la banda es que en sus canciones aparece sorprendentemente el empleo de los punteos y los solos de guitarra… Y decimos sorprendentemente porque es un elemento o recurso que parecía haberse olvidado en los últimos años –por no decir décadas- en favor de potenciar los muros de acordes.
No es plan de reiniciar la histórica discusión ‘solos versus acordes’ que da tanto juego –modernos vs viejos, mediocres vs maestros,…- por lo tanto, únicamente agradecer la valentía y el talento que mostraron tanto Quico como Juan con sus púas.

No, no podíamos olvidarnos: Tensión, energía, fuerza… Todo eso y mucho más es lo que también transmite la música de El Primer Hombre gracias a la aportación de su baterista Esdras –que ni escapándosele una baqueta para la máquina- y su bajista Moi, siempre al pie del cañón:

Los murcianos Audio´s Pain eran los titulares del concierto y los responsables como tal de cerrarlo con nota. El objetivo de su visita a la capital del reino no era otro que presentar su último disco "Mind, Body & Soul (But Money)" y demostrarnos que vienen lanzados en una progresión que hace presagiar cosas realmente importantes para la banda... Y es que el hecho de haberse dado a conocer más allá de nuestras fronteras con un par de giras en China ante miles de espectadores en salas y festivales como el MIDI Fest de Pekín es una esperanzadora, grata y excelente noticia para el mundo de la música.

En palabras del propio Rubén Meyers, -compositor, cantante y guitarrista de la banda- Audio´s Pain se caracteriza por realizar un "Brit-Rock con toques electrónicos" que hace recordar brevemente nombres como Manic Street Preachers o Muse entre otros, algo que no está nada mal.

Ya en directo, los de Cartagena nos ofrecieron una versión de su obra aún más compacta y dura que la de estudio gracias a un repertorio que se nota muy trabajado y repleto de grandes canciones como esta que hay aquí abajo:

En el apartado individual resaltamos brevemente la presencia de Emilio, el baterista de Audio´s Pain, muy enérgico y sólido a lo largo de todo el show, así como la actitud y las buenas maneras de frontman mostradas sobre el escenario por Rubén (creo hace falta mucha gente así en el mundo del Rock nacional).

Y poco más puedo decir de esta banda salvo que si siguen así y la suerte -esa señora a veces tan esquiva- les acompaña, será simplemente cuestión de tiempo el hacer algo grande.

¡Saludos y que os guste!

No falléis a Ray:)

2012-01-24T04:26:00.000-08:00

Rareza Programa 79: Rare Bird - "Beautiful Scarlet".

2012-01-23T14:39:00.000-08:00

Aunque a muchos les cueste reconocerlo, resulta que un poco antes de que se impusieran las torres de sonido y las guitarras eléctricas fue el piano… sí, sí, oyen bien el piano, el primer instrumento del Rock and Roll.

De ello pueden dar fe gigantes y maestros de las teclas como Little Richards, Jerry Lee Lewis, Dr John, Professor Longhair o nuestro protagonista de hoy: Ray Charles.

Pues bien, en el mundo del Rock Progresivo de los 70 (que es por donde me gusta moverme) nos encontramos con una banda inglesa que yendo contra corriente, decidió subirse al escenario con dos teclados y sin ninguna guitarra eléctrica de por medio...

Ese grupo se llamaba Rare Bird.

Rare Bird surgió en una de esas fechas clave para la música: 1969, y estuvo formada en sus inicios por Steve Gould al bajo eléctrico y a la voz, Mark Ashton a la batería, y por la pareja teclista Graham Field y Dave Kaffinetti, encargada del órgano y del piano respectivamente…

Haciendo honor a su nombre, la música de esta 'Rara Avis' destacaba sobre todo por los distintos registros vocales de Steve Gould, por el talento que tenían para construir brillantes melodías, y también por el soberbio trabajo de filigrana sonora llevado a cabo por Dave y Graham...

De su primer álbum vamos a escuchar la canción "Beautiful Scarlett", que es de verdad una gozada para los oídos…

¡Que os guste!

Programa 77 Especial Ella Fitzgerald - Natalia Calderón / Malinche:

2012-01-10T07:17:00.000-08:00

Afortunadamente para nuestros oídos, el Jazz femenino tiene en Natalia Calderón a una gran representante digna de mención…
Una voz potente. Con personalidad. Sin trampa ni cartón.

Mujer de cuidada formación, talentosa e inquieta como pocas, a Natalia se la ha podido ver en el escenario formando parte de numerosos proyectos como Black To the Future, Groovebox... y liderando su propio cuarteto de jazz.

En una de sus múltiples experiencias musicales y bajo el nombre artístico de Malinche, Natalia Calderón entabló amistad con varias bandas de Hip-Hop con los que empezó a colaborar como voz de acompañamiento... A todo esto hay que decir que la unión rapero + cantante fue una fórmula bastante común durante algunos años en los que vocalistas como Gina, Edinne Said o Aniki se empezaron a dar a conocer haciendo los coros de grupos como Sólo Los Solo o Falsalarma entre otros...

Por ello, tal vez cansada de esta especie de sumisión artística, Natalia (Malinche) decidió dar un paso adelante y publicar en 2001, como solista, un disco homónimo en el que dio la vuelta a todo lo preestablecido: y es que ahora era la chica la que llevaba la voz cantante y los chicos los que trabajaban para ella. En la producción, Malinche contó con la producción de grandes del género como Zeta (compañero de fatigas de Frank T), Biyi (miembro de la Puta Opepé) y con el micrófono de Dobleache (miembro de los extintos Jazz Two)... Un reparto de auténtico lujo que trasmitió al sonido final del álbum un toque muy elegante.

Para que oigáis que no miento, ahí os dejo ya hasta el lunes que viene con uno de los temas que más me emocionaron en su día de Malinche… "Hastío":

La Roux - Programa 76 Especial M83:

2011-12-19T12:40:00.000-08:00

Que el Electro, Techno o Synth-Pop británico de los 80 sigue vigente en la música actual es más que evidente: ahí tenemos por ejemplo a los desaparecidos australianos Empire Of The Sun, al dúo de Manchester Hurts (encargados de revivir el lado más elegante de los ya vejetes nuevos románticos) o a nuestro protagonista de hoy: el francés Anthony González, más conocido por todos como M83.

Pues vean, resulta que ese mundo ochentero repleto de toques de sintetizadores y cajas de ritmo ha marcado también la vida y obra de La Roux: el proyecto musical y nombre artístico de Eleanor Kate Jackson, una chica pelirroja procedente de Brixton dedicada en cuerpo y alma a la vertiente más sintética, lúdica y bailable del electro-pop…

Para que se vayan haciendo una idea de lo que os espera con ella, La Roux suena como si la gente de Yazoo, The Human League o Eurythmics hubieran tenido una nieta moderna y seguidora de la Electrónica… Pues así más o menos es como suena.

En 2009 La Roux publicó con Polydor un disco homónimo que estaba destinado a llenar las pistas de baile ‘all around the World’ con canciones como su exitoso “Bulletproof”, “Fascination” o “Colourless Colour” y más o menos así fue, pero por alguna extraña razón que se nos escapa, en España… no sonó mucho ¡Qué raro! Pero no os preocupéis, que como nosotros estamos aquí para desfacer entuertos... Ahí va una de mis canciones favoritas de su disco: “I´m Not Your Toy”.

La Roux - I'm Not Your Toy por universalmusicdeutschland

Kosmos - Folk Progresivo desde Finlandia:

2011-12-12T14:59:00.000-08:00

Si hacemos un pequeño repaso, veremos que el número de bandas de orígen noreuropeo que se ha paseado por nuestras Rarezas Musicales es bastante significativo.
Durante estos años hemos hablado de gente como los curiosos y progresivos noruegos Gazpacho, de los holandeses dedicados al Stoner más arenoso Sungrazer, de sus compatriotas los veteranos punkarras The Ex o de los polacos Kroke...

Y no es que yo sea muy europeísta que digamos, pero hoy toca hablar de nuevo de otros compañeros de más allá de los Pirineos, pero de muuucho más allá: con todos ustedes, los finlandeses Kosmos:

Kosmos es una joven banda de Folk-Progresivo procedente de la ciudad de Turku que está aquí porque suenan muy bien y porque considero que tiene ciertos elementos paralelos o nexos de unión con la obra de Enya: Por una parte la presencia de una voz femenina suave y sugerente; por otra, ese halo mágico, bucólico, irreal y misterioso que impregnan en todas y cada una de sus composiciones...

En todas ellas la instrumentación es deudora del Rock Progresivo y del sonido Canterbury más templado y reposado tipo Caravan, King Crimson o Genesis, así que flautas, mellotrones, violines, guitarras acústicas y eléctricas es tooodo lo que os vais a encontrar tras darle al play...

Como la canción es larguilla, os dejamos ya con el que es a mi parecer el punto álgido del disco publicado en 2005 'Tarinoita Voimasta': una canción lánguida y opaca titulada "Öisin", que en español viene a ser algo así como "Por La Noche":

¡AMEBA en LOS SULTANES DEL SWING!

2011-11-28T14:22:00.000-08:00

Como bien reza el titular que hay arriba, tenemos el placer de anunciar que Raquel-Ameba nos visitará este lunes 5 de diciembre a las 18:00 horas para contarnos sus ideas, sus cosas y mostrarnos esa música que lleva dentro.

Ya saben donde encontrarnos:

En la 107.4 de tu FM si resides en Alcalá de Henares o en Ruah.es/online

¡Nos oímos!

Ghost Dog - una de mis películas favoritas:

2011-11-14T16:02:00.000-08:00

Como más o menos intuía que mis compañeras de programa iban a traer unas BSO de corte más bien tranquilo, me he propuesto venir aquí con algo distinto, con la música de una película de estas digamos... especiales: Ghost Dog.

‘Ghost Dog: The Way of the Samurai (El Camino del Samurai)’ es una película independiente rodada en 1999, escrita y dirigida por Jim Jarmusch (que os sonará de filmes como ‘Coffee And Cigarrettes’ o ‘Dead Man’), e interpretada por uno de mis actores favoritos tanto de reparto como de protagonista: el grandísimo Forest Whitaker (oscarizado en 2006 por su papel del dictador ugandés Idi Amin en ‘El último Rey de Escocia’).

Y la sinopsis es la siguiente: la historia tiene lugar en la gris, deprimida e industrial New Jersey y trata la vida de Ghost Dog (Forest Withaker): un misterioso y solitario hombre que vive en el cobertizo de una azotea, con la única compañía de sus palomas mensajeras y la extraña amistad que entabla con una niña sabelotodo que vive en el portal de al lado y con un haitiano francófono que no habla ni pizca de inglés y que se dedica a vender helados con su destartalada furgoneta...

Pero resulta que Ghost Dog tiene un lado oculto: obsesionado desde joven con la filosofía oriental y seguidor del Hagakure (una obra literaria japonesa del SXVIII ideada por Yamamoto Tsunemoto que plasma la doctrina tradicional feudal y el antiguo código ético-militar de los Samurai), Ghost Dog decide que su vida debe regirse estrictamente por este ancestral código de conducta y servir fielmente a un decadente y cincuentón mafioso local con el que está en deuda desde tiempo atrás, cuando este mafioso de poca monta (llamado Louie y encarnado por John Tormey) salvó su vida durante una pelea callejera… Y como la cabeza de Ghost Dog no está muy en su sitio, decide entonces que debe servir vasallaje a Louie como si de su señor se tratara. ¿Y cómo se sirve a un mafioso? Pues actuando de sicario y asesino profesional...
Casi nada...

Sin embargo, pese a la pericia y eficacia que demuestra Ghost Dog a la hora de realizar “los trabajos”, la cosa se acaba complicando demasiado y la familia mafiosa para la que trabaja se vuelve contra él con la intención de eliminarlo... Ante esta afrenta, Ghost Dog considera que su código personal ha sido traicionado y decide contraatacar y poner en práctica su propio plan siguiendo el recto, leal y siempre fatal camino de los samuráis…

Sé que la historia de esta película así de primeras es muy estrafalaria, pero en realidad tiene mucho trasfondo… Que nadie la interprete como una simple película de mafiosos italianos o de gángsters negros porque va más allá: En este film se pone de manifiesto la lucha y la fricción que se genera entre la tradición y la modernidad; cómo valores ancestrales como la fidelidad, la entrega o el respeto se van perdiendo, corrompiendo y ya no tienen peso ninguno en nuestra sociedad; y cómo los hombres, apesadumbrados, padecen y sufren este desmoronamiento, casi sin poder evitarlo...
Y es que como bien dice Ghost Dog en una de las secuencias: "el mundo parece estar cambiando a nuestro alrededor".

No voy a engañar a nadie: el ritmo de narración es pausado (casi como al modo de las películas clásicas japonesas a las que rinde tributo) pero a la vez muy fluído y no se hace nada pesada o aburrida. A lo largo del desarrollo, la historia se va salpicando con escenas de acción bastante finas y estilizadas, con diálogos tanto cargados de humor fino (el trío de jefes mafiosos que están como una cabra) como de fuerte carga reflexiva (la discusión de Ghost Dog con los cazadores), y con algunos momentos que aunque sencillos, son ejemplos de una belleza, encanto y plasticidad increíble (la paloma muerta a los pies de Ghost Dog, los vuelos sobre la zona industrial de New Jersey, la vida nocturna callejera, el pájarillo de la mira telescópica…)

La Banda Sonora es otro puntazo: al contrario de lo que ocurre en muchas otras BSO que son una simple recopilación de canciones ya grabadas con anterioridad, en este caso contamos con dos opciones: unas composiciones realizadas por RZA (un productor de lo más personal que se pueda encontrar uno en esto del Hip-Hop y miembro de los legendarios Wu Tan Clan) más un conjunto de canciones de Rap en algunos casos creadas por artistas como Jeru The Damaja y Afu Ra de forma expresa para la película...
Lo que me gusta destacar de ella es esa capacidad que tiene para sumergirnos en las oscuras y frías calles de New Jersey y a la vez hacernos sentir ese ambiente místico más propio de Oriente. Quien no me crea, ahí tiene este temazo de RZA titulado "Samurai Showdown":

Y no podía dejarme ésta... Una de las canciones de Hip-Hop más sombría, hipnótica, paranoide y casi hasta fantasmagórica que he escuchado en mi vida, "East New York Stamp":

En fin... que si sois un poco inquietos, queréis ver algo distinto y con un resultado final a mi parecer bastante atractivo y que deja poso, ésta es vuestra película:

Programa Especial Bandas Sonoras de Cine y Televisión:

2011-11-09T08:32:00.000-08:00

Yo no me lo perdería, vamos a hablar y escuchar cosas de películas y series como...

ONCE:

ANATOMÍA DE GREY:

GHOST DOG:

INTO THE WILD:

Y muchas otras más.

¡Ah! Y esperamos tus comentarios:
- ¿Cuales son tus BSO preferidas, esas que escuchas más que ves la película?
- ¿Cuáles te han parecido tan malas que casi se cargan la película?
- Recomiéndamos tus BSO favoritas.

¡Ya saben! Este lunes 14 a las 6 de la tarde en www.ruah.es/online.

Sungrazer - Stoner Rock:

2011-11-07T13:53:00.000-08:00

Bueno, bueno, bueno… como buscar rarezas sobre cantautores chilenos es una tarea harto complicada y sinceramente, aquí hemos venido a pasarlo bien, hoy he preferido dar un volantazo, cambiar de rumbo y hablar en su lugar de un grupo que tuve el placer de ver la semana pasada en Madrid…

Pues bien, el grupo en cuestión se llama Sungrazer, son tresholandesestres: bajo, batería y guitarra (para qué más) y son dignos representantes del sonido Stoner Rock más clásico, potente y a la vez envolvente que se pueda escuchar ahora mismo en toda Europa.

Este “power-trio”, como iba diciendo, decidió fijar en la Capital del Reino el lugar ideal para cerrar junto a los alemanes teloneros Grandloom su gira otoñal europea 2011, y como resulta que últimamente estoy muy andariego y tenía ganas de ver por primera vez a un grupo de este estilo, no quise perdérmelo.

El concierto tuvo lugar en un club cerca de Callao llamado El Perro De La Parte De Atrás Del Coche. Allí, la gente de Sungrazer nos ofreció un breve pero intenso repaso de su todavía corta carrera discográfica, que para los interesados que nos estén escuchando en este momento os cuento que consta únicamente de dos discos: 'Sungrazer' del 2009 y 'Mirador' de este mismo añito.
Yo de vosotros les echaría un vistazo…

En fin, que la escucha de estos holandeses errantes está toootalmente recomendada. Os dejo ya con uno de los temas de Sungrazer más solicitados por el público asistente: "Common Believer":

Hypnos 69 : Rareza Musical del programa nº 69 Especial U2.

2011-10-31T15:52:00.000-07:00

Bien, bien, bien... Aprovechando que estamos hoy en la edición número 69 del programa y que quiero darme un homenaje sónico ¿Qué os parece si aprovecho este momento del Rarezas Musicales para hablar de una banda actual de belgas melenudos, con pantalones de campana y que hace un Rock del de antes pero en pleno siglo XXI?

Por cierto, el grupazo que vamos a tratar en cuestión se llama Hypnos 69.

Muchos se preguntarán que a qué me refiero cuando digo eso de: "Rock del de antes"... Pues bien, me refiero a aquél sonido tan propio y característico de las bandas sicodélicas, de Rock Duro y de Progresivo que pululaban por los escenarios en los años 60 y 70, a esa versatilidad, a ese dominio para abarcar amplios y diversos paisajes sonoros.

Algunos de estos paisajes se caracterizan por ser terrenales, duros, ásperos… y son descritos a base de salvajes riffs de guitarra y de incontrolables y pesados ritmos… Pero el registro musical de Hypnos 69 va un poco más allá, ya que los belgas también son capaces de recrear agradables, apacibles y ensoñadores ambientes espaciales a través del empleo de teclados y melodías increíbles…
Y es que estos chicos van sobrados de recursos.

Podría citar muchos referentes en la música de Hypnos 69, pero es mejor que seais vosotros, los oyentes, quienes vayan saboreando y desgranando, poco a poco, las cualidades de esta banda...

Ahí os dejo con Hypnos 69 y la canción "The Eclectic Measure"...

Gong: una de esas Rarezas Musicales...

2011-10-24T11:28:00.001-07:00

Las barreras entre el Flamenco más ortodoxo y el siempre innovador Rock han sido franqueadas e incluso derribadas más veces de las que nos podamos imaginar... Y Camarón de la Isla (nos duela o no reconocerlo) no fue ni el primero ni el único en dar ese paso adelante.
Y es que la galería de hombres ilustres está repleta: el maestro de la guitarra española Sabicas, la leyenda de Triana, los geniales Smash, Alameda,... Pues bien, todos estos grupos y algunos más que ahora se nos escapan son en realidad gracias a la valía, experimentación y atrevimiento del que hacían gala los responsables del enorme desarrollo musical que vivió España a finales de la década de los 60 y a lo largo de los 70. Es algo que conviene recordad...

Debido a esta diversidad de nombres, nos dejamos de retahílas y vamos a centrarnos, ahora mismo, en uno de los pocos grupos que fueron de verdad básicos en esto del hermanamiento que se dio entre el mundo flamenco y los sonidos “Yankees”que venían del otro lado del Atlántico...
Vamos a hablar de Gong.

Con una efímera existencia (sólo llegaron a grabar dos singles) e integrada por futuros miembros de grupos como Triana, Alameda y Guadalquivir, la banda Gong tiene el mérito de haber sido la pionera a la hora de crear unas directrices, de abrir una senda y de servir de chispa y acicate a una serie de grupos, (a un movimiento o género en realidad), que después se vendría a llamar Rock Andaluz. Así quedará en los libros y en la Historia.

Gong: gente audaz, intrépida y valiente que en esa España todavía gris y apagada se dedicó a poner luz y color en la vida de nuestros padres través de irreverentes canciones en las que alternaban palmas y jaleos con clásicos del Blues para el asombro, pasmo y desconcierto de la audiencia y cómo no, de las autoridades...

Ahi os dejamos con la versión que estos tipos realizaron en 1971 del tema compuesto originalmente por el bluesman americano Leadbelly titulado "There´s A Man Going Round", aquí rebautizado como "Hay Un Hombre Dando Vueltas".

Flipen con esta maravilla:

Los guitarristas de Camarón de la Isla:

2011-10-24T11:18:00.000-07:00

Hoy vamos a hablar de la historia de esos guitarristas que siempre acompañaron a Camarón en todas sus canciones, nos centramos en Paco de Lucia y Tomatito.

Ambos son guitarristas excepcionales, son dos figuras imprescindibles en el mundo del Flamenco y la guitarra y, desde luego, han marcado una época en el desarrollo del instrumento.

En 1947 nació Paco de Lucía en el seno de una familia de músicos. Su hermano Pepe es cantaor profesional y su otro hermano es guitarrista y fue el primer profesor de Paco.

El guitarrista ha mamado de dos de los grandes del Flamenco, Niño Ricardo y Sabicas, que fue el que dio a conocer a la guitarra como instrumento de concierto. Aun así, la guitarra y el flamenco necesitaban un empuje, algo que llevase a esta música a terrenos internacionales y es en esto donde Paco de Lucía destaca principalmente.

Es un virtuoso de la guitarra pero nunca se pierde en detalles técnicos para poder imprimir el sentimiento necesario en todas sus obras. Tenemos claros ejemplos de esto en la famosa “Entre dos aguas”, “La Barrosa” o “Río Ancho”.

En su carrera se ha topado con artistas de todo tipo y ha hecho colaboraciones con músicos de la talla de Al di Meola o John McLaughlin. Además jugó un papel fundamental en la introducción del cajón peruano como instrumento de percusión para el Flamenco.

Pasemos ahora a hablar de Tomatito. Nació en 1958 en Almería y como Lucía es uno de los más reconocidos guitarristas del panorama Flamenco español y mundial. Ha tocado con muchos de los grandes de la música como por ejemplo con Frank Sinatra, Elton John o Chick Corea.

En el sonido de Tomatito destaca muchísimas cosas pero una en particular, ha sabido fusionar a la perfección la música Jazz con el Flamenco de base. De esta fusión nacieron dos de los discos que sin duda alguna, son piezas fundamentales del Jazz-Fusión contemporáneo: ‘Spain’ y ‘Spain Again’. Junto a Michel Camilo, dan una vuelta de tuerca al concepto de guitarra flamenca y realizan algunas versiones de clásicos compuestos por artistas como Chick Corea.

El guitarrista confiesa haber recibido influencias de artistas como Pat Metheny o Django Reinhardt en el Jazz o B.B King y Eric Clapton en el Blues y el Rock.

Son dos guitarristas excepcionales que supieron compensar melódicamente ese gran talento que el maestro Camarón derrochaba por todos sus poros.

Por Santi Elipe.

Kyoto: Lo Que Vuelve Para Vengarse

2011-10-17T17:48:00.000-07:00

Aprovechando que hoy hablábamos de Héroes del Silencio, me he parado un momento a contar los grandes artistas y bandas que han salido de Zaragoza y lo cierto es que la calidad y diversidad de las propuestas es abrumadora… ¿Decimos algunos nombres?
Labordeta como maestro cantautor, Carmen Paris en la respetuosa e interesante revisión musical de la tradición popular de la Jota, Manolo Kabezabolo en el mundillo del Punk, Violadores del Verso como reyes del Rap, el Niño Gusano dominando el Indie y Amaral encabezando el Pop con mayúsculas… ¿No está mal la lista verdad?

Pues ahí no queda la cosa. Por lo que parece, la escena musical maña sigue todavía bien viva... Con buenos representantes como por ejemplo esta gente que os traigo hoy: Kyoto. Una banda que lleva desde finales de 2006 realizando una curiosa mezcla de sonidos tales como el Space-Rock, el Shoegaze y el Hardcore... Todo ello englobado y metido, cuidadosamente, en ese maravilloso cajón de sastre que es el Post-Rock.

Pero bueno, divagaciones estilísticas y etimológicas al margen, lo que está claro es que en la música de este trío zaragozano formado por Iván Fanlo e Isaac Moreira al bajo y batería, y por Alicia Puebla a los teclados y las voces, podemos destacar 3 puntos básicos:
El primero: la experimentación y complejidad con que van construyendo paso a paso su discurso musical, conectando en cierta manera con las maneras del Rock Progresivo (aunque sin llegar a los niveles de complejidad que tenían clásicos como Yes o King Crimson).
El segundo: la oscuridad y el misterio con que tiñen de lúgubre todas sus historias, llegando en algunos momentos por ejemplo, a revivir el ambiente siniestro y opresivo de bandas referentes del género como The Cure o Suicide.
Y tercero: una elegancia interior que acaba sobresaliendo y brillando por encima de toda esa apariencia externa tan sombría y opaca de la que hablamos antes...

A día de hoy, en la discografía autoeditada de Kyoto destacan 2 EP´s que son: 'Cuatro Finales Alternativos' de 2007 y 'Tan Solo la muerte es definitiva' de 2008, más un miniCD que se titula 'Lo que vuelve para vengarse' de 2010. Todos estos trabajos se encuentran disponibles para su descarga gratuíta en Bandcamp (aunque una cosa os digo: como siempre y si se puede, es preferible ir a sus conciertos y comprar allí estos discos, que son ediciones limitadas realizadas con un soberbio cuidado material y gráfico. Es lo que creo, vamos…)

Y para que veáis de lo que son capaces los Kyoto, ahí os dejo con una sugerente y enigmática pieza presente en su último miniCD titulada “La Última Noche De La Máquina Del Tiempo”:

¡Que os guste!

Curiosidades Musicales:

2011-10-11T16:54:00.001-07:00

- Rihanna vetada en un trigal por corer en bikini.
Según se ha filtrado a la prensa, Rihanna fue expulsada de un campo de trigo de Irlanda del Norte donde grababa un videoclip de los suyos, de esos subiditos, subiditos...
Al parecer, el campesino, que alquiló sus tierras por teléfono, no sabía quién era la chica que iba por ahí trotando semidesnuda y, al verla, se acercó a ella y la echó del terreno.
"No iba vestida de la manera apropiada. Es mi tierra y tengo una ética" declaró el hombre.

Y es que afortunadamente todavía quedan personas con sentido del decoro y de la buena música.

- En palabras de la sapientísima Shakira: "A veces se nos olvida que la felicidad puede estar en dejarse ir y equivocarse... Yo, con el tiempo, me he vuelto mucho más flexible".

Pues bien, tras analizar detenidamente todo esto, he podido obtener dos conclusiones:
la 1ª, que Shakira reflexiona igual que canta, es decir, de forma ininteligible y
la 2ª, que Piqué estará muy contento por la elasticidad de la chiquilla...

- En "I´m Ozzy (Confieso Que He Bebido)", las memorias escritas del padrino del Heavy Metal Ozzy Osbourne, éste nos avisa que sus recuerdos puede estar 'algo distorsionados' de una forma muy peculiar:
"Durante los últimos cuarenta años he ido ciego de alcohol, heroína, coca, ácido, quaaludes, pegamento, klonopin, vicodin, rohypnol y otras muchas sustancias... No soy la puta enciclopedia británica, así que lo que vais a leer es lo que goteó de la gelatina que tengo por cerebro cuando le pregunté por la historia de mi vida".

¡Esto es un libro didáctico, sí señor!
Sobre todo para un estudiante de farmacia.

- "Los Ramones siempre le echan unas gotas de pis a todo lo que ofrecen a sus invitados, como una broma".

Dee Dee Ramone, partirte las piernas es poco muchacho.

- "El Punk supuestamente es algo feo... Y yo soy refeo... Así que debo ser repunk".

Ricky Espinosa, un pensador.

Madeon:

2011-10-04T03:45:00.001-07:00

Desde el blog de Los Sultanes del Swing de mi corazón, agradezco formalmente a mi amigo Nacho Amelivia la música que me ha pasado este verano. La verdad que de lo que él me ha pasado es básicamente todo bueno, pero he traído música electrónica.

Una música electrónica menos ácida que pop. Os traigo a MADEON, que puede que os suene porque ha pegado bastante bien este verano.

Detrás del nombre Madeon se esconde un joven de 17 años salido de las calles de la bonita ciudad de Nantes, Francia.

Por ahora se está dedicando a hacer alguna canción original y algunos remixes de canciones de artistas como la gran Yelle, o The Killers, dándoles un aire más electrónico y con mucho acierto, en un rollo muy bailable y con claras influencias de Daft Punk. Podéis escuchar y descargar parte de su trabajo en su facebook: http://www.facebook.com/itsmadeon

Pero si tenemos que hablar de su gran obra hasta ahora tenemos que hablar de Pop Culture. Un mashup de 39 canciones mezcladas con maestria en una Novation Launchpad.

Os dejo con esta maravilla, salida de unas manos de 17 años. Pop Culture de Madeon.

Especial Funk: Curtis Mayfield / Dreams / "Try Me":

2011-10-03T11:53:00.000-07:00

Hoy, como estamos así muy "funkis" os traigo a los americanos Dreams: una de esas bandas y discos desconocidos que no te suenan de nada pero que te compras casi sin querer, así porque sí (en este caso fue por la portada que recordaba y se basaba en una obra del pintor belga Magritte) y que luego encima te das cuenta que no paras de escucharlo una y otra vez... En mi caso me lo escuché sin parar y seguidamente unas 9 veces...

Pues bien, vamos allá entonces con Dreams: una auténtica maravilla que quería compartir con todos vosotros.

Si hacemos un poquito de historia podemos resumir y ver que los años 60 fueron el territorio del Rock Sicodélico y que en los 80 triunfó la música Disco… Pero… ¿Y en los 70? ¿Qué hubo en los 70?... Pues en el fértil y creativo período de los 70 surgieron, se consolidaron y dominaron la escena musical el Rock Progresivo, el Punk y el sonido que hoy nos tiene tan entretenidos: el contagioso Funk.

Al igual que hicieron otras bandas del momento como Blood Sweat and Tears o Chicago (antes de que estos se volvieran unos poperos blandengues), la gente de Dreams se atrevió a fusionar el Jazz-Rock que tiempo atrás ideó Miles Davies con el sentimiento del Soul y la energía rítmica del Funk, creando con todos estos elementos un sonido perfecto y lo que es más importante: disfrutable al máximo.

Si podéis, conseguid la obra de esta banda, que consta únicamente de dos álbumes: el homónimo 'Dreams' de 1970 e 'Imagine My Surprise' de 1971, ambos lanzados bajo la protección de Columbia Records.

Y ya para despedirnos, vamos allá con una pieza de visceral, ácido y poderoso Funk titulado “Try Me”. En este corte el protagonismo lo acapara principalmente la sección rítmica, liderada desde las posiciones de retaguardia en la batería por el prestigioso, contundente e infatigable Billy Cobham. Casi nadie al aparato…

Recuerden: Dreams, 1970, "Try Me”, puro músculo:

Este lunes... ¡¡¡CURTIS MAYFIELD!!!

2011-09-30T07:14:00.000-07:00

Y en el momento Debate puedes comentar y aportarnos tus propias ideas:

-¿Qué opinas sobre el estado de la música negra actual?

-¿Crees que está en buenas condiciones o que se encuentra en un momento de crisis de creatividad y estancamiento?

-¿Qué es lo que te llamó la atención de este tipo de sonido?

-¿Cuáles son tus artistas y discos favoritos del Soul y el Funk?

Todo eso y mucho más el lunes 3 a las 6 de la tarde en www.ruah.es y en la 107.4 de tu FM si te encuentras en Alcalá de Henares.

¡Nos oímos!

Nina Zilli:

2011-09-27T06:16:00.000-07:00

El prototipo de italiana. Morena. Con raza. De esas que no se sabría decir por qué, pero que tienen esa clase o estilo, ese algo que las hace realmente atractivas…

Conocí la música de Nina este mismo verano a través del “No Son Horas”, un gran programa de Onda Cero llevado por el simpar José Luis Salas, en una de esas madrugadas tan calurosas en las que no se puede pegar ojo y en las que no queda otra que pasar el rato escuchando la radio…
Pues bien, me encontré con ella. Una mujer que no es nueva en esto de la música: de formación musical clásica desde bien pequeñita ejercitando canto lírico y piano, pasó su infancia en Irlanda y parte de su juventud en Estados Unidos, sitios que marcaron profundamente a Nina y que propiciaron en ella el desarrollo de unas miras musicales mucho más amplias. Allí por ejemplo es donde adquirió el gusto por la música negra (el Rythm and Blues y el sonido Soul de la legendaria Motown) por el Reggae y Ska procedente del Caribe, y cómo no podía ser de otra forma vía familiar, por la música italiana ligera y romántica de los años 50 y 60.

Ya a su regreso en Italia y tras diversos vaivenes musicales, al final acabó firmando en 2009 con una gran discográfica como es la Universal, para un año después publicar el que es su primer álbum grande, titulado ‘Sempre Lontano’.

Parte de la crítica considera que Nina Zilli forma parte de la cada vez más numerosa lista de sucesoras e imitadoras de la recientemente fallecida Amy Winehouse pero creo, personalmente, que esas voces están equivocadas ya que los puntos de partida de una y otra artista se sitúan en dos polos bien opuestos: en Amy, heredera de la oscura, desapacible y neblinosa Londres predominó un sentimiento trágico de la vida y de la música (que la ha llevado donde todos conocemos), mientras que en Nina ha triunfado y triunfa una concepción vital más luminosa y brillante procedente del Mediterráneo y del Festival de San Remo.

No hay muchos más nexos que el de la música negra. Punto.

El sencillo “50 Mille” ha sido hasta ahora sin lugar a dudas el éxito más reconocido de Nina, pero mi favorita del verano de lejos, la clásica y vibrante “L´Uomo Che Amava Le Donne” :

Lo Mejor y lo Peor de este Verano:

2011-09-25T06:26:00.000-07:00

Este Lunes 26 regresan Los Sultanes con un Especial que resume y recopila las distintas experiencias sonoras que hemos tenido a lo largo del verano...

Pero vuestra opinión también es importante:
- ¿Con qué banda, artista o canción has disfrutado en tus vacaciones?
- ¿Con qué atrocidad musical has tenido que salir corriendo de un bar o una terracita?
- ¿Cuáles son tus recomendaciones?

Ya saben: el lunes 26 a las 6 de la tarde en www.ruah.es

Curiosidades Musicales:

2011-06-30T09:53:00.000-07:00

- "Sí, quiero ser famoso; y no, no quiero cumplir 30 años..." Como todo el mundo sabe, Brian Jones (el cabecilla de los primeros Rolling Stones) no faltó a su palabra ¡Cómo un señor!

- "La guitarra está bien como hobby, John, pero nunca te ganarás la vida con ells..."
Pues este fue el sabio consejo que tía Mimi le dio a su joven sobrino, un tal John Lennon que años después según parece, sí llegó a ganarse la vida con su guitarra.

- El lema de Gene Simmons, bajista de Kiss es: "Detrás de todo gran hombre hay una gran mujer, y detrás de esa gran mujer estoy yo..." ¡Qué crack!

- Todos recordamos los dulces silbidos de la canción de Otis Redding "Sittin´ On The Dock Of The Bay" ¿verdad? Pues bien, según ha revelado el conservador del Museo Staxx de Música Soul, Nashid Munyan, Otis consideraba que la canción estaba en fase de gestación, todavía inacabada, y que los silbidos que todos hemos canturreado tenían únicamente la función de servir de melodía sobre la que posteriormente situar la letra final.

El hecho es que otis falleció en accidente aéreo antes de completar esta canción, que acabó siendo incluída en su álbum póstumo y convertida en un verdadero clásico del Soul.
Un ejemplo de que la belleza y perfección existen en la sencillez, en lo esponáneo.

- Si te quieres convertir en una estrella del Rock, piensa en verde y preocúpate por el Planeta Tierra...
No, no estamos locos, lo únicoq ue tienes que hacer al igual que Neil Young con su disco "Fork In The Road" es cambiar el contaminante motor de un viejo coche por uno de energías renovables limpias, iniciar un viaje por las carreteras de la América más profunda, y así obtener nuevas ideas con las que componer geniales canciones.
Si al canadiense le ha ido bien ¿Por qué no a vosotros?

- "Un hombre es arrestado por conducir borracho y le echa la culpa a Ozzy Osbourne".

El 24 de diciembre de 2010 William Liston, de 33 años. fue arrestado en Cleveland por conducir borracho no, borrachísimo. Ya en comisaría a la hora de declarar, los agentes de policía vieron que William tenía serias dificultades para sostenerse en pie y expresarse, pero aún así tuvo los santos cataplines de declarar que fueron las canciones de Ozzy las que le obligaron a conducir bajo los efectos del alcohol...
¡Qué facil es echarle la culpa al bueno de Ozzy!.

De-Phazz:

2011-06-28T12:35:00.001-07:00

Lo que traemos a continuación es una pequeña parte del trabajo perteneciente a De-Phazz, un proyecto alemán de Nu-Jazz que en realidad y para hacerlo todo más gráfico, los podríamos comparar con una especie de coctelera gigante donde se mezclan y agitan elementos de raíz negra como lo son el Soul y el Funk, esas ganas de pista de baile procedentes del Disco y del Break Beat, la clase y estilo del Jazz, la suavidad del Easylistening, unas cuantas elegantes pinceladas latinas y más cosillas… Siempre con la única y sana intención de obtener una música que hace las veces de cocktail bien fresquito, ideal en estos tiempos veraniegos que tanto nos achicharran el cuerpo...

Aunque todos los miembros de este grupo tienen un pasado más amplio, De-Phazz surgió como tal en 1997 con el álbum 'Detunized Gravity', un trabajo que era definido por la propia banda como "una variada mezcla de sensibilidades, así como de maravillosos collages electrónicos".

Pero lo cierto es que por muy meritorio que fuera este debut discográfico, la gente de De-Phazz no alcanzó cierto reconocimiento hasta la llegada a las tiendas de 'Godsdog': un disco publicado en 1999 que seguía de forma inteligente la misma línea ya trazada en 'Detunized Gravity', pero esta vez con una diferencia clave y bastante positiva: el trabajo ahora contenía entre otras piezas interesantes un tema que se acabaría por convertir en un verdadero hit. Estamos hablando de "Mambo Craze".
Quizá a muchos este nombre no les suene así de primeras, pero en cuanto le demos al play seguro que os acudirá su sonido inmediatamente a la cabeza, ya que fue empleado abundantemente en todos lados: sintonías de radio, anuncios de televisión, películas... ¡En todos lados!

Hagamos la prueba: Ahí os dejamos con De-Phazz y su gran éxito "Mambo Craze":

PD: La semana que viene vendré con otra rareza latina oculta:)

Siempre hay una música más a conocer: La Champeta Criolla

2011-06-21T12:58:00.000-07:00

Si nos hemos estado paseando por Méjico de la mano de Santana y por la República Dominicana con Juan Luis Guerra, ahora en el Rarezas Musicales vamos a hacer un pequeño paréntesis para coger un vuelo, saltar de nuevo al continente americano, y visitar un gran país: Colombia.

Tras estar una semana rastreando pistas, por fin me he dado cuenta de la increíble riqueza musical que atesora suramérica. Una riqueza que refleja a la perfección la diversidad y la fusión de razas, pueblos y culturas que ha dado lugar, en el caso que nos atañe, a la actual sociedad colombiana.

Cada región del país tiene sus propios rasgos... Pero como hay que acotar, nosotros nos vamos a detener en la región del Caribe y de la Costa Atlántica, que es, tal y como indica la Historia, la zona que recibió y canalizó con más fuerza que ninguna otra las influencias derivadas que recibieron por parte de la población indígena autóctona, los españoles y los negros africanos.

Por tanto, hablar de esta zona de Colombia es hablar directamente de mestizaje.

Podríamos discutr las consecuencias tanto positivas como negativas que surgieron tras la irrupción española en América, pero comoe ste es un espacio eminentemente musical y no queremos enfrascarnos en discusiones bizantinas, será mejor que hablemos de una cosita conocida como... ¡La Champeta!

La Champeta Criolla es uno de los numerosos estilos autóctonos de esta zona atlántica y caribeña que se toca y baila en los barrios de Cartagena de Indias, Palenque de San Basilio y Barranquilla -ciudades en las que el aporte de población descendiente de africanso es muy numeroso-. Por todo esto, la relación de la Champeta Criolla con las raíces musicales africanas y con otros géneros como el Soukous -o Rumba- y la Makossa se aprecia bastante bien en esos desarrollos rítmicos constantes e intensos y cómo no, en esos cánticos tribales...

Una de las mayores instituciones en esto de los sonidos colombianos tropicales de clara raigambre negra es el guitarrista, cantante y compositor Abelardo Carbonó, toda una leyenda de la Champeta Criolla con el que nos despedimos por hoy.

Ahí os dejamos con Abelardo Carbonó Y Su Conjunto interpretando la canción "Palenque":

In The Garden With Moongardening Inc:)

2011-06-11T13:51:00.000-07:00

The Stone Facade - La Fachada de Piedra:

2011-06-07T12:54:00.000-07:00

The Stone Facade o La Fachada De Piedra es el curioso nombre de una banda mejicana formada en Guadalajara-Jalisco en 1968 si no me equivoco por Miguel Ochoa y Mark Havey a las guitarras, Tony Baker a la voz, Tomás Yoakum a la batería y Tomás Parra al bajo eléctrico.

Antes de que sigáis leyendo, os tengo que contar que va a ser complicado que pueda volver a traer un grupo tan raro como este... Y ahí va el porqué:
La Historia nos dice que siguiendo la dinámica de producción musical habitual de la época, y antes de pensar en grabar un LP completo, nuestros amigos mejicanos publicaron dos EP´s: el primero en 1971 titulado 'Fachada de Piedra en Avándaro', y el segundo que era homónimo, apenas un año después en el 72.
Y ahí quedó la cosa. No hay más. Se acabó. La banda no volvió a grabar un solo disco hasta ya bien entrada la década de los 90, quedando hasta entonces sumida en el más profundo de los silencios...

Parece como si hubieran caído en el oscuro Triángulo de las Bermudas... Pero es curiosamente este vacío y esta ausencia de material lo que hizo que La Fachada de Piedra entrara, directamente, a formar parte de la leyenda roquera de Méjico y de todos los amantes de las singularidades musicales.

Pero como siempre, lo bueno es que con la llegada de las nuevas tecnologías y del gran trabajo de algunas discográficas especializadas en este tipo de material, hoy podemos volver a disfrutar del sonido de esta banda mejicana como nunca antes se nos hubiera pasado por la cabeza.

Si buscáis por vuestras tiendas de confianza o por Internet, os encontraréis con un disco que recopila esos dos EP´s más un buen puñado de canciones en directo fechadas en el 74 que nos revelan a una banda que tenía puesta toda su atención en las movidas musicales que estaban fraguando sus vecinos de más allá de la frontera del norte... Y cuando hablamos de vecinos nos referimos a agitadores como Canned Heat y Mountain, grupos todos ellos que tenían en el Blues, la Psicodelia y el Rock los elementos básicos de su discurso.

Por lo tanto, si lo vuestro son los sonidos arenosos del Blues, la potencia del Rock, el ritmo compacto, espeso y las guitarras afiladas, La Fachada de Piedra y su canción "Roaming" os van a hacer pasar unos tres minutos bastante agradables:

¡¡¡Cha-chán!!!

2011-06-03T14:06:00.000-07:00

¡¡¡Un verano a lo grande!!!

2011-06-01T06:54:00.000-07:00

Rarezas Musicales Programa Rage Against The Machine - SX10:

2011-05-27T11:57:00.000-07:00

Muchos son los caminos que fueron a parar a lo que hoy llamamos Rap-Metal: Unos partieron de bandas de Metal y Rock como fue la colaboración de Anthrax en el 87 con el grupo de rap U.T.F.O en la canción "Lethal" o con Public Enemy en el 91 con el más célebre "Bring The Noise". Un título seminal que sirvió para prender la mecha de algo grande, porque de ahí en adelante hubo un auténtico boom de cientos de agrupaciones que empezaron a tocar rapmetal. Un subgénero luego renombrado de múltiples formas: Rapcore, Rap-Rock o Nu-Metal y que contó con bandas como Biohazard, Korn o los protagonistas de hoy: Rage Against The Machine.

Pero los primeros intentos de verdad vinieron por parte de grupos y artistas procedentes del Rap. Entre ellos por ejemplo los inclasificables Beastie Boys, o los pioneros Run DMC con la canción "Rock Box" del 84 y la conocidísima recreación del "Walk This Way" con la participación de Aerosmith dos años después -y de la que ahora reniegan y huyen como si fuera la peste, aunque en su día se llevarán sus pelas...- ¡No ha llovido desde entonces!

Unos de estos maestros a la hora de conjugar la instrumentación del Rock con la actitud, ritmos y letras propias del Rap, son sin lugar a dudas los californianos Cypress Hill: una banda mítica que lleva activa sobre las tablas ni más ni menos que desde 1986, soltando concierto tras concierto y disco tras disco esa mezcla que sólo ellos saben hacer de oscuro Gangsta Rap de la costa oeste, rollo latino y esos guitarrazos más propios del Rock.

A lo largo de esta dilatada carrera es normal la aparición de momentos buenos y malos, así que os vamos a ayudar un poco y a recomendar la compra y escucha de sus 3 primeros discos más centrados en el Rap: "Cypress Hill" del 91, "Black Sunday" del 93, "Temples Of Boom" del 95, y también de su doble álbum del 2000 "Skull and Bones", un experimento que contaba con un primer disco repleto únicamente de Hip-Hop, y un segundo que mostraba esa mezcla de Rap y Metal que tantos halagos y críticas -por qué no decirlo-, ha recibido.

Por cierto, una de las canciones que están presentes en "Skull and Bones" es esto, "Valley of Chrome" :

Tras repasar brevemente el origen de esta banda tan representativa del Hip-Hop y del Rap-Metal, ahora nos vamos a detener un poco más en la figura de Senén Reyes, más conocido por el público como Sen Dog: MC y miembro fundador de Cypress Hill que en 1994 formó la banda SX-10 : un proyecto paralelo surgió con la idea de desarrollar una música distinta a la que venía haciendo con los Cypress y en la que la dureza del sonido metálico estuviera aún más presente y amplificada...

Lo cierto es que el 2000 fue un año muy productivo para Sen Dog, ya que también vio la luz el primer álbum de SX-10: "Mad Dod American". Un trabajo que en Europa apareció reeditado 4 años después con un nuevo diseño de portada y titulado como "Rhymes In The Chamber".
En él, Sen Dog y compañía nos presentaban 12 temas muy potentes y compactos que seguro que sabrán apreciar los amantes de estos sonidos híbridos.

Ahora os dejamos con... un poquito de... "Tequila" :

Moongardening Inc. nos visita este martes:

2011-05-20T10:31:00.000-07:00

Como ya dice el titular, la gente de Moongardening Inc. nos acompañará en el estudio este martes día 24 a las 21:00h ¡en nuestra primera entrevista! para contarnos sus ideas, hablarnos de su último disco "A Sky Full Of Killer Whales" y mostrarnos esa música que llevan dentro.

Como siempre, ya saben dónde encontrarnos:
A través de la radio convencional en la 107.4 de tu FM
o mediante Internet en www.ruah.es

Más información en Facebook, www.myspace.com/moongardeninginc y http://www.moongardeninginc.bandcamp.com/

¡Sultanes somos todos!

Phil Lynott

2011-05-11T12:37:00.000-07:00

Philip Parris Lynott, bajista, cantante principal, compositor y líder de Thin Lizzy nació el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Inglaterra.
Hijo de un guyanés y una irlandesa. Vivió durante toda su infancia con su familia materna, primero con su madre en Moss Side, Manchester y luego con su abuela en Crumlin en Dublín, Irlanda. Y no conoció a su padre hasta finales de los 70. Esto es lo típico: Padre abandona a hijo, hijo se hace famoso, padre reaparece de la nada.

Como ya adelantamos el último programa, en los 60 Lynott empezó a cantar en diferentes bandas, hasta que alrededor del año 1969 formó junto a Brian Downey y Eric Bell, su gran banda Thin Lizzy.
Se ha especulado que su inspiración en Jimi Hendrix se debió a que Lynott, era mulato, pero dejando a un lado temas físicos banales lo cierto es que Jimi Hendrix es un músico digno de admiración y Lynott le escogió como guía en sus primeros pasos musicales.

Pero aunque Thin Lizzy fue su gran grupo, en 1980 Phil Lynott decidió comenzar una carrera en solitario, grabando el disco Solo in Soho, que alcanzó el Top 30 en las listas de venta del Reino Unido, y logró el éxito con dos canciones ese año, "Dear Miss Lonelyhearts" y "King's Call"। Esta última fue un tributo a Elvis Presley, y colaboró Mark Knopfler a la guitarra.

Su segundo disco en solitario fue un fracaso, pese a su canción "Old Town" que alcanzó el éxito años más tarde cuando la cantaron The Corrs.
En 1980, además se casó con Caroline Crowther, con la que tuvo dos hijas, Sarah y Cathleen.
En 1983, Thin Lizzy se disolvió oficialmente como grupo, y después Lynott grabó We Are The Boys (Who Make All The Noise) con Roy Wood, Chas Hodges y John Coghlan.
También colaboró con un viejo colega suyo, el gran guitarrista Gary Moore en la canción "Out in the Fields" que logró el puesto número 5 en el Reino Unido en 1985.

Pero último single sería "Nineteen", lanzado pocas semanas antes de su muerte.

Y aunque Lynott era una gran figura musical muchos nos preguntamos qué más hubiera podido dar de sí, pues sus últimos días los pasó entre drogas y alcohol, y la noche del 25 de diciembre de 1985, fue llevado al hospital tras sufrir una sobredosis de heroína.
Murió por fallo del corazón y neumonía el 4 de enero de 1986, a la edad de tan sólo 36 años.

Años más tarde, en 2005 una estatua de bronce a tamaño real de Phil Lynott fue destapada en Harry Street, Dublín.

A la ceremonia acudieron varios de sus colegas y su madre. Sus compañeros de Thin Lizzy le dedicaron un tributo con una actuación en directo. Además su sepulcro es visitado con frecuencia por su familia, amigos y fans.
Así que si vais por Dublín podéis pasaros a ver al bueno de Phil Lynott, pero si como nosotros estáis un poco lejos, no os preocupéis que Lynott nos dejó su mayor herencia, su música.

¡La RUAH y los Sultanes se suman a la RSD Alcalá!

2011-05-11T12:32:00.000-07:00

¡Todos con el equipo de fútbol de Alcalá de Henares, fundado en 1929 y que milita en la Segunda División B del fútbol español!.
Este domingo 15 de mayo se juega el último partido de liga, y el Alcalá tiene en su mano clasificarse para la Copa del Rey.
Sólo le hace falta un empate para lograrlo...

¡Y tu presencia!

Por ser un momento tan decisivo, las entradas se han rebajado a 6 € (habitualmente valen 12€). todas con un RASCA Y GANA de premio seguro: entradas para el primer partido de la próxima liga valoradas en 12 €, vales por 2 entradas, invitaciones para media temporada e incluso para toooooda la próxima temporada entera,... ¡La casa por la ventana!

¡Si eres de Alcalá, eres del Alcalá!

¡Te esperamos!

Thin Lizzy - "Night Life" - John Doe and the Sadies:

2011-05-10T15:25:00.000-07:00

Que a Phil Lynnot le iba la estética y la temática de artistas Rock americanos como Bruce o Bob Seger todos lo sabemos ya gracias al programa de la semana pasada, pero que también le iba el Country... ¡Eso sí que me sorprendió!

A esta conclusión llegué la semana pasada cuando tras desempaquetar mi pedido mensual de música, ví que me habían encasquetado un disco que yo no había solicitado...
Pero como soy muy buena persona, decidí no cabrearme y dar una oportunidad al álbum "Country Club", editado por Houston Pary Records en 2009 y que según rezaba la portada era obra de John Doe And The Sadies.

Buscando información previa antes de escucharlo para ver a qué me enfrentaba, leí que "County Club" era el resultado del encuentro fortuíto en un bareto canadiense de un tal John Doe -líder de una banda californiana de Punk bastante reconocida en los 80 llamada X- y de un grupo de Country-Rocl Alternativo llamada The Sadies.
En palabras del propio John Doe: "Yo estaba tocando solo, les pedí que me acompañaran en el escenario y todo fue muy natural..."
Hasta ahí lo normal, la típica colaboración entre bandas y artistas que coinciden en un espacio cerrado con instrumentos cerca, pero lo bueno viene a continuación con un "Para el final del concierto ya estábamos un poco borrachos y surgió el tema de por qué no hacíamos un disco Country. Ellos dijeron que por supuesto y el CD es, simplemente, una promesa cumplida".

Y yo añadiría algo más, una promesa cumplida y muy positiva:
Country del bueno del de garito de carretera en la América más profunda, un sonido de lujo y un repertorio cuajado de clásicos del género entre los que se encuentra "Night Life" : Un tema que sonará a muchos por ser el nombre del disco y de la canción que Thin Lizzy publicó en 1974. Pues bien, resulta que en realidad esa "Night Life" es una recreación en clave Rock de una composición original perteneciente a Willie Nelson que apareció, por primera vez en 1965 y para la RCA, dentro del álbum "Country Willie: His Own Songs"... ¡Una tarde entera que me tiré para buscar los datos! ¡Estoy fatal de lo mío!

Ahí os dejamos con la inspiración americana de Phil Lynnot, con el punkarra metido a vaquero del salvaje oeste y con "Night Life" :

¡No os lo perdáis!

2011-05-07T10:20:00.000-07:00

Thin Lizzy

2011-05-05T05:35:00.000-07:00

No había duda.¿Quién dudaba?¿Quién? No podíamos acabar la temporada sin hablar de los magníficos Thin Lizzy. Una de las bandas de mi época favorita, llamadme purista si quereis, los 70.
Ese sonido auténtico que todos conoceis, aunque alguno piense que no. Si señor, los has oído seguro, en algún bar, seguro, seguro. Y si no, hoy lo vas a comprobar.

Dicen que Thin Lizzy tiene influencias de Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Cream… todos grupazos ya amigos de este sultanato, o incluso influencias de Van Morrison, próximamente sultanizado.

Phil Lynot, al que dedicaremos una sección enterita en la 2ª entrega de este especial Thin Lizzy, decidió en los 60, años que pasó en un instituto de Dublín, formar una banda. Pero aunque probó con muchas, no fue hasta 1969 cuando ya con su legendario bajo Fender Precision, conoció al guitarrista Eric Bell, quien había tocado con un buen puñado de bandas, como The Bluebeats, The Deltones, The Jaguars …Con Bell formaría un trío completado con su amigo Brian Downey a la batería. El nombre de Thin Lizzy fue propuesto por Bell.

El trio comenzó a girar por pequeños locales interprendo versiones de Jimi Hendrix, su principal influencia en estos inicios. Tras grabar el single “The Farmer” en Parlophone de noviembre de 1970, y tras un concierto, Frank Rogers de la Decca les hizo una oferta para que grabaran en sus estudios. En ese concierto el grupo estaba acompañando al cantante Ditch Cassidy, a quien el gran sello seguía los pasos.

Lo primero que publicó Thin Lizzy en Decca fue el single “Things Ain't Working Out Down On The Farm”. Más tarde aparecería su Lp debut, “Thin Lizzy” de 1971, un apreciable disco producido por Scott English. Este Lp está algo infravalorado y es algo más tranquilo, sensible y melódico que sus Lps más conocidos. Lo interesante de este Lp es la influencia tan clara de Jimi Hendrix y las mezclas de folk, blues y progresivos. Entre sus temas destacan “Clifton Grange Hotel”, “Dublin”, “Honesty is no excuse” o “Look what the wind blew in”.

... Proximamente más.

Listado de Temas programa Thin Lizzy 1ª Parte:

2011-05-04T18:13:00.000-07:00

1º "Philomena" - Thin Lizzy - Nightlife - Vertigo - 1974.

2º "Look What The Wind Blew In" - Thin Lizzy - Thin Lizzy - Deram - 1971.

3º "Sarah" - Thin Lizzy - Shades Of A Blue Orphanage - Deram - 1972.

4º "Dublin" - Thin Lizzy - Thin Lizzy - Deram - 1971.

5º "Black Boys On The Corner" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

6º "Jailbreak" - Thin Lizzy - Jailbreak - Vertigo - 1976.

7º "The Boys Are Back In Town" - Thin Lizzy - Jailbreak - Vertigo - 1976.

8º "Whisky In The Jar" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

9º "Still In Love With You" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

10º "Suicide" - Thin Lizzy - Fighting - Vertigo - 1975.

11º "Rosalie" - Thin Lizzy - Fighting - Vertigo - 1975.

12º "Little Girl In Bloom" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

13º "Hush" - Funky Junction - Funky Junction Play A Tribute To Deep Purple" - Stereo
Gold Award - 1972.

Ya que soy el que hace el listado, voy a darme el gustazo de poner la que es mi canción favorita de esta cacho de banda:

Un bajo palpitante, una batería perfecta, las guitarras de Eric en todo su esplendor, las letras distintas al resto... ¡Eran Thin Lizzy!

Luigi Russolo: máquinas, imaginación, ruido... Futurismo:

2011-04-28T10:28:00.001-07:00

Si en el programa dedicado a Aphex Twin íbamos de vanguardistas y experimentales, aquí en la sección de Rarezas no podíamos quedarnos atrás... ¡Teníamos que rizar el rizo! Por lo tanto, vamos a limpiar el polvo de nuestra máquina del tiempo, activar todas sus palancas y poner sus válvulas en marcha ¡porque vamos a viajar a la Italia de finales del siglo XIX y principios del XX!

En ese período tan revuelto y apasionante para la Historia, la Ciencia y la Cultura en general, aparecieron numerosos movimientos y corrientes de vanguardia que todos conocemos gracias a nuestros simpáticos profesores de literatura como los "ismos". Y concretamente sobre una de estas corrientes, el Futurismo, ¡es de lo que vamos a hablar un ratejo!

El Futurismo fue fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti e inaugurado a través de la redacción y firma el 24 de febrero de 1909 del Manifiesto Futurista. Éste surgió como un movimiento reaccionario que buscaba romper con la tradición, el pasado, y los convencionalismos de la Historia en su más amplia acepción. Para ello, Marinetti y compañía se dedicaron a ensalzar la vida contemporánea basándose en dos temas principales: la máquina y el movimiento. Temas que desarrollaron a su vez mediante ideas secundarias como la juventud, la revolución, la energía-la fuerza-la explosividad, lo mecánico...

De ahí la célebre máxima futurista: "Un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia".

Esto que suena es una pieza titulada “La Pioggia” que cuenta con el acompañamiento visual del proyecto vanguardista “Ballet Mécanique” -1924- de Fernand Leger y Dudley Murphy.

El futurismo abarcó numerosas disciplinas y entre ellas como es normal, estaba la Música. Aquí es donde entra en acción nuestro hombre: Luigi Russolo: un intelectual -algunos dicen que también ocultista-, pintor y músico trasalpino que se ha convertido, con el paso del tiempo y sin quererlo, en uno de los verdaderos precursores de la actual música electrónica y de vanguardia debido a su innovadora concepción musical.

Como teórico musical, Luigi publicó en 1916 "L´Arte Dei Rumore" o "El Arte de los Ruidos": la variante musical del manifiesto futurista. Una obra en la que podemos ver como el italiano ya se anticipaba y parecía adivinar el surgimiento de otros sonidos-ruidos que por entonces eran todavía inconcebibles, pero que pasado casi un siglo son tan habituales como la Vanguardia Contemporánea, la Música Experimental, el Ambient, o el Noise,…

Además, Luigi Russolo fue un gran inventor ya que todas sus teorías fueron llevadas a la realidad mediante máquinas y cachivaches como el russolófono, el arco enarmónico o el espectacular intonarumore. Instrumentos todos ellos que sirvieron de acicate, base y cimientos gracias a los cuales ha sido posible desarrollar la avanzada tecnología musical que disfrutamos hoy día...

Imágenes del intonarumori.

Y por el momento… poco más puedo decir, ya que todavía estoy leyendo e investigando por ahí sobre la vida y obra de este hombre...

Ahora os dejo con una pieza en la que Luigi a los mecanismos y su hermano Antonio al acompañamiento orquestal clásico, nos muestran una de esas propuestas que tanto asombraron al mundo. Eso sí, tengan en cuenta más su valor histórico y didáctico que el sonoro, ya que los años causan estragos sobre los soportes de grabación ¿de acuerdo?…
He aquí una evocadora y sugerente pieza datada aproximadamente en 1924 titulada… “Serenata per Intonarumori e Strumenti”:

R.E.M

2011-04-22T03:44:00.000-07:00

R.E.M. se formó en el pequeño pueblo de Athens, en el estado de Georgia, Estados Unidos. Descubriendo que tenían gustos musicales similares, el vocalista Michael Stipe y el guitarrista Peter Buck empezaron a trabajar juntos, y con el tiempo conocieron al bajista Mike Mills y al baterista Bill Berry.

En abril del año 1980 la banda debutó en una fiesta de cumpleaños con el nombre Twisted Kites. En verano del mismo año, 1980, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M.

En esta misma época, la banda conoció a Jefferson Holt, que los vió en Carolina del Norte y se convirtió en su manager. Fue entonces, con nombre y manager cuando los miembros de REM dejaron la universidad para centrarse en el grupo.
En el siguiente año y medio, REM realizó una gira por el sur de EEUU.

En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio Free Europe", producido por Mitch Easter, que incluía como cara B la canción "Sitting Still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone Records y editaron solamente 1.000 copias.

El sencillo fue un éxito en las radios independientes y por lo tanto también en las escuelas del sur del país. Las letras inquietantes y la voz de Stipe les daba ese sonido que les hacía distintos.

Como el single tuvo tanto éxito los sellos discográficos independientes se interesaron por REM y REM decidió interesarse por ello. Al final formó con IRS Records con el cual publicaron su primer EP, Chronic Town. La banda se fue a California para la grabación del EP.

El primer álbum de estudio de REM fue Murmur, lanzado en 1983. El disco debut tuvo mucho apoyo de críticas, incluso Rolling Stone que en esa época aún era lo que era colocó a Murmur como el mejor álbum del año 1983. El álbum llegó al puesto número 36 en la lista de álbumes de Estados Unidos (Billboard 200)

Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. hizo su primera aparición en la televisión, en el programa "Late Night With David Letterman", donde tocaron "Radio Free Europe" y "So. Central Rain (I'm Sorry)" (que después aparecería en su segundo álbum de estudio)

Su segundo álbum de estudio fue Reckoning, que se publicó en el año 1984. El primer single fue el ya mencionado "So Central Rain". Si bien el álbum fue criticado por ser poco comercial por parte de las radios principales, las radios independientes acogieron cálidamente el álbum.

Para el tercer álbum, Fables of the Reconstruction, la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, viajaron a Londres. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho complicadas y cargadas de tensión. Se dice que el frio de Londres se metió en Fables of the Reconstriction y por eso es un álbum tan oscuro.

Para su cuarto álbum REM ya había recobrado el calor de sus primeros trabajos y volvieron a un pop más alegre, el resultado Lifes Rich Pageant. Que no tuvo mucho éxito en EEUU pero si algo más en Gran Bretaña.

Tras el ligero éxito de Lifes Rich Pageant, R.E.M. lanzó el álbum Document. Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor hasta la fecha llegando al número #10 en el Billboard 200 y en el #28 en la lista del Reino Unido. Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros.

Su sexto álbum, Green se convirtió en un gran éxito y les llevó de gira.
En la década de los noventa la banda crece y crece. Tanto que Out Of Time (1991) vendió más de 10 millones de copias y en especial el single "Losing My Religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica), R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, lo que la ha hecho ser digna de los Sultanes del Swing.

Un año después, en 1992, R.E.M. lanza un disco más oscuro y con letras más sórdidas, Automatic for the People, considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento.
Y con este gran disco, dejamos la biografía de REM hasta el próximo día.

Moongardening Inc. y Motorpsycho / El Sol / Sábado 16 abril / 2ª Parte:

2011-04-19T12:47:00.000-07:00

"El ruido nos devuelve a la vida" : Esta frase se atribuye a Luigi Russolo, uno de los más grandes representantes del Futurismo italiano y un visionario de la música allá a principios del siglo XX ¡Y tenía más razón que un santo!

Tras el espectáculo de Moongardening Inc. y su recogida de bártulos, tocó hacer un breve intermedio hasta la llegada de nuestros noruegos favoritos. Como todavía quedaba un poco de tiempo y seguía haciendo calor me fui, como mandan los cánones, a por la segunda cerveza. El compañero de medicina de Alcalá me había guardado el sitio en primera fila y al regresar de la barra del fondo empezaron, esta vez sí, los Motorpsycho: Primero los dos miembros originales y fundadores –los sempiternos Bent Saether y Hans Magnus Ryan al bajo, guitarras y voces-, e inmediatamente después el alto y desgarbado Kenneth Kapstadt a la batería.

Los que han estado al tanto de este blog han visto que en los últimos tiempos he hablado bastante de esta banda. Esto se debe básicamente a que me han calado hondo y de forma especial, aunque he de reconocer que todavía no soy un seguidor tipo "veterano de Vietnam" como lo era mucha de la gente que por allí se paseó. De hecho, de su abultada discografía únicamente tengo 5 discos: "Let Them Eat Cake" -2000-, "It´s A Love Cult" -2002-, "Black Hole/Blank Canvas" -2006-, "Little Lucid Moments" -2008- y "Heavy Metal Fruit" -2010- que es justamente el que iban a presentar aquella noche.
Por lo tanto podría decirse que iba a asistir a este apabullante concierto prácticamente a ciegas. Pero eso sí, sin ningún tipo de miedo ante lo que me iba a encontrar o cohibido por encontrarme fuera de lugar. Muy al contrario, estaba con muchas ganas de ser sorprendido, porque de vez en cuando hay que asomarse al vacío, a lo inhóspito y dejarse llevar...

Una fuente totalmente fiable, Manuel Torreiglesias, dice que todas esas sensaciones y emociones generan una serie de sustancias que son muy buenas para el corazón al igual que lo son la verdurita y hacer un poquito de deporte diario. Si mi abuela le cree a pies juntillas… ¿Por qué yo no?

Pocas veces he disfrutado tanto de un concierto en el que no me sabía o tarareaba todas las canciones del grupo o artista, y tampoco cayó ninguna de mis favoritas –hasta el momento- de la banda como por ejemplo lo son "Year Zero", "Before The Flood" o “The Other Fool”. Pero qué más da todo eso cuando te disparan a quemarropa trallazos como "No Evil" o uno de los temas más interesantes de su último trabajo: El monumental y apoteósico "Starhammer", que tarda en arrancar pero que merece muchísimo la pena pararse un rato a escucharla:

Ante semejante arsenal uno queda descolocado, indefenso y sólo puede hacer una cosa. Sólo una cosa: ¡Flipar en colores!
Ahí, en primera fila y atrapado por los mágicos sonidos y el ambiente general a veces me dio la impresión de estar en una especie de Woodstock de formato reducido y bajo techo -a esta creencia ayudó mucho la presencia de unos cuantos señores que molaban un huevo, de unos “taytantos” años, que peinaban largas y canosas cabelleras y que se movían como David Crosby puesto hasta las trancas de cualquier sustancia alucinógena-.

Ahora por favor, vamos a hacer un pequeño ejercicio mental. Recordad por un momento ese día en el que estuvísteis en el concierto más guapo de vuestras vidas... Y decidme: ¿Qué os entraba en aquél momento por el cuerpecito cuando cerrábais los ojos y os dejábais arrastrar? Digo esto porque supongo que seréis de los que cierran los ojos en los momentos clave de un buen espectáculo ¿verdad? Me refiero a momentos como ese soberbio solo de guitarra que te dejó noqueado, esa grandiosa explosión instrumental o ese breve instante en el que tras alcanzar la cumbre, el volúmen bajó de intensidad y te dejó inmerso en un estado similar al de la ingravidez o al del trance...

Ya me responderéis cuando sea.
En mi caso me sentí más a gusto que en brazos. No puedo ser más simple, gráfico y llano.

Tras esta ida por los Cerros de Úbeda sobre cuestiones personales e individuales, lo que está claro es que una de las cualidades más evidentes de Motorpsycho es, como ya comenté otra vez, esa capacidad para crear con su sonido ambientes y mundos fantásticos a los que recurrir de vez en cuando, con tan sólo darle al "play", para volar y escapar de este cada vez más vulgar y agobiante mundo.

Musicalmente el concierto del sábado fue de lo más compacto, sólido y sin fisuras que he visto. Hubo situaciones accidentadas como cuando el cable de la guitarra de Ryan se soltó durante unos segundos al inicio de “No Evil” o cuando a Kenneth se le escapó una baqueta… Pero aquello no fue nada que la experiencia y la habilidad no pudiera solventar con tranquilidad y aplomo.

En otro orden de cosas, pese a las burlas que he sufrido alguna que otra vez por parte de un buen amigo mío, reconozco que el bajo eléctrico es mi instrumento favorito. Desde que tengo uso de razón me he fijado en maestros como Jack Bruce, John Entwistle y Chris Squire. Creo en él, en su versatilidad y en su peso específico dentro del Rock, y si tuviera alguna aptitud musical me dedicaría a este instrumento… Por fortuna, existen músicos como el zocato de Bent Saether, que con su demostración del sábado reforzó aún más toda la fe que tenía puesta sobre las cuatro cuerdas.
Conocía la habilidad de Bent con el bajo dentro de un estudio, pero el sonido que saca en directo es notablemente superior. Presenta todas las cualidades que admiro en un bajista: es dinámico –domina la melodía y los registros suaves propios del Jazz, los duros muros de acordes, dobla a la guitarra,…- y es sólido y constante. Algo importantísimo. Porque como dice mi padre, que de chaval era baterista: “En una banda de Rock sólo te puedes fiar de dos personas: el bajista y el baterista, ya que mientras el cantante y el guitarrista solo pensarán en las chicas y te la acabarán liando, nosotros somos los únicos que estaremos ahí pase lo que pase. Siempre".

Ryan lo bordó con su guitarra y las ondas de sonido que creaba con los efectos de pedal. Siempre me pareció muy complejo el empleo de este tipo de herramientas, pero la verdad es que viéndole parece pan comido.
Otra de las dudas que siempre me han entrado cuando veo en directo a un trío formado únicamente por Guitarra-Bajo-Batería es cómo solventarán el problema que se crea con la ausencia de las guitarras dobladas y del resto del acompañamiento instrumental que hayan empleado en el estudio –teclados, vientos, cuerdas y demás-, pero como ya comprobamos todos los asistentes en la versión en directo de “Starhammer”, ese mastodonte sónico y los teclados que recuerdan a "Fripp and Co". fueron resueltos de forma impecable.

Un pequeño detalle que me gustaría destacar es que Motorpsycho tiene también el mérito de haber sabido mantener y transmitir ya en pleno siglo XXI esa mística y aura de grandeza que ha rodeado siempre al formato musical conocido como Power-Trío. Una formación muy característica que encontró su hábitat natural de expansión a finales de los 60, y que contó con figuras inolvidables para la Historia de la Música como Cream o The Jimi Hendrix Experience.
Otro tanto que apuntar a estos noruegos.

Y no, no me olvidaba del corazón de la noche, del motor de la máquina… ¡Kenneth Kapstadt!
Si alguien intentara hacer en su casa algo similar a lo que hizo este chico en El Sol, el resultado al día siguiente sería estar con los brazos escayolados y con fracturas múltiples en los dos brazos porque… ¡Qué manera tan brutal de tocar la batería durante aproximadamente dos horas sin parar! ¡Qué firmeza y contundencia! ¡Qué coordinación para ser un mostrenco de unos dos metros y brazos infinitos! Pero es esa sensibilidad Jazz latente en su interior la que en mi opinión marca la diferencia entre los bateristas: En el mundo del Hard Rock o el Heavy por ejemplo los hay que son contundentes –a veces demasiado- pero es que suenan metálicos y fríos como una caja de ritmo. Sin embargo, si poseen ciertas nociones de música negra siempre es un plus. Esos rescoldos calientes se notan en las baquetas y en los parches…

Pero lo dicho, que impresionante el trabajo realizado por Kenneth. Ahí arriba le tenéis en plena faena. No se le ve la cara, pero tampoco importa mucho porque entre la geta de concentración que gastaba y que tampoco es muy allá..:)

Moongardening Inc. Y Motorpsycho, Motorpsycho y Moongardening Inc. Una gran noche que me ha encantado recordar…

Ojalá se repita.

Moongardening Inc, y Motorpsycho / El Sol / Sábado 16 de Abril / 1ª Parte:

2011-04-17T10:20:00.000-07:00

“It don´t mean a thing if it ain´t got that swing”: Esta frase se atribuye a Duke Ellington ¡y la verdad es que el maestro tenía más razón que un santo!

Ayer mismo tuve una ración extra de buena música con Moongardening Inc. y Motorpsycho. La cita fue en la sala El Sol, el sábado a las 21:30... Sí, sí, ya sé que juuuusto a esas horas se estaba celebrando uno de los acontecimientos más grandes de la Historia: "El Partido". ¡Pero qué queréis que os diga compañeros! Pues que de "Clásicos” y “Partidos del Siglo" nos vamos a hartar todo este mes, mientras que a Moongardening Inc. tenía ganas de verlos en directo y a los noruegos lo mismo, que vete tú a saber cuando les da por volver a pasearse por estas tierras.
Era el momento. Now or never. Ahora o nunca. O iba a Madrid o sabía que algún día, más tarde o más temprano, me iba a arrepentir.

Y arrepentirse está muy feo.

Como suele ser ya habitual, cuando una de las bandas o artistas que me gustan viene a tocar por aquí cerca siempre intento que algunos de mis amigos y amigas vengan conmigo. Para ello empleo una táctica de acoso y derribo que no sé si vosotros habéis hecho: ¿Aquello de estar varias semanas seguidas bombardeándolos con vídeos de Youtube, canciones, reseñas, entrevistas y demás? Pues nada, que siempre acaban dándome largas. Sutilmente, eso sí…
Debido a esto, lo normal es que casi siempre haya acabado optando por no acudir a ese determinado concierto, pero este año la cosa ha cambiado. Mi cabeza ha cambiado, y si no quieren venir ¡Ellos se lo pierden! Yo desde luego me apuntaré a todo lo que pueda.

Tras la ya habitual clavada de “la Conti”, salí de Alcalá de Henares pensando que me iba a encontrar un concierto más bien desangelado debido a una serie de factores como son el que Motorpsycho es un grupo con un número de seguidores no muy amplio por aquí, que la Semana Santa se nos venía encima y que "La Pachanga" siempre atrae a la gente al calor de los bares o de los sillones de casa con esas patatuelas, mejillones en escabeche y sus Mahous tan fresquitas.
Afortunadamente no pude estar más equivocado y la entrada a la sala estaba bastante concurrida. ¡Así da gusto! Y yo que iba con el temor de presentarme ante un desierto ¡Pero qué va! Menos mal que Madrid, que es muy grande y hay de todo, también tiene hasta gente especialita, rara y con tan buen sentido para la música.
La verdad es que todo tiene sus pros y sus contras. Es cierto que cuando a un concierto va poco público se evitan los engorros que suceden cuando hay mucha gente y se te cuela en la sala algún impresentable -del que no voy a hablar- como fue el caso de ayer, pero también lo es que los aplausos, gritos y alabanzas de los presentes rompen siempre la frialdad inicial del ambiente y los músicos suelen devolver ese agradecimiento en forma de una entrega mucho mayor... A esto la gente moderna le llama feedback, pero como disfruto con los rodeos y circunloquios, doy la versión larga.

Por cierto, en la fila a la hora de entrar conocí y me junté con un chico que estudia Medicina en Alcalá. Y ahí que pasamos el rato de espera charlando de música -de lo geniales que suenan los Motorpsycho, de los malditos precios de los discos de los Beatles, del submundo de las reediciones, de los festivales que empiezan a surgir con el buen tiempo...-. Algo que siempre se agradece.

A lo que íbamos: Tras caer la primera cerveza -es que hacía mucho calor- empiezan Moongardening Inc. Una banda que se define musicalmente en su Myspace como Folk-Rock, Nu-Jazz y Psicodelia. Muchas veces, cuando leo en las páginas de los grupos estos apartados pienso que debe ser obligatorio el rellenar esas casillas y que algo había que poner, porque de verdad que la propuesta de esta gente -más allá de lo que pueden indicar una serie de etiquetas a veces inconexas- es una propuesta articulada, compacta y que llega a nuestros oídos ya totalmente conformada. Con un sentido muy claro a la hora de hacer las cosas. Vamos, "con personalidad propia" como dicen en las revistas musicales cuando no se les ocurre añadir mucho más…
Su música es valiente, audaz, despreocupada por los convencionalismos y la homogeneidad de la escena actual, pero no por ello cometen el error de caer en excesos y pretenciosos barroquismos hasta llegar a lo inaudible. Más bien al contrario, responden a todo ello con dosis de calmada belleza musical, y algo de electricidad, que tampoco viene mal.

En el panorama nacional he visto pocas bandas que me llamaran tanto la atención en tan poco tiempo. Fue a principios de este año cuando pude escuchar el que es su primer EP titulado "The Green Dog Sessions". Lo primero que captó mi atención fue la voz de Sarah Van Der Meer.
Muy elegante y cálida, muy de cantante de Jazz de las de toda la vida que evidentemente nos recuerda a una de las más grandes, y no, no me refiero ni a Rocío Jurado ni a la Pantoja. Estoy hablando de una señora legendaria, de una dama del Jazz como la agridulce Billie Holiday.
Reconozco que esta especie de comparación son palabras mayores, así que si dudáis de ella ahí tenéis una prueba sonora:

¿Y de la banda qué podemos decir? Pues que pueden ser más suaves y más tiernos que el Día de la Madre o tan implacables como Bud Spencer al enterarse que quieren impedirle comerciar con plátanos, hacer una factoría y un casino cutre con el que enviciar y corromper a los nativos en “Banana Joe”. Espero que me entendáis...

En directo suenan bastante más duros que en estudio, y eso es fenomenal ya que los contrastes suavidad/contundencia -que siempre me han gustado- se hicieron más patentes todavía, aumentó la atracción, el gancho y nos llevaron donde quisieron.
La gente de Moongardening Inc. es además de las más originales que he visto a la hora de la instrumentación. Por ejemplo, en una canción el bajista empleó para su instrumento un arco de violín -algo que ya vi hacer a Jimmy Page con su Les Paul, pero nunca en un bajo eléctrico- logrando con ello un toque efectista que a mi me sorprendió, pero sobre todo efectivo, que es lo que realmente cuenta. Luego, creo recordar que para la canción “Down The Rabbit Hole”, la cantante utilizó el mismo arco pero esta vez ni más ni menos que ¡con un serrucho! ¡Como lo oyen! A ver, veamos… Que levante la mano quien de niño haya cogido el serrucho de la caja de herramientas de su padre o su abuelo para hacer el ruidito ese tan guapo que sale al agitarlo. Más de uno y de dos lo ha hecho ¿verdad? Si, yo también me encuentro entre esos niños que toqueteaban y hacían ruido con todo –el tambor del detergente, el molinillo del café,…- pero me da que no nos salían unos efectos psicodélicos tan majetes e interesantes como los que hicieron ellos.

Por cierto, que no se me olvide los sobresalientes punteos "bensonescos" del guitarrista, las potentes e imparables baquetas del baterista, el colchón creado por los teclados... Brillantes todos.

Y hasta aquí ha llegado la primera parte del concierto. Mañana o pasado finalizaremos con la traca final de Motorpsycho, pero de momento os dejamos con otro de los temazos de la banda que nos ha acompañado hoy Moongardening Inc. titulado "Down The Rabbit Hole":

¡Que guste!

Enjambre. Rarezas Programa 57 R.E.M 2ª Parte:

2011-04-13T15:52:00.000-07:00

Si en el anterior capítulo de Los Sultanes del Swing hablábamos de las raras y extrañas letras del amigo Michael Stipe, hoy no va a ser diferente, ¡créanme! Además, y uniendo esto a lo que también dije en el programa de hace un par de semanas: que Méjico es un país que últimamente me estaba dando gratas sorpresas musicales, vamos entonces a matar dos pájaros de un tiro y a tener una ración extra de lirismo críptico gracias a… ¡Enjambre!

Enjambre es una banda que me ha fascinado desde la primera vez que los escuché. La historia de estos mejicanos es curiosa, ya que se formaron como banda en los Estados Unidos -más concretamente en el condado de Orange, California- pero que ha tenido que ser de vuelta a su país de origen cuando han logrado alcanzar la fama y el respeto.

Hasta el momento han lanzado al mercado 3 discos: "Consuelo en Domingo", "El Segundo Es Felino" y "Daltónico", su último trabajo de 2010. Con todos ellos nos proponen algo muy complicado de describir y hacer entendible: Suenan de primeras como una banda de Pop-Rock al uso, pero en su trasfondo cuentan con algunos rasgos como esos teclados garajeros-tenebrosos-sesenteros en el apartado musical y ese puntillo de retorcimiento, oscuridad y humor negro en las letras que resulta chocante y atractivo a la vez.

No me entretengo más. Ahí os dejo con los mejicanos Enjambre y su canción titulada "Cambiante" . Disfruten:

Listado de Temas Programa 56 R.E.M:

2011-04-07T15:42:00.000-07:00

1º "Low" - REM - Out Of Time - Warner Bros - 1991.

2º "Losing My Religion" - REM - Out Of Time - Warner Bros - 1991.

3º "Nightswimming" - REM - Automatic For The People - Warner Bros - 1992.

4º "Talk About The Passion" - REM - Murmur - IRS - 1983.

5º "Everybody Hurts" - REM - Automatic For The People - Warner Bros - 1992.

6º "Sitting Still" - REM - Murmur - IRS - 1983.

7º "Perfect Circle" - REM - Murmur - IRS - 1983.

8º "Half A World Away" - REM - Out Of Time - Warner Bros - 1991.

9º "Man On The Moon" - REM - Automatic For The People - Warner Bros - 1992.

10º "A Movement Between These Two" - Hola A Todo El Mundo - HATEM Prayer Team - 2010.

11º "Fucking Boyfriend" - The Bird And The Bee - The Bird And The Bee - Blue Note - 2007.

12º "Again And Again" - The Bird And The Bee - The Bird And The Bee - Blue Note - 2007.

The Bird And The Bee: programa nº56 Especial R.E.M

2011-04-06T06:29:00.000-07:00

En Estados Unidos las radios universitarias, además de servir de receptor y transmisor de las nuevas corrientes culturales y artísticas, siempre se caracterizaron por convertirse en importantísimos elementos de apoyo y difusión para las nuevas bandas y artistas que surgían de costa a costa.

Hay algunos que deben más de lo que se imaginan a estas emisoras…

Nuestros protagonistas, R.E.M, fueron uno de esos grupos que también se beneficiaron del soporte ejercido por la comunidad universitaria americana ya desde sus inicios... Y otro caso similar, pero más actual es el The Bird And The Bee, un dúo de elegante Pop electrónico y delicados destellos jazzísiticos formado por Inara George a las voces y Gregg Kurstin al aparataje musical. Ambos son… ¡el pájaro y la abeja!

Gregg e Inara empezaron juntos sus andanzas versionando a su manera clásicos del Jazz, colgando sus trabajos en Myspace y lanzando un primer EP que llamó la atención tanto del público como de la crítica americana, lo que facilitó bastante las cosas para que acabaran consolidando su situación contractual y firmaran con la prestigiosa discográfica Blue Note...

En 2.007 salió a la venta su primer álbum grande, “The Bird And The Bee”:
Un artefacto repleto de suavidad vocal, una pizca de sentimiento Jazz del de toda la vida, de Bossa-Nova, de Easy Listening y de mucha modernidad sintética.

En fin, un álbum muy ligero y disfrutable. ¡Totalmente recomendado desde este espacio de los Sultanes!
Ahora os dejo con el brillante tema con el que conocí a esta parejita:

Janelle Monáe. Programa nº55 Especial Madonna:

2011-03-29T14:39:00.000-07:00

Está claro que Madonna es todo un referente a seguir por aquellas artistas que quieran ser algo en el mundo del espectáculo y del entretenimiento masivo. Por eso no es difícil encontrar en gente como Pink, Lady Gaga, Rihanna y demás sucedáneas ese desparpajo -traducido en provocación- y ese dominio absoluto de lo formal y de lo estético... Es decir, las señas de identidad de la llamada Reina del Pop…

Pero por fortuna, de vez en cuando aparecen artistas femeninas que poseen una personalidad desbordante y que buscan, más allá de la mera superficie, profundizar en la música y en su arte sin atenerse a los dictados del momento.

Este es justamente el caso de Janelle Monáe: una cantante de R´n´B distinta al resto -ya que no aparece en videoclips rozándose contra las paredes-, y valiente -ya que entrelaza sonidos con una habilidad increíble rompiendo etiquetas y convencionalismos, sin importar nada más que su propio criterio e instinto musical-.

Valga como ejemplo la canción que nos está sirviendo de fondo, "Babopbye ya": toda una demostración de poderío en la que Janelle manifiesta a las claras su aprecio por las grandes damas del Jazz, todo ello con una orquesta sinfónica completa a sus espaldas.

Algo me dice que muchas estrellitas de ahora no estarían capacitadas para hacer algo similar a esto:

Archandroid, su álbum debut de 2010, es un trabajo visionario, arriesgado y poliédrico en el que aparece reflejada toda la música que ha marcado a Janelle a lo largo de su vida. En él podemos encontrar desde trazos de la música clásica de Debussy y el Funk de George Clinton, hasta del sonido Minneapolis de Prince y la suavidad Soul, pasando por otras honorables huellas y detalles que iréis encontrando a lo largo del minutaje y que hacen de Archandroid una delicada obra de filigrana sonora...

Pero no olvidamos que estamos en la era de la imagen, y aquí Janelle también se distancia del resto de la competencia luciendo y combinando una estética futurista que recuerda a veces a Metropolis y otras películas de ciencia ficción de ese estilo, un vestuario años 50 muy cercano a Little Richards y un tupé y maneras de ser sobre el escenario que recuerdan a James Brown…
Una fuera de serie en toda regla.

Felizmente, Janelle está empezando ya a sonar en nuestro país gracias a dos impecables temas publicados y lanzados inteligentemente como singles:
Junto a "Tightrope", la canción que abrió a Janelle las puertas del reconocimiento, está su otro sencillo que se titula "Cold War", un corte muy interesante de R´n´B actual en el que Janelle nos muestra un genio creador y un talento vocal que espero que la acompañe muchos años. Además, este tema se ha hecho acompañar de uno de los videoclips promocionales más sencillos, impactantes y atractivos que he visto en los últimos tiempos.

Aquí y ahora, tenemos todos la oportunidad de admirar el talento musical de Janelle y cómo no, el emotivo y arrebatador magnetismo de su mirada:

Concurso BSO Sultanes del Swing edición1

2011-03-29T13:43:00.000-07:00

Adivina de qué película es esta BSO

Phil Collins

2011-03-25T02:36:00.000-07:00

Phil Collins al que bautizaron como Philip David Charles Collins nació el 30 de enero de 1951 en Chiswick, Inglaterra.

Cuando los Collins regalaron al pequeño Phil de 5 años una batería de juguete por Navidad, nunca pensaron que le gustaría tanto el regalo.
Estando en la Escuela Comunitaria Chiswick, formó una banda llamada The Real Thing y más tarde se unió a The Freehold.

Pero la primera grabación de Collins fue como baterista de Flamming Youth en 1969 Se tituló “Ark2”, sin embargo no tuvo mucho éxito comercial y después de un año de gira, las tensiones dentro de la banda y la falta de éxito comercial terminaron por disolver el grupo.

En 1970, Phil Collins respondió a un anuncio Melody Maker donde se buscaba "... un baterista sensible a la música acústica". La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel. Un año más tarde ya grababa con Génesis, "Nursery Cryme”, el 3º álbum de la banda.(prox Post)

En 1974, mientras Genesis grababa el álbum "The Lamb Lies Down on Broadway", Brian Eno necesitó de un baterista para su "Another Green World". Collins fue el elegido.
Entre 1976 hasta 1983 participó en el grupo Brand X como baterista editando nueve discos.

En el año 1979 colaboró con Camel en su disco I Can See Your House From Here en la percusión. Al año siguiente colabora con Mike Oldfield en el disco "QEII" también en las percusiones.

Desde 1981 desarrolló su carrera en solitario paralela a la de su trabajo con Genesis. Su primer álbum en solitario, "Face Value" del año 1981, se dice que fue un reflejo de la ruptura de su primer matrimonio y por eso suena tan melancólico.

"Hello, I Must Be Going" de 1982 fue otro disco que alcanzó gran popularidad y del cual se extrajo un sencillo, "You Can’t Hurry Love", que se situó en el primer puesto de las listas de ventas británicas.
Otro de los álbumes con mayor éxito internacional fue "No Jacket Required" de 1985 .
Otros títulos a destacar en su discografía son: "...But Seriously" de 1989, disco que para muchos es el mejor que ha grabado en su carrera, siendo ganador de Grammy´s, con el famoso tema "Another day in paradise" "Both sides " (1993), "Dance Into the Light" (1996).

En marzo de 1996, después de 26 exitosos años con Genesis, Phil Collins decide abandonar amistosamente la formación para dedicar más tiempo a su carrera como solista y a su familia.
Posteriormente ha centrado su actividad creativa en la composición de bandas sonoras, de las que nos hablará en próximos post Paula

En 2002 lanza su álbum "Testify", pero su último álbum "Going Back", que se lanzó en Septiembre del 2010, y que se trata de un álbum dedicado a covers de canciones que escuchó de niño y siempre quiso grabar.

Hace tan sólo unas semanas Phil Collins anunció su retirada del mundo de la música, se ha barajado sus continuos problemas de salud, problemas en la columna, en las manos, en los oídos… se han barajado que quiere pasar tiempo con sus hijos. Pero lo único que sabemos es que Phil Collins se retira.
También se dice que el propio Collins dijo: no creo que nadie me eche de menos.
Pues Phil, creo que puedo decir en nombre de mis 4 compañeros, que al menos nosotros, los sultanes, vamos a echarte de menos.

Rarezas Musicales ¿del Programa 54? Dedicado a Phil Collins:

2011-03-24T11:45:00.000-07:00

Conocido es por todos el amor que Phil Collins ha tenido siempre por el Soul. Así bien lo demuestran tanto su honesta y reconocidísima versión del “You Can´t Hurry Love” de The Supremes y las secciones de viento-metal de esencia negra que siempre salpicaban sus discos (cortesía en muchos casos de la Phenix Horns), como su último y al parecer poco exitoso disco de versiones homenaje a la histórica compañía Motown.

Como suele ser habitual, en esta vida casi todo el mundo toma una postura y se posiciona en uno u otro lugar. En este caso, siempre hay unas preguntas que sirven para entablar una buena conversación o discusiónen las que está muy clara la intención de buscar la polémica y el enganchón: ¿Quién es mejor o a quién prefieres? ¿A Phil Collins o a Peter Gabriel?
Personalmente Genesis –la banda en la que estuvieron estos dos hombres-, nunca me llamó del todo la atención: ni en sus inicios dentro del Rock Progresivo ni en su posterior etapa Pop; aunque si debo quedarme con alguien, entonces elijo sin dudas a Phil debido a su carisma y a ese don para saber conciliar lo comercial, lo pegadizo y esa percusión tratada de forma sintética que tanto me cuesta aceptar propia de los años 80 con las bases de la buena música negra de siempre.
Además, si he de ser sincero en su día, cuando era niño, esas músicas tan extrañas y esos horribles videoclips que salían de la mente de Peter tipo "Sledgehammer" me provocaron unas cuantas pesadillas… y eso es algo que al final marca y sale a flote más tarde o más tempano, como en este caso.

Ese gusto de Phil Collins por el sonido negro hizo que entablara grandes amistades con artistas de ese mundo. Y ahí es donde entra en acción su tocayo Philip Bailey, el cantante y compositor de Earth Wind and Fire: esa mítica agrupación de Chicago que basaba toda su fuerza en el R´n´B y en la fiebre Funk para crear clásicos tras clásicos como “Let´s Groove”, “Fantasy” o “September”…

Fruto de esta relación personal y profesional surgió “Easy Lover”: una canción donde la presencia del característico falsete de Philip Bailey impregna hasta el último rincón del tema con un optimismo, vitalidad y energía desbordante, convirtiéndose junto a la producción de Phil Collins, en uno de los elementos clave que hizo que esta canción alcanzara el puesto nº 1 en Inglaterra, el nº 2 en USA, y se convirtiera en un rotundo éxito mundial.

De forma paralela a Earth Wind and Fire, Bailey inició una carrera musical en solitario en la que daba rienda suelta y ampliaba aún más sus anteriores registros, abarcando ahora estilos más depurados y elegantes como el Gospel, el Nu-Soul y el Jazz, con un resultado en cuanto a ventas menos llamativo pero eso sí, de una calidad suprema...

Una prueba del refinamiento que alcanza Philip Bailey en este álbum es esta versión remozada del "Keep Your Head To The Sky":

http://www.goear.com/listen/51d98bb/keep-your-head-to-the-sky-p-bailey

Nos despedimos por hoy con una canción perteneciente al último disco de Bailey del que tengo constancia: “Soul On Jazz”, editado en 2002 por Heads Up International.
Cuenta con la impecable producción del neoyorquino DJ Smash y es tan alegre y positiva que siempre que la escucho me dibuja una sonrisa en la cara…

En fin, es una de esas canciones que quita todos los males, sustituye a todos los psicólogos del mundo y que se titula "Bop Skip Doodle":

http://www.goear.com/listen/d7a27f8/bop-skip-doodle-p-bailey

Como Goear últimamente me está vacilando y no me suenan sus reproductores -eso sí, la publicidad no falla-, mejor os dejo entonces los enlaces directos que llevan a las canciones...
¡Espero que suenen y que os gusten!

Méjico Musical:

2011-03-18T16:13:00.000-07:00

En el programa del martes que viene vamos a tener muchas cosas y va a sonar la mejor música, como está mandado. Eso es que no falla, pero...

...Si hacemos una pequeña recapitulación, nos damos cuenta que la mayoría de los artistas que solemos poner son anglosajones: estadounidenses o británicos. Pero a veces, si echas un vistazo al mapa del mundo y abres bien las orejas, te puedes topar con grandes sorpresas sonoras.

En mi caso, llevo ya más de un año que no salgo del asombro con la cantidad y calidad de la música que sale de ese país llamado Méjico, un país que no sé por qué, pero siempre he sentido cierta admiración y cariño por él. La verdad es que antes de ponerme a buscar, la idea preconcebida que tenía hecha de este país dista mucho de lo bulliciosa, creativa e innovadora que en realidad es la escena musical mejicana.

A continuación voy a mostrar brevemente los 3 grupos que más me han llamado la atención en los últimos tiempos:
Café Tacvba: estos son unos históricos. Llevan desde inicios de los 90 creando un mundo maravilloso en el que el folclore mejicano -rancheras, el rollo mariachi, los corridos,...- y el Rock Alternativo en todas sus variantes se dan la mano como bien nos demuestran en el tema "Ingrata", que trasmite esa tradición musical tan rica. Las letras de estos tipos dejan poso y
la gran mayoría de sus discos se caracterizaban por poseer el sonido propio de una caja de ritmos, algo que en mi opinión le resta potencia, pero afortunadamente es algo que solventaron en 2.007.
En este año publicaron "Sino", un verdadero discazo en el que hay de todo para todos. Se dice que es el disco más maduro de la banda. Esto puede parecer un tópico, pero no lo es en absoluto ya que tiene un sonido más reposado, pulido, actualizado y compacto que sus anteriores trabajos...
Contiene verdaderas joyitas -"Tengo Todo", "Esta Vez",...- pero vamos a poner únicamene las dos canciones que más me impactaron de Café Tacvba:
"Volver A Comenzar" la descubrí gracias a la banda sonora del videojuego Little Big Planet. A partir de ahí fuí tirando del hilo hasta dar con ellos.
Estéticamente son únicos, el mensaje de las letras me parecen realmente apreciables e interesantes y el dulce recubrimiento Disco-Pop engancha.
¡Entonces qué más se puede pedir!:)

Líricamente "Quiero Ver" es un bolero de los de toda la vida de Dios pero trasplantado al siglo XXI e interpretado por unos tíos que saben lo que se hacen. El ritmillo del bajo y la batería tiene reminiscencias de la Motown y el videoclip es una pasada:

El siguiente grupo es Plastilina Mosh, un duo de orfebres y profesionales del corta-pega, los samples, y las bases rítmicas contagiosas. A estos jefes de la música heterodoxa se les conoce por ahí como los Beastie Boys de Monterrey, y no andan muy desencaminados con esa definición. Para muestra un botón:

Con el paso del tiempo la pareja ha ido perdiendo ese toque sucio o dejado más propio del Hip-Hop para abrillantar el sonido hacia unas posturas más Dance o Pop Electrónico.
El sentimiento hedonista y el humor de esta gente sigue inalterable y se siguen saliendo, como bien se aprecia en las canciones "Pervert Pop Song" y "Let U Know" -en esta última, del 1:35 al 1:40 es que me parecen brillantes con los gestos del tocinillo-:

Y ya los últimos son Enjambre. Una banda mejicana que me ha fascinado desde la primera vez que los escuché. La historia de esta gente es curiosa, ya que se se formaron como banda en Estados Unidos -California- y ha tenido que ser de vuelta a su país de orígen cuando han alcanzado cierta fama.
"El Segundo Es Felino" es el trabajo de Enjambre que más me ha gustado hasta la fecha. Es muy raro de describir porque en nuestro país no gozamos de grupos con características similares. Suenan como una banda de Pop-Rock al uso pero con un punto de retorcimiento, oscuridad y de humor negro tanto en las letras como en la música que me resulta chocante y a la vez atractivo.

"Impacto" es mi canción favorita de Enjambre. En ella colabora la señorita Lo Blondo, talentosa cantante de Hello Seahorse! -ahí dejo el nombre de otra banda mejicana para que busquen-. La forma de cantar, el énfasis y sentimiento que le ponen a las letras está en las antípodas de lo que se hace últimamente por aquí en España, y por eso mismo me provoca tantas sensaciones("me derrite, me transmite"). Desde la distancia, por ese dramatismo y lirismo, le veo muchas conexiones con la canción romántica melódica tradicional, con los boleros,... Pero todo con buen gusto, claro.

Espero que guste este repaso a la Música de Méjico.

Bob Marley

2011-03-17T06:56:00.000-07:00

Si haceis memoría recordareis que hace unas semanas hablamos aquí en los Sultanes de The Wailers. Si no teneis memoría no os preocupéis, sois bienvenido igualmente y podeis escuchar los podcast en el blog, aquí a la izquierda.
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Robert Nesta Marley Booker o Bob Marley, como os guste más, nació en Nine Mile, Saint Ann Parish, en el bonito país de Jamaica el 6 de febrero de 1945. Bob Marley fue músico y compositor de bandas de ska, rocksteady y sobretodo reggae. Marley se convirtió el el más conocido y respetado músico rastafari de su país y del mundo entero.

Fue hijo de Cedella ‘Ciddy’ Malcolm, una mujer negra de diecinueve años, y de Norval Sinclair Marley, un jamaicano blanco de clase alta y origen inglés, de más de cincuenta años. Una familia, la de Bob, que nunca vivió junta.
Durante su infancia Bob Marley vivió con su familia materna, muy creyente en religiones locales y que creían que el joven Bob poseía poderes por estar “tocado por el dedo del Señor”. Pero el pequeño Bob se quejaba “ahora soy cantante”.

Cuando Bob Marley ya tenía 11 añitos se traslada a Nine Miles Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny. Bob y Bunny comienzan a ser amigos y a intentar imitar juntos las canciones emitidas por las emisoras del sur de Estados Unidos. Copiaban a artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Fats Domino o James Brown.
Con 14 años Bob dejó la escuela y consiguió un empleo como soldador, pero una chispa del equipo con el que trabajaba le quemó un ojo. Este accidente fue leve pero sirvió para que dejase el trabajo y se concentrase con Bunny en la música.

En febrero de 1962, Bob Marley conoció al cantante Derrick Morgan, que había estado grabando abundantemente con el productor jamaicano de origen chino, Leslie Kong. Entre febrero y abril de 1962 publicó tres canciones que aparecieron en el sello Beverley’s, propiedad de Kong, aunque hay un consenso general acerca de que en este momento Bob era mejor bailarín que cantante. "Judge Not" y "Do You Still Love Me?" fueron las dos caras de su primer single, a las que seguiría "One Cup of Coffee".

Bob y Bunny acostumbraban a ir a la casa de Joe Higgs, un cantante que, a pesar de poseer cierta fama en la isla, continuaba residiendo en Trench Town y daba clases de canto para principiantes. Allí sería donde se encontraron los Wailers por primera vez en 1961. Y aunque su talento estaba aún sin refinar, hicieron lo suficiente para convencer al productor para grabar. El ritmo de moda en Jamaica entonces era el Ska que, con un golpe marcado y bailante, mezclaba elementos africanos con el rhythm & blues de Nueva Orleans.

Cedella, la madre de Bob Marley se había casado y mudado a Delaware en los Estados Unidos y quería darle a Bob una nueva y buena vida en EEUU así que reunió el dinero suficiente para comprar un pasaje de avión para su hijo. Antes del viaje Bob había conocido a Rita Anderson, con la que se casaría el 10 de febrero de 1966 y con la que tendría varios de los once hijos que Bob reconoció. Al día siguiente de su boda. viaja a Delaware, en donde Marley encontró un trabajo nocturno en el departamento de repuestos de una fábrica de automóviles Chrysler. Pasó apenas ocho meses con su madre antes de volver a Jamaica. Su intención era ahorrar para montar su propio sello, pero una citación para el Vietnam acabó con la aventura.

Bob regresa a Kingston en Octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de su Majestad Imperial. Esta visita había dado un gran impulso al movimiento Rastafari de la isla. La implicación de Marley con estas creencias estaba creciendo y, a partir de 1967, su música comenzó a reflejarlo. Para entonces el Ska había dejado paso a un ritmo más lento y sensual llamado Rocksteady.

Tras el regreso de Bob con suficiente dinero para establecerse por su cuenta, y, determinados a controlar su propio destino, crean su propia etiqueta: Wail’n Soul y Bob entregaba los discos de Wail’n Soul alrededor de la isla en una bicicleta
Johnny Nash, cantante estadounidense de soul, había acudido a grabar su música a Jamaica porque allí resultaba bastante más económico que en los EE.UU. Allí conoció a Marley en una reunión de Rastas. Él y sus socios Danny Sims y Arthur Jenkins firman un contrato de management con los Wailers. Bob les dice que quiere ser una estrella en las listas de rhythm & blues de los Estados Unidos y comienzan a grabar para la etiqueta JAD (Johnny, Arthur y Danny) en Jamaica, añadiéndose posteriormente retoques en Nueva York, realizados por los miembros del grupo de Aretha Franklin. La gran mayoría de las canciones no salen al público, y van publicándose con cuentagotas. En 1968 Sims y Nash continúan promoviendo a Bob Marley con la idea de convertirlo en una estrella internacional.

En el verano de 1969 Bob y Rita visitan a la madre de Bob en Delaware. Durante el viaje escribe Comma Comma, que más tarde se convertiría en un éxito internacional para Johnny Nash.

Respecto a la época de Bob Marley con The Wailers podeis leer el post sobre The Wailers.
Sólo os voy a recordar los álbumes más importantes para que os hagáis un repaso y no os descoloquéis.
Catch a Fire 1972
Burnin’ 1973
Natty Dread 1974 Rastaman vibration 1976
Exodus 1977
Kaya 1977
Babilon by bus 1978
Survival 1979
Y por ultimo Uprising

En 1977 y tras una triunfal gira europea Bob, que se había lesionado jugando al fútbol al iniciar la gira, recibe la noticia de que tiene células cancerígenas en la piel de su dedo lesionado.
En 1980 tras los shows en el Madison Square Garden, Bob se cae en el Central Park y los médicos le dicen que el cáncer ha llegado a sus pulmones y cerebro y que apenas le quedan un par de semanas de vida. El músico viaja de hospital en hospital intentando salvar su vida, pero es imposible y el lunes 11 de mayo de 1981 Bob Marley muere acompañado por su familia.

Jamaica entra en un estado de shock. Hasta el Parlamento se cerrará durante los próximos 10 días.
El 21 de mayo el Honorable Robert Nesta Marley. recibe un funeral estatal encabezado por el primer ministro. La multitud más grande en la historia del Caribe observa mientras el cuerpo del fallecido cantante viaja a su lugar de nacimiento en Nine Miles.
Además, en abril de 1981 se le había otorgado la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país.

Rarezas Musicales Programa 54 Especial Bob Marley:

2011-03-10T14:00:00.000-08:00

¡¡¡Ahí tenéis un anticipo de lo que escucharéis el martes que viene!!!

Los que suenan hoy aquí, en las Rarezas Musicales son los legendarios mallorquines de La Puta Opepé: una de las bandas más personales del Hip-Hop y cómo nooo, pioneros por derecho propio del Reggae, Ragga y Dancehall nacional.

Estos tipos tienen un lugar privilegiado en la historia del Hip-Hop y segurísimo que a los que os guste este tipo de música ya los conoce de sobra, pero vamos a hacer el esfuerzo de hablar un poco de ellos para que el resto de la gente que nos lea y escuche sepa de qué iban estos genios, qué nos ofrecían...

Si estáis cansados de las temáticas cansinas del Rap y de ese rollo Gangsta-malote, no hay duda: La Opepé es vuestro grupo, ya que a diferencia de la mayoría de las bandas, estos máquinas lograron crear un mundo, una jerga y un estilo propio que se situaba en las antípodas de lo que estábamos acostumbrados, plagado de un original sentido del humor –como lo demuestran con esta oda al vino de cartón Don Simón- pero que era totalmente compatible con una conciencia y sentido crítico que de verdad, les hacía únicos e irrepetibles:

Pero aquí en concreto vamos a hablar de un miembro de La Opepé, El Hermano Ele: uno de los MC´s y cantantes más versátiles del panorama nacional ya que le da al Rap, al Reggae y al Ragga sin ningún tipo de problema, con un dominio tremendo de la palabra y con un carisma insuperable. Características que han hecho que sea solicitado para que aparezca en numerosos discos y mixtapes, y también que su lista de colaboraciones sea interminable, apareciendo en ella nombres tan ilustres como Jota Mayúscula, R de Rumba o los brutísimos Duo Kie...

Como hemos dicho, El Hermano Ele es uno de los artistas más versátiles, pero no solo en cuanto a estilo sino también en cuanto a las temáticas que trata en sus canciones, que se caracterizan por tener unas letras que, eso sí, siempre con un toque divertido, abarcan un amplio espectro de cuestiones: tratando temas actuales y muy de la calle como son la hipocresía de esos amigos que por la espalda te la acaban liando, el caos y la crisis en que vivimos rodeados, la corrupción y especulación inmobiliaria o la codicia, ese enfermizo amor por el dinero,...

Y para que vean que en este mundillo no todo son proxenetas o machistas, y que de verdad merece la pena esta música, ahí os dejo con un tema en el que El Hermano Ele reflexiona sobre una de las miserias más grandes de nuestro país: hablamos de la violencia doméstica o familiar.
Escúchenlo con los oídos bien abiertos y no se llamen a engaño...

Esta canción se titula…"Lo Más":

Nickelback

2011-03-09T05:12:00.000-08:00

Nickelback es el grupo que nos ocupa hoy. El grupo que nos recomendó Alejandro, o como se hace llamar él, nuestro oyente número uno que nos acompañó en el programa de ayer día 8 de Marzo.
Hablemos de Nickelback pues.

Nickelback es un grupo musical canadiense de rock, fundado por Chad Kroeger, Mike Kroeger, Ryan Peake y Brandon Kroeger, que fue su primer baterista.
Comercialmente Nickelback es uno de los grupos canadienses más exitosos. Ha vendido más de 30 millones de copias en el mundo.

El primer lanzamiento de Nickelback fue un EP de siete canciones llamado Hesher, en 1996. Ahora mismo dicen que es difícil de encontrar. En ese mismo año 1996, Nickelback grabó su primer álbum de estudio llamado Curb.

El siguiente álbum, The State, se grabó en 1998 y fue lanzado como producción independiente. Y parece que a EMI les debió gustar porque firmaron con ellos y con el sello Roadrunner Records. Así The State fue relanzado en el 2000 bajo los 2 sellos convirtiéndose en disco de oro en Canadá y en los Estados Unidos y platino en el 2008.
En el 2001, Nickelback lanzó el álbum Silver Side Up, que los catapultó a la popularidad. Y los primeros puestos de las listas de éxitos de Canadá, EEUU y de la Billboard.

En el 2003, Nickelback lanzó su cuarto álbum, The Long Road y fue también un éxito.
El quinto álbum de estudio de la banda, se llamó All The Right Reasons, y ha vendido más de 7.000.000 copias sólo en EEUU.
Nickelback telonearó a Bon Jovi. Concretamente en la gira europea del Have a Nice Day Tour de2006, en el que a su vez Nickelback estaba promocionando All The Right Reasons.

En el 2007, el guitarrista y líder de la banda Chad Kroeger, hizo una colaboración para el también guitarrista Carlos Santana en el álbum The Ultimate Santana en la canción 'Into the Night'

El sexto y último álbum de Nickelback se llamó Dark Horse, y fue lanzado el 18 de noviembre de 2008, con producción de Robert "Mutt" Lange.

Gary Moore

2011-02-28T05:36:00.000-08:00

Gary Moore nació en Belfast, Irlanda del Norte el 4 de abril de 1952 y está considerado uno de los mejores guitarristas del mundo. Ha pasado por numerosas bandas y muchos de los mejores músicos, músicos de los que hablamos en los sultanes, han trabajado con él.
Hoy queremos dedicarle este espacio como nuestro pequeño homenaje.

Gary Moore comenzó tocando en una banda llamada The Boys, pero al poco, con 16 años, se incorporó a la banda Skid Row (que no es Skid Row, la que creéis, no es la heavy). En Skid Row tocó con Brendan Shields (encargado del bajo), Noel Bridgeman ( a la batería) y Phil Lynott (a la voz). Pero Phil Lynott pronto abandonó la banda Skid Row para formar la mítica Thin Lizzy.

En 1972 Gary Moore abandonar Skid Row y tan sólo un año más tarde graba el álbum "Grinding Stone" del 1973 con la Gary Moore Band; este ha sido considerado como su primer disco solista. Seguidamente, pasó a reemplazar a Eric Bell en Thin Lizzy, en la que permaneció hasta el año 1975, pero a la que volvió de cuando en cuando hasta 1979 cuando grabó “Black Rose”, pero en ese mismo año y durante la gira por EEUU Moore abandonó la banda definitivamente. Entonces Moore forma la banda G-Force.

En 1978 graba el álbum “Back on the Streets”, su segundo álbum en solitario y en el que se incluía el tema Parisienne Walkways , que llegó a la lista top ten en Reino Unido.

Durante la década de 1980, Gary Moore pasa a hacer un rock melódico, consiguiendo mayor popularidad en Reino Unido con su LP "Victims of the future" de 1983.
También colabora con él Phil Lynott en "Out in the Fields".

En el año 1986 graba "Wild Frontier", en el que se aprecian ciertas trazas de música celta.

En 1989 vuelve a sus raíces de hard rock con el álbum "After the War" y con colaboraciones de Ozzy Osbourne y con el difunto Cozy Powell en la batería.

El álbum "Still Got the Blues" de 1990, le devolvió a las listas de éxitos, en un giro hacia el blues. En ese mismo año 1990, da una serie de conciertos con Albert King y Albert Collins.

En 1992 aparece "After Hours", disco que sigue la línea del blues, con la colaboración de B.B. King y Albert Collins.
En 1995 lanza el álbum "Blues for Greeny" en el que reinterpreta 11 temas compuestos o interpretados por Peter Green guitarrista de Fleetwood Mac y muy admirado por Gary Moore.

Y En 1997 aparece "Dark Days in Paradise", un disco muy alejada del blues y del hard rock.

En los 90 Gary Moore quiere volver a tocar en una banda, en esta ocasión será BBM a la que se unen Jack Bruce ( al bajo) y Ginger Baker (batería), antiguo integrante del mítico Cream del que ya hablamos en un programa de la primera temporada si no recuerdo mal.

Esta colaboración dio como fruto el álbum "Around the Next Dream" de 1994, y una gira.

En 2001 se lanza el álbum "Back to the Blues" (Vuelta al Blues) y creo que no hay que explicar mucho, Gary Moore vuelve a uno de sus mejores géneros.

En el 2002 una vez más decide formar un grupo llamado: Scars que contó con Moore (voz / guitarra), Cass Lewis (bajo / coros) y Darrin Mooney (batería). Con Scars lanza un álbum homónimo en septiembre de 2002 y tuvo una una estupenda gira por el Reino Unido, que tuvo su culminacion en el Live At The Monster Of Rock, del 2003.

En 2007 lanza, "Close As You Get" uno de los mejores de esta época, con temas propios y versiones de Chuck Berry o John Mayall.

A los 58 años Gary Moore falleció debido a un ataque al corazón, mientras dormía en una habitación de un Hotel de Estepona, Málaga, en la madrugada del 6 de febrero de 2011, hace apenas .

Rarezas Musicales Programa 51 Especial Gary Moore:

2011-02-23T10:26:00.000-08:00

En la fructífera carrera musical de Gary Moore hubo para todo y para todos…, y aunque tanto en sus inicios como en su última etapa siempre hubo una inclinación muuuy clara hacia el Blues, la verdad es que la mayoría de la gente recuerda con especial cariño esos años de principios y mediados de los 80 en los que Gary se empleaba a fondo con el Hard Rock.

Sus guitarrazos en temas como “Victims Of The Future”, “Wild Frontier”, o la versión que realizó del “Shapes Of Things” de los Yardbirds son himnos clásicos del Rock Duro -de ese que va directamente y sin contemplaciones hacia tu mandíbula-. Un sonido que nos gusta bastante. Así que hoy en Rarezas, vamos a hablar de una banda que hacía lo mismito, pero unos diez años antes y en Estados Unidos: Montrose.
Unos clásicos entre los clásicos.

Montrose fue una banda californiana que debía su nombre y estaba liderada por Ronnie Montrose -prestigioso guitarrista que tocó para numerosos artistas como Van Morrison o Edgar Winter- y en la que también participaba el cantante Sammy Hagar -que más tarde se uniría a los exitosos Van Halen-. Con estos buenos mimbres se encargarían, como hemos dicho, de liderar el sonido Hard Rock americano más puro: ése en el que una robustísima sección rítmica y una guitarra -con muros de acordes, vertiginosos solos y memorables riffs- son lo único que se necesita para levantar al personal.

Al igual que le pasaba a Gary Moore, la guitarra de Ronnie Montrose también tenía su propia marca o sello distintivo, que se caracterizaba sobre todo por ese sonido entre espacial, estratosférico y de baretos de carretera de esos de moteros chungos. Una mezcla o explicación muy extraña por mi parte, pero que ahora vais a poder comprobar…

Lo que vamos a escuchar ahora es puro Hard Rock, se publicó en 1973 dentro del primer y homónimo álbum de Montrose, se titula "Bad Motor Scooter" y va directo a tus orejas!!

Y como soy muy buena persona, ahí va también el tema que iba de colchón en el programa de radio, “Rock Candy”:

Listado de Temas Programa 51 Especial Gary Moore:

2011-02-23T08:05:00.000-08:00

1º Slash - By The Sword - Slash - EMI - 2010.

2º Still Got The Blues - Gary Moore - Still Got The Blues - Virgin - 1990.

3º If You Be My Baby - Gary Moore - Blues For Greeny - Virgin - 1996.

4º Victims Of The Future - Gary Moore - Victims Of The Future - Virgin - 1983.

5º The Supernatural - Gary Moore - Blues For Greeny - Virgin - 1996.

6º Midnight Blues - Gary Moore . Old New Ballads Blues - Eagle - 2006.

7º The Loner - Gary moore - Wild Frontier - Virgin - 1987.

8º Elephant Gun - Beirut.

9º Brainstorm - Artic Monkeys.

10º One Day - Gary Moore - Ballads Abd Blues 1982-1994 - Charisma Records - 1994.

11º Walkin´ Thru The Park - Gary Moore - Bad For You - Eagle - 2008.

12º Stormy Monday - Gary Moore - Back To The Blues - CMC International - 2001.

13º King Of The Blues - Gary Moore - Blues Alive - Virgin - 1993.

14º Rock Candy - Montrose - Montrose - Warner - 1973.

15º Bad Motor Scooter - Montrose - Montrose - Warner - 1973.

Rarezas Musicales Programa 50 Especial Bob Marley:

2011-02-22T10:19:00.000-08:00

Si nos lanzamos a la calle como intrépidos reporteros y preguntamos a la gente, al vulgo, al populacho si sabe algo del Reggae, lo normal es que el "noventaymuchísimosporciento" conteste sin dudar: ¡hombre, lo de Bob Marley!...Y claro, mentir no mienten, pero es que este sonido caribeño va muuucho más allá.

Hay estilos, subgéneros y ramificaciones del Reggae para todos los gustos y situaciones:
¿Que te gustan las antigüedades? pues ahí tienes el Ska y el Rocksteady!
¿Que vas un poco "cargado"? entonces quizá todo lo que oigas o percibas será algo parecido al Dub!
Si eres un tío espiritual que prefiere adorar a Jah y reverenciar a Haile Selasieh, pues me da que lo tuyo, sin lugar a dudas, es el Roots...
Pero ahí no acaba la cosa, ya que todavía nos queda el estilo Rockers, las bailongas variantes Dancehall-Raggamuffin o Ragga y sí amigos, hasta el denostado Reggaetón tiene un orígen así de noble...

En cuanto a mi gusto personal, nunca reparé en el estilo que encajaba conmigo, pero informándome por ahí he caído en la cuenta que lo mio es el Lovers Rock -porque sí amigas, aunque a veces parezca lo contrario, tengo mi corazoncito-.
El Lovers Rock es una etiqueta creada en la Inglaterra de los años 70 que se caracteriza principalmente por su temática y sonido romanticón, que hunde sus raíces en el Reggae primigenio y en los sonidos más suaves y elegantes del Soul y del Rythm and Blues americano...

Quizá por tooodas estas bondades, mi trío de ases favorito en el mundo del Reggae son dignos representantes del sonido Lovers Rock: nombres no tan conocidos para el público mayoritario, pero que merecen muy mucho la pena como lo son artistas del calibre de Dennis Brown, Gregory Isaacs y Cornell Campbell.

Con una canción de este último, Cornell Campbell, perteneciente a su disco de 1983 "Fight Against Corruption" nos vamos a despedir ya: la bonita "I´m In Love":

Listado de Temas Programa 50 Especial The Wailers:

2011-02-17T07:18:00.000-08:00

1º "Men Of Good Fortune"<> - Lou Reed - Berlin - RCA Victor - 1973.

2º "I Shot The Sheriff" - The Wailers - Burnin´ - Island - 1973.

3º "Duppy Conqueror" - The Wailers - Soul Revolution - Island - 1971.

4º "Mr Chatterbox" - Bob Marley and The Wailers - True Roots (Recopilación) -

Milan/BMG - 1997.

5º "It´s Alright" - The Wailers - Soul Rebels - Island - 1970.

6º "400 Years" - The Wailers - Soul Rebels - Island - 1970.

7º "Caution" - Bob Marley and The Wailers - True Roots (Recopilación) - Milan/BMG - 1997.

8º "Savior" - Rise Against - Appeal To Reason - Interscope - 2008.

9º "Stir It Up" - The Wailers - Catch A Fire - Island - 1973.

10 "Trenchtown Rock" - Bob Marley and The Wailers - Live! - Island - 1975.

11º "Cheer Up" - The Wailers - The Best Of The Wailers - Island - 1971.

12º "Get Up Stand Up" - The Wailers - Burnin´ - Island - 1973.

13º "Everybody Want Promotion" - Cornell Campbell - Fight Against Corruption - Vista

Sounds - 1983.

14º "I´m In Love" - Cornell Campbell - Fight Against Corruption - Vista Sounds - 1983.

Curiosidades Musicales:

2011-02-12T11:07:00.000-08:00

- Las sesiones de grabación dirigidas por Phil Spector (mítico y excéntrico productor musical responsable de históricos temazos) eran caóticas a más no poder... Tanto, que las malas lenguas dicen que a todo bicho viviente que pasaba por el estudio, Phil le daba una pandereta o algo que hiciera ruido...
Al parecer, así es como Phil lograba su legendario "muro de sonido".

- ¿Sabíais que la banda Deep Purple se llama así en honor a la canción favorita de la abuela de Ritchie Blackmore?
¡Eso es un nieto de verdad, y no los sinvergüenzas de ahora!

- Gran sentido del ritmo era lo que tenía el compositor francés del siglo XVII Jean Baptiste Lully... Un gran sentido del ritmo que le acabó provocando la muerte más mortífera cuando se atravesó el pie con el bastón. Sí, sí, el mismo con el que golpeaba el suelo para marcar el compás de su querida orquesta...
¡Si es que brutos los ha habido siempre!

- ¿Vosotros cuando vais a conciertos hacéis el gesto ese de los cuernos jevis? Pues bueno, resulta que a esos cuernos se los ha relacionado con lo satánico, lo oscuro y esas movidas ¡Pero qué va! En realidad este gesto puesto de moda por el cantante de orígen italiano Ronnie James Dio, se remonta a cuando de pequeño siempre veía a su abuela (esta típica señora italiana enlutada, hacedora de pizzas y supersticiosa como pocas personas en el mundo) realizar este ademán para protegerse del mal de ojo o de cualquier otra chorrada...
El asunto es que ya crecidito, Ronnie James Dio lo hizo en su primer concierto, gustó y hasta hoy día seguimos viendo cuernos levantados al cielo.

- Tras años desaparecido por problemas psicológicos y por su adicción a las drogas, el líder de los Beach Boys, Brian Wilson reapareción por fin en 1988 con un disco en solitario. Pero a su psiquiatra, Eugente Landy, no le pareció suficiente el pago recibido por su laborioso servicio, así que consiguió aparecer acreditado en el disco como coautor de las canciones y productor ejecutivo del álbum...
¡Eso es ser egomaníaco y lo demás, tontás!

- Noticias: ni Metallica, ni Slipknot, ni María Dolores Pradera... El título y honor de ser grupo más ruidoso del mundo según el Libro Guinness de los Records lo retienen los Deep Purple: mítica y veteranísima banda de Rock Duro setentero.
En fin, ahora gracias a las mejoras y avances técnicos y de sonido el título recaerá en otros, pero lo que queda claro es que lo que consiguieron estos monstruos no tiene nombre!!!

Carreras en solitario

2011-02-09T09:28:00.000-08:00

En esta segunda parte de la historia de The clash nos hemos centrado en las carreras en solitario que cada miembro a desarrollado despues de la disolución de la banda. En 1986 colaboro junto a Mick Jones en uno de los discos de su banda que se llamaba Big Audio Dynamite. No seria hasta tres años mas tarde cuando grabó su primer album como solista, se titulo Earthquake Weather. El disoc no tuvo un gran exito pero aun asi, lo llevo de gira junto a la banda The Latino Rockabilly War.
Mas tarde se uniria a la Banda The Pogues, pero sin mucho exito, a finales de los noventa reunio a algunos musicos y formó The Mescaleros. Con esta nueva formación firmo algun contrato discografico y grabo varios discos como Rock Art and the X-Ray Style o Global Go-Go.

The Mescaleros realizo muchos conciertos a nivel mundial, en ellos se tocaban clasicos de The clash y tambien canciones como Blitzkrieg bop de los ramones. En un concierto benefico para los bomberos de Londres, Mick Jones que estaba en el público se subio a tocar algunos temas, reuniendose asi, despues de casi 19 años, los dos cerebros de The clash. A los 50 años de edad, joe strummer fallecio a causa de un fallo cardiaco. En2003 se emitio un disco póstumo titulado Streetcore que fue muy bien acogido por la crítica.
Vamos ahora con el ya mencionado Mick Jones, como hemos dicho despues de the clash formó Big Audio Dynamite. Con este grupo, Mick publico varios discos y lograron un notbale exito entre el publico. El primero fue This is Big Audio Dynamite con canciones como E=MC2.

En su etapa en solitario Jones tambien se dedico a producir a otros grupos como por ejemplo a The liberties o Babyshambles. Ya en el 2003 entro a formar parte de otra banda llamada Carbon/Silicon, con ella grabo cuatro discos de estudio y varios de ellos fueron publicados en su web de forma gratuita.
Vamos ahora con Paul Simonon, que despues de la separación de the clash grabo algun que otro disco con su nueva formacion. Se llamaban Havana 3 A.M pero despues de la muerte de su cantante, Nigel Dixon el grupo fue perdiendo fuerza y se separaron. Despues de varias colaboraciones a nivel de diseño en algunos discos de Bad, paso a formar parte del grupo The good, the bad and the queen, en 2006. Este grupo esta formado por varios artistas sacados de alli y de alla como eran Damon Albarn, Simon Tong o Tony Allen.

Para Topper Headon fue mas dificil seguir con su carrera musical ya que era adicto a la heroína, ademas por ello se vio involucrado en un asunto judicial, le declararon como culpable de suministrar esa sustancia a un adicto que murio de sobredosis.
Unicamente grabo dos discos, Waking Up y Drumming man. Mas tarde superaro sus problemas con la droga y volvio a tocar en directo.
Por ultimo me gustaria hablar de la influencia tan importante que esta banda a supuesto para muchas otras de la escena punk. Las mas sonadas pueden ser U2, Pearl Jam, Artic Monkeys o Public enemies entre otras. De la importancia de dicha influencia surge un disco tributo en 1999 donde muchos grupos versionaron las canciones mas enblemáticas del grupo.
Hasta aquí la historia de este gran grupo tan importante en la escena rock/punk y del cual han bebido tantos grupos.

Rarezas Musicales -Shadow of the Colossus:

2011-02-09T06:43:00.001-08:00

Mucha gente habla de los Clash y dice: ¡¡¡hala, qué transgresores y rompedores eran!!! ¡¡¡siempre a contracorriente y pasando de todo el mundo!!! Pues qué queréis que os diga... en el fondo eso no tiene nada de especial, ¡¡¡lo puede hacer cualquiera!!! Y si no, fíjense en mí: que en el programa dedicado a un grupo de Punk voy a hablar de la banda sonora de un videojuego japonés.

"La Sombra de los Colosos" o “Shadow Of The Colossus”, -que así se titula el juego-, fue publicado en 2006 para la Plei 2. Se trata de una aventura de acción en la que el jugador, encarnado en el joven Wander, lo único que debe hacer es viajar por un vasto e imaginario mundo en busca de 16 colosos -que representan a los elementos de la naturaleza- y a los que ha de exterminar, ya que con ello salvará la vida de su amada…

El argumento es así de simple, pero a la vez es muy profundo ya que nos hace reflexionar sobre algunos de los aspectos más oscuros del ser humano: ¿El fin siempre justifica los medios? ¿Es moral trocar la vida de alguien desconocido por la de un ser querido? ¿Quién es el hombre para luchar contra el curso de la naturaleza? ¿Constituye la violencia una parte más de nuestras vidas?...

Ahí quedan las preguntitas…

Vídeo promocional.

Tras su lanzamiento, "Shadow Of The Colossus" empezó a recibir numerosos premios y galardones. Tantos, que ha llegado a alcanzar el estatus de obra maestra digital debido a lo innovador/extraño de la propuesta que nos ofrece, y también a su enorme calidad artística y estética. Pero por si esto fuera poco, además logró lo más difícil: el reconocimiento mayoritario de los medios especializados, que no dudaron en calificar a este juego como "una experiencia asombrosa" o "una ficción de una temática incuestionablemente rica y un fascinante poder emocional"…

Y ahora hablemos de su banda sonora:
"Shadow Of The Collosus: Roar Of The Earth" o "El Rugido de la Tierra" también recibió algunos premios por este apartado, obra del compositor y multiinstrumentista japonés Kow Otani. El audio, compuesto por 42 piezas de breve duración, se caracteriza por recuperar la esencia de la música del Romanticismo en la que la fuerza expresiva, la búsqueda de intensos contrastes, y la manifestación emotiva e impetuosa de los sentimientos lo es todo.

Ahora os dejo con las piezas 12 y 13 de esta banda sonora tituladas: “A Violent Encounter” y “Revived Power”:

The Clash

2011-02-08T12:31:00.000-08:00

La banda tuvo sus inicios en el año 1976, en la calle Ladbroke Grove, en el oeste de Londres. Estos eran los años del nacimiento del punk, como recordareis de programas
anteriores dedicados a este género que tanto gusta a nuestro técnico Víctor.

The Clash, estaba formada por Joe Strummer (voz), Mick Jones (guitarra y coros), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra)que nunca llegó a grabar con ellos; y por último, pero no menos importante Terry Chimes (batería)
Estos 5 chavales ya habían hecho sus cositas en el punk, pero decidieron juntase en este “Conflicto”, este The Clash para triunfar.

El 4 de julio de 1976, The Clash tocó por primera como teloneros de los Sex Pistols en un recital en Sheffield. En aquel concierto tocaron un punk muy puro y como poca diversidad que les presentó como una banda típica de garaje, con temas como "Janie Jones"o "London's Burning"

En otoño del mismo año, 1976, el grupo firmó por £ 100.000 con la discográfica CBS Records. Esto cabreó un poco a los fans más radicales. El descontento se sintetizó en la frase de Mark Perry:
"Punk died the day The Clash signed to CBS" (en español: el punk murió el día que The Clash firmó con CBS)

En noviembre de ese mismo año, Chimes decidió dejar el grupo, aunque volvió unos meses más tarde para grabar el primer álbum de la banda.

En diciembre de ese año, con Rob Harper como nuevo batería, los chicos de The Clash, junto con los Sex Pistols y The Damned se unieron para realizar Anarchy Tour, la gira de la anarquía que fue cancelado tras solo siete conciertos. Esque habría que ver como la liaban

Ya en 1977,en marzo, el grupo lanzó su primer sencillo, "White Riot", y un mes más tarde, por fin, salió al mercado el primer LP: The Clash, un álbum de The Clash.
Musicalmente es un álbum crudo, crudito… del punk clásico, con letras póliticas, sociales y agresivas. Vamos, lo que se reclamaba en la época, un éxito en Reino Unido. ..Pero demasiado para EEUU donde Epic Records, que llevaba a los Clash en el nuevo continente, decidió esperar un poco... ¿Qué consiguió? The Clash de los Clash, fue el disco más importado de la historia de EEUU… Para que luego hablen del país de la libertad: Una versión!! una versión es lo que les vendieron a los pobres americanos un año más tarde. Una versión titulada The Clash US. Qué pena más grande!!

Después del primer disco, como ya hemos dicho, Terry Chimes dejó el grupo dejándole el hueco a Topper Headon.
En mayo de 1977 The Clash se embarca en su primera gira europea, junto a Buzzcocks y The Jam, a la que llamaron White Riot Tour y que incluyó recitales en Inglaterra, Irlanda, Suecia, Francia y Alemania.

Quiero destacar que estamos hablando de que el grupo se formó en el 76 y en el 77 ya estaban de gira por Europa!! Ahí queda.

Bueno y en esta gira también la liaron parda por lo visto. Algo he leído de que estuvieron disparando a los gorriones con pistolas de aire comprimido… madre mia!! madre mia!!

El segundo álbum de la banda, Give 'Em Enough Rope, fue producido por Sandy Pearlman y contó por primera vez con la participación de Headon el nuevo batería, en todos los temas. El disco se emitió para el Reino Unido en 1978 y, a pesar de recibir malas críticas de los expertos, entre el público fue un exitazo.
Bueno pues Give 'Em Enough Rope parece que calló mejor a los expertos en EEUU y por fin se fueron de gira como quien dice a hacer las Américas!! A comienzos de 1979 ya estaban por allí girando y fue cuando se decidió la publicación de la versión que os he dicho del álbum anterior. The Clash US.

El 3º álbum de The Clash fue el archiconocido, London Calling, un disco doble vendido al precio de uno por la insistencia de la banda, fue publicado también en 1979 y fue el exitazo en Reino Unido y EEUU. Además esque este álbum a mi me gusta porque es en el que empiezan a mezclar estilos que es una de las cosas que me gustan de The Clash.

London Calling tiene sus pinceladas de rockabilly, el reggae, ska… El álbum es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock y fue posicionado 8º por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Bueno, tampoco nos fiemos mucho de estas listas que ya sabemos que cada cual tiene la suya.

Hacia fines de 1980, The Clash lanzó un álbum triple al que llamaron Sandinista!.Estos chicos se implicaban socialmente. Una vez más, los miembros insistieron en que se vendiera al precio de uno, y pagaron de sus propios bolsillos la diferencia.
Sandinista! Tiene aún más variedad de estilos musicales que London Calling y se aleja incluso del punk yo creo. Y fue un exitazo… hombre era un triple al precio de uno con muchos sonidos disntintos… era un chollo no?
The Clash emprendió su primer gira mundial que incluyó conciertos en Asia y Australia.

Dicen que la banda comenzó a llevarse mal, pero que hicieron un esfuerzo por seguir trabajando. Un esfuerzo que agradecemos y ellos también agradecieron pues dio como fruto el álbum:, Combat Rock, donde hay temas como "Should I Stay or Should I Go" y que fue el mayor éxito de ventas de la banda.

Pero la banda no puedo más y empezó a romperse: cambios de batería, roces entre Jones y Strummer… Seguían haciendo giras, incluso teloneando a gente como Los Who en 1982, pero la banda estaba rota.

La gira de Combat Rock entre 1982 y 1983 estuvo llenita de desplantes entre los miembros de la banda, Jones se fue también, se subieron al carro Nick Sheppard y Vince White como guitarristas y Howard como baterista…
Y en enero de 1984, The Clash comenzó a tocar en vivo nuevamente en la gira Out of Control Tour. Un título que les venía ni que pintao.

La gira duró desde el invierno hasta comienzos del verano de ese año. En un show en diciembre anunciaron que a comienzos del año siguiente lanzarían un nuevo álbum.
Las sesiones de grabación para Cut the Crap fueron caóticas, y desordenadas, grababan sin orden y en diferentes países y estudios.

Durante este tiempo la banda comenzó una gira de carácter callejero aplicándose reglas estrictas como el llevar poco dinero y un solo cambio de ropa interior cada uno. De esta manera, viajaron por separado o en parejas para juntarse en espacios públicos de diferentes ciudades alrededor del Reino Unido donde interpretaban versiones acústicas de sus temas y algunos covers.

Cut os Crap fue el sonido de un final anunciado, y tuvo críticas penosas. Quizá debieron dejarlo antes, pero ahí queda lo que The Clash pudo dar de si. Yo me quedo con la mezcla de sonidos y de estilos que no es poca cosa.

Tarde de Pizarras, el Podcast

2011-02-05T04:58:00.000-08:00

Lo prometido es deuda!!
Aquí llega el posdcast de aquella maravillosa tarde de pizarras en que servidora de todos ustedes, Marta Sultana y Pizarro, pudo disfrutar en vivo y en directo con los hermanos Longino y Marciano

De la pizarra al podcast, ahí es nada:

Melodías pizarras - Cajun swing - 29/01/11

También puedes escucharlo en la web de rtve: http://www.rtve.es/mediateca/audios/20110129/melodias-pizarras-cajun-swing-29-01-11/1001373.shtml

Serrat 1998 - 2010

2011-02-05T03:48:00.000-08:00

Continuamos con La biografía de Serrat
En 1998 Serrat saca un nuevo álbum titulado: Sombras de la China, y en 1999 empieza su gira por España y Sudamérica con este álbum, mientras va preparando su siguiente álbum. Este mismo año, 1999 es nombrado Doctor honoris causa por la Universidad Nacional de Comahue en Argentina y le dan la medalla al mérito cultural en Colombia.

En 2000 Serrat presenta y comienza la gira del álbum Cansiones. Mismo año en el que nace su nieta Lucía.

En 2001 se presenta el libro Cancionero, con sus letras. Mismo año en el que sufre una cardiopatía leve, pero leve, tranquilidad porque le dan el alta al día siguiente.

A finales del 2002 saca un nuevo álbum titulado Versos en la boca. Tras la presentación de álbum inicia una gira por España que continúa en 2003 por América.

Este año, 2003, es el que todos recordareis por el NO A LA GUERRA, iniciativa de rechazo en la que Serrat se implica. Este año además es nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos en México.
A finales de año presenta el nuevo disco titulado Serrat Sinfónico, que realizó con la OBC la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Cataluña dirigida por Joan Albert Amargós.

En 2004 inicia su gira sinfónica por España y Latinoamérica. Y en Noviembre y en Diciembre es operado de cáncer de vejiga del que sale bien recuperado.

En 2005 … bueno, menudo año 2005!!
-Es elegido Catalán del Año por votación popular.
-El Gobierno español le otorga la Medalla de Oro del Mérito en el Trabajo,
-Es elegido Doctor honoris causa por la Universidad de Córdoba (Argentina) y por la Complutense de Madrid (España),
-Es nombrado profesor honorario de la Universidad de Buenos Aires (Argentina).
Y además aparecen dos discos de homenaje en que otros cantantes interpretan canciones suyas: el segundo volumen de Serrat... eres único! y Cuba le canta a Serrat.

En 2006 saca un nuevo disco esta vez en catalán titulado Mô, dedicado a Mahón.
A lo largo del año, además de la gira de Mô, intercala conciertos de Serrat 100x100 y de Serrat sinfónico.

2006, viene también cargadito de premios para Serrat:
-Premio Juníper Serra de la Fundació Càtedra Iberoamericana de la Universitat de les Illes Balears,
-Medalla de Oro de la ciudad de Barcelona y de la ciudad de Mahón.
-Doctor honoris causa por la Universidad de Puebla (México).
-Hasta la revista “Rolling Stone” proclama Mediterráneo la mejor canción del pop-rock español de todos los tiempos
-y además Nuevo disco de homenaje, triple CD, Per al meu amic... Serrat, que incluye 40 versiones de otros tantos artistas.
Desde luego Joan Manuel, no te puedes quejar.¡Vaya 2 años!

Serrat comienza 2007 supongo, contento y con actuaciones en Argentina y en España de Serrat 100x100, con canciones de Mô.
Además de la gira que seguro que recordais todos, con Joaquín Sabina: Dos pájaros de un tiro. Se van los 2 a actuar por España, México, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Argentina y Uruguay.

¿Y qué os creíais, que no le iban a dar más premios?
2007: Es condecorado con la medalla de Caballero de la Legión de Honor de la República Francesa,
-Es nombrado Gran Caballero de la Orden Nacional al Mérito, de Ecuador,
-Recibe la Medalla de honor del Parlament de Catalunya
Además aparece Cuba le canta a Serrat (2), nuevo CD de homenaje que incluye 24 versiones.

En 2008 los conciertos de Serrat 100x100 siguen recorriendo España y Latinoamérica. Y presenta el cancionero oficial, Algo personal, con una pequeña autobiografía y algunos documentos inéditos.
También en 2008 Serrat conmemora el centenario del Palau de la Música Catalana con dos conciertos íntegramente en catalán.

Los últimos 2 años se los ha pasado recibiendo más homenajes y más premios.
-El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música concede a Serrat el Premio Nacional de las Músicas Actuales en su primera edición.
-Nuevo disco homenaje, Señora. Ellas cantan a Serrat, en el que participan 18 mujeres, entre Dulce Pontes y Martirio.
-El 16 de diciembre de 2010 recibe en el Teatro Solís de Montevideo (Uruguay) el premio Memoria del Fuego, de manos del escritor Eduardo Galeano

Además de sacar un nuevo álbum, el segundo disco en homenaje dedicado al poeta Miguel Hernández, de título Hijo de la luz y de la sombra.

Curiosidades Musicales:

2011-02-04T04:14:00.000-08:00

Ahí va el primer volúmen de curiosidades, dichos, anécdotas y demás cosas que hemos ido recopilando y contando en los programillas:

- "Dame dos discos y te construiré un universo"... Esta deslumbrante frase de DJ Spooky resume a la perfección la idea del DisckJockey como arquitecto del espacio sonoro.

- "La música expresa lo que no puede decirse con palabras... Y lo que no puede permanecer callado". Palabras de Víctor Hugo, mi tocayo gabacho.

- Parece ser que para crear a Eddie -el icono y mascota del grupo Iron Maiden- el dibujante Derek Riggs se inspiró en una extraña fotografía procedente de la propaganda militar estadounidense, una fotografía supuestamente tomada en Guadalcanal. En la guerra del Pacífico los soldados yankees acostumbraban adornar sus tanques con las cabezas de los soldados japoneses, en un gesto claramente intimidatorio y de guerra psicológica para demostrar sus superioridad...
Ya no me gusta tanto el bicho feo ese ¿sabes?

-"La electricidad es una fuerza de la naturaleza como cualquier otra, así que si un sonido computerizado suena frío no es culpa del ordenador, sino de que en él no se ha volcado bien el alma del Músico". Björk dixit.

- En una cena celebrada en Berlín en honor a Brahms, el anfitrión propuso un brindis: "¡Por el más grande de los compositores!". Brahms se levantó de inmediato y alzando su copa dijo: "Por Mozart".

- ¿Mono o Estéreo? Brian Wilson, el genio musical del Pop que está detrás de los Beach Boys lo tenía bien claro... ya que debido a su sordera parcial en el oído derecho -atribuída a varias causas: palizas del estricto padre o de nacimiento- siempre se inclinó por el Mono ya que le facilitaba la escucha de todos los elementos y detalles musicales, llegando al punto de solicitar a la Capitol -su compañía por aquella época- que publicara sus trabajos en Mono aunque el Estéreo ya había desbancado a ese otro anticuado sistema...
Yo también me quedo con el Mono, ¡sobre todo cuando se me casca un auricular!

Gossos - "Oxigen":

2011-02-02T14:56:00.001-08:00

Como de buen nacido es ser agradecido, hoy desde aquí quiero dar las gracias a la buena gente que me he encontrado por los caminitos del señor. Gente que me ha enseñado nuevas cosas. Y nuevas formas y maneras de ver, entender y de ser.

En el apartado musical -que es el que nos toca- también he tenido esa suerte, y por una buena amiga descubrí este mismo verano a Gossos: uno de los grupos de Rock referentes de la actual escena catalana.

Estos manresanos, formados en 1993, se caracterizaron al principio de su carrera por realizar una música totalmente acústica. Tras la buena recepción que el público catalán dio a discos como "En Privat", en el año 2000 la gente de Gossos decidió probar y realizar un disco en castellano, titulado "De Viaje", y que... a decir verdad, dejó mucho que desear debido a dos aspectos: el primero, que el apartado lírico no parecía estar muy trabajado; y el segundo, a que con la ausencia de percusión –recordamos que no tenían batería- el resultado final era un sonido muy muy débil...
Por todas estas cuestiones, el trabajo de Gossos obtuvo como recompensa tanto la indiferencia del público castellano, como la crítica del catalán.

Tras este fallido experimento, en 2002 la banda optó por reestructurarse y hacerse fuerte a base de guitarras eléctricas y una consistente batería: un nuevo formato con el que se asentaron y crearon trabajos como "Oxigen", publicado en 2007: un noveno disco repleto de grandes letras, estribillos y ambientes con el que nos despedimos hasta la semana que viene.

“...Vull un altre nit
par poder dir tot
el que sento...”

Serrat. 1987-1997

2011-02-02T14:35:00.000-08:00

Siguiendo con la historia de este gran cantautor catalán, nos vamos a 1987, fue en dicho año cuando grabo su siguiente disco titulado Bienaventurados. Con él, realizo multitud de conciertos en Madrid y Barcelona y para la canción Los fantasmas del Roxi se baso en un relato de Juan Marse.En el disco se hace una dura crítica a la Iglesia y a las dictaduras de la época.

En los tres años siguientes, se dieron varios hechos importantes en la carrera del compositor. En 1989 grabo su disco Material sensible, con muchas colaboraciones de artistas de la talla de Paco Lucia o Ana Belén, en el 90 actuo en Chile tras diecisiete años sin poder entrar al país y un año despues publicó Utopia, disco que contenia canciones como Toca madera o Pendiente de ti.

Despues de estos discos inicio una gira por sudamerica pasando por Uruguay, Chile, Ecuador o Colombia entre otros. Ademas, se mete de lleno en proyecto radiofonico titulado La radio con botas donde hacian un repaso a los ultimos años en el medio y la influncia de su musica.

En 1993 publica el que seria su disco numero 25, titulado Nadie es perfecto. En el se tocan temas tan sensibles como la explotación infantil o el racismo. El disco tiene canciones tan sonadas como Entre un hola y un adios o Por dignidad. Ademas le permitió realizar una gira por toda España y de nuevo por Latinoamerica.
1995 es un año tragico para Serrat ya que fallece su madre. En este año quince artistas se reunen para grabar un album titulado Serrat...eres unico. Ademas Montserrat Caballé incluye en su ultimo disco varias canciones de Serrat, que son Mediterraneo y La saeta.
Un año mas tarde estrena su doble disco en homenaje a sus compañeros de la nova cançó, de título Banda sonora d'un temps, d'un país, Ademas es el último disco que Serrat publicaría en formato LP. Ese mismo año, se une a Víctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España con el espectáculo titulado El gusto es nuestro, que es llevado por varios países de América en 1997, editándose además en disco y en formato DVD.

Tarde de Pizarras

2011-01-30T10:26:00.000-08:00

Si, si, si señores y señoritas, ayer yo, Marta Sultana estuve con mi mamita en el maravilloso programa: Melodías Pizarras de Radio3 rne, gracias a la invitación de estos 2 simpáticos hermanos, los Pizarro; donde tuve la oportunidad de ver lo invisible!! Radio 3, ese increible lugar que jamás hemos visto pero que algunos escuchamos constantemente.

Y lo mejor de todo pude comprobar que efectivi (Wonder) la música que suena en el programa está en ese maravilloso formato: PIZARRA!! Si, si, pizarra a 78rpm.

Parece increible, ¿no? Pizarra que aún suena por las ondas radiofónicas cada viernes y cada sábado de 20 a 21h gracias a que estos dos hermanos, los Pizarro, Longino y Marciano se han empeñado en hacer llegar hasta nuestros oídos el legado y la herencia de discos que les dejó su padre, el Pizarro original, el señor Plutarco.

Desde luego si yo fuese uno de vosotros el viernes y el sábado saldría más tarde de las 21h porque esas joyas merecen ser escuchadas, las pizarras y los Pizarro.

¡¡Salud y Pizarras!!!

Serrat entre 1975 y 1986

2011-01-27T06:53:00.000-08:00

Continuando con la historia de este gran icono de la música y la poesía, nos vamos ahora a 1975 cuando tuvo que exiliarse a México por hacer pública su desaprobación hacia la pena de muerte y la violencia establecida. Allí realizó una gran gira y publico un disco titulado Para Piel de Manzana.
Su venta se prohibió en España pero aun así se vendía de forma clandestina. Tenía canciones como Caminito de la Obra, malasangre o Piel de Manzana.

Al año siguiente vuelve a España y contra todo pronóstico, es recibido de forma espectacular a su llegada al aeropuerto. Serrat comienza a dar conciertos por los barrios de Barcelona y hace alguna que otra escapadita a Paris donde coincide con George Brassens.

En 1977 graba un disco homenaje a Joan Salvat Papasseit, se titula Res no es mesqui, el disco es publicado cuando en España todavía hay cierto aire de incertidumbre tras la muerte de Franco y esto, crea cierto miedo en el cantautor.

Al año siguiente, se casa con Candela Tiffon y graba su nuevo disco. El disco contiene canciones como Ciudadano, Irene o Que bonito es Badalona. Con el gira por toda España y después de 3 años vuelve a tocar en Madrid.

Los dos siguientes años suponen un cambio drástico en la vida de Serrat, en 1979 nace su hija y un año más tarde muere su padre. Es en ese año, 1980 cuando publica su siguiente disco Tal Com Raja que traducido al español significa Tal como sale.
Un año más tarde publica En tránsito, un disco con aires renovados y que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas gracias a canciones como: a quien corresponda o esos locos bajitos.

En el 83 graba su disco numero 17 titulado Cada loco con su tema. Es este álbum el que le permite hacer una gira por toda latinoamerica exceptuando Chile. Ya que desde el ministerio de interior de la dictadura de Pinochet se prohibió su entrada al país. En Argentina su concierto en el Luna Park se entendió como un triunfo de la democracia y por ello supuso un acontecimiento histórico.

En 1984 publica Fa vint anys que tinc vint anys, con los temas Plany al mar y Seria fantàstic como principales éxitos, y en 1985 graba El sur también existe, musicalizando poemas del poeta uruguayo Mario Benedetti.

En 1986 graba Sinceramente teu que contiene una selección de canciones grabadas en portugués junto a otros artistas como Toquinho y Raimundo Fagner. En este mismo año, nace su hija Candela.

Serrat, primeros años

2011-01-27T05:47:00.000-08:00

Hablamos de Joan Manuel Serrat, el sonido de una generación, cuya obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda o León Felipe entre otros; así como de diversos géneros, como el folclore catalán, la copla española, el tango, el bolero y del cancionero popular de Latinoamérica. Serrat es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana.

Joan Manuel Serrat Teresa nació el 27 de diciembre de 1943 en el barrio del Poble Sec de Barcelona.
Es hijo de Ángeles, ama de casa, y de Josep, obrero y anarquista español afiliado a CNT
A los 12 años, Serrat se matricula como alumno interno en la Universidad Laboral Francisco Franco de Tarragona, donde acabará el Bachiller Laboral Superior con la especialidad Industrial Minera en la modalidad de tornero fresador.
A los 17 años su padre le regala la primera guitarra y con unos compañeros de la mili, Jordi, Toni y Manuel, forma un conjunto integrado por dos guitarras, contrabajo y batería.

En 1965 participa en el programa “Radioscope” de Ràdio Barcelona, cuyo presentador lo recomienda a la pequeña discográfica catalana Edigsa. Donde graba su primer EP, titulado Una Guitarra.

En 1966 Serrat acaba los estudios de perito agrónomo y graba su 2º disco: Ara que tinc vint anys. En 1967 graba Cançó de matinada y Paraules d’amor, que alcanzan el número 1 en las listas de discos más vendidos, cosa que nunca había pasado con una canción en catalán.
Además en este mismo año le llaman para actuar en Televisión Española,
Lasso de la Vega, se convierte en su mánager y ya con él firma con Novoa/Zafiro para grabar discos en castellano.

En 1968 es elegido para actuar en Eurovisión y se niega a hacerlo si no es en catalán. Este primer enfrentamiento con el franquismo y le supone un veto de cinco años en la radio y la televisión oficiales.

En este año sale su primer disco en castellano titulado “La Paloma” 1968, y que contiene el tema Manuel, y su segundo álbum en catalán, titulado Cançons tradicionals

En el año 1969 nace su primer hijo, llamado Queco. Este mismo año dedica un álbum en castellano a la poesía de Machado. Este álbum en seguida se convierte en un gran éxito en España y América Latina
En 1970 ve la luz Mi niñez y a finales de ese año, el álbum Serrat 4 en la discográfica catalana Edigsa.
A finales de año se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un grupo de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte.

En 1971 con Mediterráneo que traspasa definitivamente las fronteras y en marzo inicia otra gira por Latinoamérica

Al año siguiente graba un álbum dedicado al poeta Miguel Hernández, símbolo de la absurdidad de la Guerra Civil y en 1973, publica el LP Per al meu amic en catalán, considerado por algunos críticos como uno de los más logrados de su carrera.

Por fin, en 1974 le retiran el veto en Televisión Española, ofreciendo el especial A su aire grabado en directo en el teatro Aliança del Poblenou de Barcelona, en el que interpreta canciones también en catalán. Actúa también en la película La ciutat cremada dirigida por Antoni Ribas.

Lista de canciones Serrat 1ª etapa

2011-01-26T11:47:00.001-08:00

En breves podréis escuchar el programa sobre Serrat(1ª etapa) en el blog. Y el martes que viene, a las 21h., os ofrecemos la 2ª parte en el 107.4 FM o en www.ruah.es, no lo olvidéis, en ¡¡Los Sultanes del Swing!!

Os dejamos la lista de canciones que suenan en el programa dedicado a la 1ª etapa del cantautor:

1º "Satisfaction" - Rolling Stones
2º "Mediterráneo" - Joan Manuel Serrat
3º "Como un gorrión" - Joan Manuel Serrat
4º "Para piel de manzana" - Joan Manuel Serrat
5º "Lucía" - Joan Manuel Serrat
6º "Hoy puede sr un gran día" - Joan Manuel Serrat
7º "Aquellas pequeñas cosas" - Joan Manuel Serrat
8º "Cada loco con su tema" - Joan Manuel Serrat
9º "El sur también existe" - Joan Manuel Serrat, letra: poema de Mario Benedetti
10º "Cantares" - Joan Manuel Serrat, letra: poema de Antonio Machado
11º "Noia de Porcellana" - Pau Riba
12º "Kithou" - Pau Riba

Pau Riba - Dioptria:

2011-01-26T08:37:00.000-08:00

Pau Riba, mallorquín nacido en el seno de una típica familia de la acomodada y conservadora burguesía catalana, es considerado por muchos, debido a su obra y vida, como uno de los mayores iconos culturales catalanes modernos.

Artista polifacético, intelectual inquieto, subversivo, mordaz y plural como pocos, se convirtió como hemos dicho a finales de los 60 en un referente musical y cultural, que utilizó su obra con la intención de romper todos los convencionalismos y de agitar las rancias conciencias que pululaban tanto en Cataluña como en el resto de España.

Entre 1970 y 71 Pau Riba lanzó un ambicioso proyecto titulado "Dioptría I y II", un disco doble aderezado con agudas e ingeniosas letras, actitud a raudales, Folk y Rock dilaniano.

Para todos los interesados, en 1992, la discográfica PDI tuvo la gran idea de reeditar los dos volúmenes originales de Dioptría, que hoy día está considerado por la crítica musical como uno de los mejores discos registrados en lengua catalana.

Y algo importante, por último sólo me queda añadir una cosa: que los imbéciles de los políticos, con sus constantes intentos de enfrentar lingüísticamente a todos los ciudadanos para cegarnos y así obtener los mayores beneficios electorales posibles, no nos impidan disfrutar de esta maravilla: "Kithou".

Elvis hecho mármol

2011-01-19T09:11:00.000-08:00

Existe una escultura de mármol con gran parecido a Elvis Presley; tanto, que muchos fans han llegado a creer que el Rey del Rock vivió una vida pasada en la antigua Roma; otros opinan que viajó en el tiempo para hacer las veces de entremés de los actos del Coliseo.

Vamos, un entretenimiento más allá por el siglo II después de Cristo. Fue encontrada en la esquina de un sarcófago romano, y fue subastada en 2008 con el nombre de “la talla de Elvis”.

Aquí podéis ver la imagen. Sacad vuestras propias conclusiones.

La música de Leño y Rosendo también conoce el cine

2011-01-19T09:01:00.000-08:00

Rosendo y Leño se han hecho un hueco en el panorama cinematográfico español. Han colaborado en dos películas: Dáme algo y Nos va la marcha.

La primera: Dáme algo, cuenta con una BSO original compuesta por Rosendo. Además es el décimo álbum de su discografía, titulado con el mismo nombre y publicado en 1997 por el sello DRO West.

Esta película fue dirigida por Hector Carré, que tabién escribió el guión, y cuenta en el reparto con actores como Nancho Novo, Chete Lera y Rosa Morales. Se puede considerar dentro del género del thriller, e incluso del de drama.

Para Rosendo, ésta es su primera BSO. Era algo que quería hacer desde hacía muchos años, según él mismo declaró, y afirmó que fue una experiencia positiva, con la que se había quedado a gusto. Pero reconoce que fue algo puntual, por lo que no volvió a participar en ninguna otra BSO.

Algunas de las canciones de la película son: ¡Qué desilusión!, Yo me largo, Que dice el alcalde, Volver pa’ dentro, Colgado por tu amor y Siempre hay una historia.

La otra película se titula Nos va la marcha, y tiene como protagonista al grupo Leño al completo. En 1978 actuaron en el festival Rocktiembre y allí se rodó esta película documental sobre la banda. El director fue Manuel Gómez Pereira. Es un film que logró inmortalizar todo lo que pasó en aquel festival, considerado el más emblemático del rock español hasta entonces. Fue en la antigua Plaza de Toros de Vistalegre y hubo empujones, avalanchas, policía cargando…Ahora esta película y el doble vinilo que recoge la música del festival se han convertido en objetos de culto.

Actuación de Leño en el festival Rocktiembre incluída en la película "Nos va la marcha":

Además, tanto Rosendo como Leño han sacado a la venta varios DVDs, entre ellos el del festival Luna Lunera, donde actuó Rosendo en 2007, en Zaragoza; o el doble DVD +CD “otra noche sin dormir”, en el que aparece junto a Barricada, un directo en México en 2004 o el concierto de Donosti en 2001.

Por su parte, Leño nos deja constancia de su aportación al rock estatal en un CD+DVD llamado LEÑO Vivo`83, en el que se recogen entrevistas con los integrantes del grupo, opiniones de artistas amigos e imágenes de directos y conciertos realizados en 1982. Contiene material inédito, lo que lo convierte casi en objeto de coleccionista, sobre todo para los amantes de la música de Leño, y de Rosendo.

Cine Bauhaus

2011-01-19T08:54:00.000-08:00

Este grupo británico participó con una de sus canciones más representativas "Bela Lugosi's Dead" en la BSO de la película "The Hunger" dirigida por Tony Scott en el 1983. La canción fue grabada en 1979 y no consiguió entrar en las listas de éxitos británicas, pero se vendió durante muchos años. Dura 9 minutos y fue grabada de una sola toma, lo que demuestra la calidad del grupo.

La película de Tony Scott, “The Hunger”, con el título traducido al castellano como “El ansia”, cuenta entre sus actores principales con Catherine Deneuve, David Bowie y Susan Sarandon. Está basada en la novela de Whitley Strieber, y el guión fue elaborado por James Costigan, Ivan Davis y Michael Thomas.

Con el eslogan de “Nada humano ama para siempre”, y sin salirse del género de terror, la película se estrena en EEUU en 1983. El ambiente gótico reflejado en la película encaja muy bien con Bauhaus.

El argumento gira en torno a una pareja de vampiros que vienen de Europa para instalarse en Manhattan. Recorren los clubes de Nueva York seleccionando a sus víctimas, y suelen conseguir la sangre para saciar su sed.
Pero hay algo que no comparten Miriam y John. Ella, interpretada por Catherine Deneuve, es un vampiro original, de sangre, que goza de inmortalidad y juventud eterna, pero él, interpretado por David Bowie, se convirtió en vampiro cuando Miriam comenzó a ser su amante, siglos atrás; entonces su sangre humana se mezcló con la de ella y se contagió de su inmortalidad, pero no de su juventud eterna. Por eso llega el momento en el que a John se le empiezan a notar las marcas de la edad y de repente comienza un envejecimiento de manera vertiginosa. Preocupado, acude a la Dra. Roberts, interpretada por Susan Sarandon, que investiga el proceso de envejecimiento de las células. Miriam también acude a ella, pero persiguiendo otra meta. Meta que sólo sabremos los que veamos la película, así que os animo a hacerlo, que nunca queda ninguna película por ver.

Y para los amantes de Bauhaus, existen 2 DVDs donde podréis verles en directo:

• 2000: Gotham – En vivo en Hammerstein Ballroom, New York City, 9./10. Septiembre de 1998
• 2005: Shadow Of Light/Archive (Videos promocionales y la actuación del grupo en el "Old Vic Theatre" de Londres, en 1982.)

Rarezas Musicales Programa Especial Nightwish / Curved Air / Violines en el Rock:

2011-01-18T17:09:00.000-08:00

Hoy traigo una Rareza que creo que puede interesar bastante a los amantes y seguidores de ese instrumento musical llamado violín.

Esta ha sido una de las Rarezas que más me ha costado sacar adelante, ya que hacer algo que estuviera relacionado con un grupo como Nightwish no es tarea fácil. Así que la curiosidad musical de la que vamos a hablar, está aquí porque tiene los tres criterios básicos que creo caracterizan a Nightwish:
El primero es que es un grupo de Rock.
El segundo es que la voz cantante la lleva un mujer.
Y el tercero es que uno de los pilares de esta banda es la música clásica.

Pues bien, todos estos factores se dan en Curved Air, un grupo británico de Rock Progresivo de los años 70 que tenía una serie de rasgos distintivos que los apartaba del resto de grupos progresivos de la época: una voz femenina con Sonja Kristina y una muy marcada presencia de elementos clásicos, encarnados sobre todo en el violín de Darryl Way.

El violín es un instrumento no muy predominante en el mundo del Pop o del Rock, y aunque sí que ha estado presente en numerosos arreglos orquestales y en bastantes grupos de éxito: a la cabeza se nos vienen nombres patrios como Mago de Öz, Celtas Cortos o Dreamslaves, el hecho es que casi siempre que ha aparecido, ha sido ligado a unas estructuras muy predeterminadas y fijadas al sonido Folk y a la llamada música Celta, limitando su sonido -cuando en realidad el violín es de los instrumentos más expresivos y versátiles que existen junto a la guitarra eléctrica-

Pero afortunadamente para nosotros, siempre han aparecido músicos y artistas que han ido más allá a la hora de investigar y experimentar. En el caso del violín tenemos varias figuras a destacar: como Jean Luc Ponty –el socio de Frank Zappa que se dedicó a trabajar ese terreno intermedio entre el Rock y el Jazz-, Jerry Goodman y la imponente –no impotente, que siempre me lío cuando tengo que decir esta palabra- presencia de su violín eléctrico en la Mahavishnu Orchestra, o como Darryl Way, el innovador y a la vez académico violinista de Curved Air...

Darryl Way y compañía se encargaron de renovar el sonido del violín, renunciaron a los tradicionales clichés Folk/Celtas y abrieron un mundo nuevo donde la utilización de nuevas vías de composición, más las infinitas posibilidades tecnológicas -como el ya citado violín eléctrico o el uso de pedales y efectos variados-, hicieron por fin de éste un instrumento con entidad y personalidad propia dentro del Rock.

Vamos a despedirnos ya con una composición perteneciente al primer álbum de Curved Air, editado en 1970 por la Warner Bros bajo el título de Airconditioning. En este disco, el violín de Darryl Way juega con la contraposición de sonidos: yendo de la limpieza y claridad de la música clásica a la moderna distorsión eléctrica, y acapara todo el protagonismo en la pieza central del mismo… este magnífico “Vivaldi”:

Encuesta Nightwish: ¿Anette o Tarja?

2011-01-16T14:29:00.001-08:00

¡¡¡Participa en el debate del programa y dinos cuál de las cantantes que han pasado por Nightwish te parece la mejor de todas!!!

¡¡¡Sultanes Somos Todos!!!

James Taylor, primeros años.

2010-12-27T13:25:00.000-08:00

Aaaah! Qué gran época los 60-70 para los cantautores reflexivos, folk, con toques de country y cierto sabor a blues…

Hoy, traemos hasta sus oídos a James Taylor, que con 0 años de edad nació en Boston (Massachusetts)el 12 de marzo de un 1948.
Su padre Isaac, era médico y su madre Trudy, una cantante de ópera que animó a sus hijos 5 a dedicarse a la bella profesión de la música. Y lo que Trudy Taylor se propone Trudy Taylor lo consigue porque:
James sin duda triunfó como es evidente, pero también sus hermanos Livingston, Alex y Kate hicieron sus pinitos en la industria musical del cantautor de los 70, Hugh esperaría haciendo los coros a sus hermanos hasta los 90 cuando dio su salto a la industria.
Este gran apoyo en el terreno musical ,de sus padres hizo que James Taylor empezara a estudiar cello, que al final acabaría cambiando por la guitarra acústica.

En 1951 la familia Taylor se trasladó de Boston a Chapel Hill en el estado de Carolina del Norte, donde su padre daba clase en la Universidad.
Poco después, enviaron a James a estudiar cerca de Boston pero este dejó sus estudios y formó un dúo con Danny Kootch Kortchman, con quien comenzó a actuar en público y con quien ganó un concurso de talentos locales en 1963 gracias a su pasión compartida por el folk.

En 1964 en un arrebato de fiebre Beatle, James Taylor, formó un grupo con su hermano Alex y Zach Wiesner llamado The Fabulous Corsairs
Pero, una fuerte depresión hizo que en 1965, James tuviera que ser internado en el Hospital Psiquiatrico McLean donde aprovechó para terminar sus estudios secundarios.

En 1966, ya recuperado, volvió a formar un grupo, esta vez con más éxito. En el grupo al que llamaron The Flying Machine, se juntó con su amigo Kootch y con Joel O’Brien .
Grabaron el single Night Owls y varias canciones más que serían recogidas en el álbum “James Taylor and The Original Flying Machine” de 1967
En esta época James, como otros tantos sufrío una intensa drogodependencia con heroína que le llevo a la necesitad de desintoxicarse y a ser ingresado de nuevo en un sanatorio.
Sin embargo en 1968 llegan las alegrías, pues James Taylor que había hecho una entrevista con Paul Mc Cartney y había presentado su trabajo a Apple Records, consiguió que la productora lanzase su primer LP en solitario, titulado James Taylor y que Asher le produjera y representara.
Este álbum recupera temas de The Flying Machine y composiciones nuevas que hoy son clásicos como Carolina in my Mind que estamos escuchando. En este álbum Paul McCartney colaboró como bajista.

El LP paso inadvertido en la época pero gracias a él, consiguió un buen número de conciertos en EEUU. Pero tristemente algunos de ellos tuvieron que ser cancelados por un accidente de moto sufrido por James Taylor, en el que se rompió los huesos de las manos.

Leño

2010-12-27T13:06:00.000-08:00

Leño fue un grupo de rock madrileño del género llamado urbano.
Fue creado en 1978 por Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal, que tras el primer disco fue sustituido por Tony Urbano, y se disolvió en octubre de 1983. Y duraron poquito pero fueron matones porque yo creo que todo el mundo los recuerda con cariño.

*Dibujo del compañero Víctor Hugo

Dicen que Leño nació de una discursión entre los componentes de Ñu en la que Rosendo dijo aquello de:"Chico, hasta aquí hemos llegado...".

Lo cierto es que Leño debutó en la sala Alcalá Palace el 12 de febrero como teloneros de Asfalto, con cuatro temas propios.
En mayo se publicó el sencillo "Este Madrid/Aprendiendo a escuchar", y en marzo del 79 y tras muchos conciertos, se lanza el primer disco de Leño, gravado y mezclado en tan sólo 70 horas.
Tras este disco, el bajista, Chiqui Mariscal, abandonó el grupo siendo sustituido por Tony Urbano, que grabó el último tema del álbum: “El tren” .

Viajaron por toda España dando conciertos en muchos festivales, en compañía de otros grupos míticos de la época como COZ, ÑU, ASFALTO, BLOQUE…además en la radio sonaba la música española y fue un buen momento para ellos.

Con 1980 llegó la movida madrileña y con ella las ventas de discos y las apariciones en televisión.
En julio de este mismo año 1980 grabaron "Más Madera", con Teddy Bautista a los teclados. “Más Madera” tiene un sonido que se acerca más al pop.y según Rosendo: suena muy mal porque se hizo muy deprisa
Los conciertos y las actuaciones en directo no tuvieron teclados y según algunos dieron lo mejor de Leño en aquélla época. Quizá por esto en 1981 se grabó "En directo": el disco en el que se inmortalizaron las noches del 25, 26 y 27 de marzo en el barrio de Tetuán (Madrid). Esta vez se introdujo el saxofón de Manolo Morales y los coros de una desconocida por aquel entonces desconocida Luz Casal. A pesar del sonido directo y de que sólo tenía 4 canciones inéditas. “En directo” fue el álbum más vendido de Leño.

En mayo de 1982 Leño grabó su tercer disco, "Corre, corre", en Londres bajo la producción de Carlos Narea. Un álbum que sonaba más serio y más duro. Con singles pegadizos que fueron muy radiados en España.

El último verano de Leño fue 1983 en la gira de 34 noches, que organizó Miguel Rios,que estaba en su máximo apogeo con Rock&Ríos
Y en octubre de 1983, en lo mejor de su carrera, según los fans, Leño se disolvió. Según sus miebros, habían llegado a un callejón sin salida.
Fue un golpe duro para la música española, hasta tal punto que el diario ABC se hizo eco de ello publicando: "El grupo de rock con más carisma que haya salido nunca de los barrios madrileños se disuelve definitivamente.”
Quizá fue esa disolución prematura la que creó leyenda, un grupo de culto.

Y bueno, por si no sabéis que pedir a los reyes magos este año… os recuerdo los álbumes de Leño. Apuntad en la carta:
• Leño - 1979
• Más madera - 1980
• En Directo - 1981
• ¡Corre, corre! - 1982
• Vivo '83 - 2006
Y los recopilatorios:
• Maneras de vivir - 1997
• Indirecto - 1992
• Nos va la marcha (Banda sonora) - 1978
• Bajo la corteza: 26 canciones de Leño (Tributo) - 2010

Ala, a pasarlo muy bien escuchando Leño.

La Bauhaus

2010-12-27T12:50:00.000-08:00

La Bauhaus, es la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
El nombre Bauhaus es una palabra compuesta alemana. Las 2 palabras son Bau, que significa "de la construcción", y Haus, que significa "casa"; pero en los primeros años no tuvo departamento de arquitectura.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones partían de la idea de una necesidad de reforma de las enseñanzas artísticas. Estas enseñanzas eran vistas como la base para una transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, con la búsqueda de un espacio para una función o finalidad y la incorporación de una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: Muchísimas de las obras de la Bauhaus han sido declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La escuela Bauhaus tuvo 3 fases bien diferenciadas:

La Primera época va de 1919 a 1923 En primer lugar quiero explicar que el manifiesto Bauhaus buscaba la recuperación de la artesanía y elevarla al nivel de bellas artes.
La escuela Bauhaus se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Los alumnos comenzaban con un curso preliminar para liberarse de las convenciones y despertar sus dotes personales, con orientación espiritual. Tras este curso los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, así que salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería…
El taller de teatro era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario…
Paul Klee llegó a la escuela en 1920, y en 1922 Kandinsky.
Esta primera etapa termina con la necesidad de cambiar de sede la escuela por culpa de la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau.

Aquí comienza la segunda etapa que va de 1923 a 1925
A partir de 1923, y con mucha influencia de Theo van Doesburg, fundador del neoplasticismo holandés, se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad. La Nueva Objetividad es un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio. Este estilo se estaba ya imponiendo en toda Alemania. En esta etapa también se nota la incorporación de László Moholy-Nagy que supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura.

La Tercera época va desde 1925 hasta 1933
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Después de la presión que ejercen el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
Pero a pesar de ellos en 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos. Donde viviría en la clandestinidad hasta 1934.

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus se marcharon a Estados Unidos, donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría.
Además en 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, fundó la Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

RM: Danny Kortchmar y esa especie en peligro de extinción...

2010-12-22T05:14:00.001-08:00

Lo normal es destacar la figura de flamantes héroes de la guitarra y encumbrados dioses del micrófono, pero en este espacio -si no os habéis percatado ya-, vamos por otros caminos así que hoy me gustaría rendir tributo a Danny Kortchmar, Kootch para los amigos.

A muchos -los que no se compran los discos originales o tienen la fea costumbre de no leer con detenimiento los créditos- este nombre les sonará a chino, pero si hacemos la prueba de buscar en la discoteca y digo unos cuantos nombres de personas con las que Danny ha colaborado y trabajado de forma íntima, cercana e importante, es posible que la opinión se les cambie...
Pues bien, Danny Kortchmar, durante sus 64 años ha aportado su talento para artistas como el espléndido protagonista de hoy, James Taylor, en varios discos que van desde sus primeros pasos con la Original Flying Machine hasta los siguientes álbumes, que ya alcanzaron gran éxito como Sweet Baby James o Gorilla.

Pero ahí no acaba la cosa: desempeñando labores de guitarrista, compositor y productor, Danny ha colaborado con un sinfín de artistas más, relacionados gran parte de ellos con toda esa tropa americana que tanto me gusta: el californiano Jackson Browne en el curioso álbum en directo del 77 Running On Empty; la parejita formada por David Crosby y Graham Nash; la extraordinaria cantante Linda Rondstadt; el Eagle Don Henley o Carole King en su maravilloso disco Tapestry pudieron contar con la presencia de Danny en sus trabajos… Y la lista continúa, pero no vamos a dar la lata mucho más...

Danny Kortchmar es un guitarrista y un músico tan centrado en su carrera de apoyo a otras personas, que a lo largo de su dilatada carrera únicamente podemos contar con dos obras a título individual: "Kootch" del año 73 e "Innuendo" del 80, y no creo que esta escasez discográfica se deba a su falta de talento, sino más bien a que, aunque parezca inconcebible en los tiempos que corren hoy día, hubo y sigue habiendo gente que prefiere desarrollar su carrera sin dar la nota, a pasos cortos pero seguros y sin la inmediatez de éxitos vacuos,... Una forma de pensar y actuar que me parece encomiable.

Pero todo esto tiene su otro lado, y aunque es bien cierto que Danny y su guitarra ocupan una posición muy secundaria en cuanto a popularidad y reconocimiento por parte del gran público, esto no le gozar de un gran estatus y del cariño y la confianza dentro del mundo del "artisteo" americano, pues su presencia en los estudios de grabación asegura calidad a raudales y un sonido de lujo (hay que decir que es de esos guitarristas de pocas notas, pero bien puestas en su sitio). El hecho de que allá donde esté Kortchmar siempre suene buena música me parece la mejor señal de todas.

Pues ahí queda este pequeño reconocimiento a un músico profesional donde los haya y que forma, por méritos propios, parte de la Historia de la música popular americana y mundial.
Despidámonos de él con un tema perteneciente a su primer álbum, "Kootch". Con todos ustedes, la balada "You´re So Beautiful" :

Se recomienda escuchar esta canción acompañado o acompañada de la persona que le haga a uno o a una tilín y tolón:)

Listado de Temas Programa Especial James Taylor:

2010-12-22T04:40:00.000-08:00

1º "Winter Wonderland" - Darlene Love - A Christmas Gift For You - Capitol - 1965.

2º "Fire And Rain" - James Taylor - Sweet Baby James - Warner - 1970.

3º "How Sweet It Is (To Be Loved By You)" - James Taylor - Gorilla - Warner - 1975.

4º "Mexico" - James Taylor - Gorilla - Warner - 1975.

5º "You´ve Got A Friend" - James Taylor - Mud Slide Slim - Warner - 1971.

6º "Handy Man" - James Taylor - JT - Columbia - 1977.

7º "Walking Man" - James Taylor - Walking Man - Warner - 1974.

8º "Our Town" - James Taylor - BSO Cars - Watl Disney - 2006.

9º "Carolina In My Mind" - James Taylor - James Taylor - Apple - 1968.

10º "Sweet Baby James" - James Taylor - Sweet Baby James - Warner - 1970.

11º - James Taylor - JT - Columbia - 1977. "Your Smiling Face"

12º "For Sentimental Reasons" - Danny Kortchmar - Kootch - Warner - 1973.

13º "You´re So Beautiful" - Danny Kortchmar - Kootch - Warner - 1973.

Mi canción favorita de este señor.

Rarezas Musicales Programa Leño/Rosendo:

2010-12-15T14:36:00.000-08:00

¡Hola a todos los que por aquí se están pasando! Aquí, en Rarezas Musicales, vamos a dejar de lado por un momento a los grandes héroes clásicos del rock español en todas sus variantes como Miguel Ríos, Burning, Ñu, Leño y Rosendo, Barón Rojo,... y vamos a rescatar del olvido a una formación bastante interesante: Zarpa.

Estos valencianos, siendo todavía unos adolescentes, se unieron a mediados de los 70, con la única pretensión de tocar juntos y pasar un buen rato,.. Pero lo que no sabían es que poco tiempo después, eso sí, con trabajo duro e incontables horas de ensayo, lograrían convertirse en una banda pionera del Hard Rock en España.

Ya en 1978, tras unos cambios en la formación, decidieron entrar en un estudio y grabar lo que iba a ser su primer álbum: Los 4 Jinetes del Apocalipsis. Un trabajo plagado de colosales y penetrantes guitarras, de demoledores ritmos y de letras subversivas que trataban con ánimo crítico diversas cuestiones como la guerra, la contaminación, la insolidaridad..., aspectos todos ellos que tenían y tienen como denominador común los comportamientos más irracionales y negativos del ser humano.

La verdad es que este debut discográfico se realizó en unas condiciones técnicas totalmente pésimas y adversas. Pongamos unos ejemplos:
Para esa sesión de grabaciones los músicos tocaron todos a la vez, algo más o menos normal, pero lo hicieron en unas cabinas aisladas que dificultaban e impedían el contacto visual entre los distintos miembros, por lo que sólo pudieron tocar de oídas –poniendo trabas al buen entendimiento y coordinación musical-… Además, para más desgracia, resulta que los técnicos que trabajaron con ellos no habían grabado Rock en su puñetera vida, así que os podéis hacer una idea del esfuerzo titánico que Zarpa tuvo que hacer para poder ver decentemente su disco en la calle…

Pasado un tiempo y olvidado todo ese calvario, los chicos de Zarpa lograron establecerse como un grupo de culto, aunque ya claramente orientados hacia el Heavy Metal más propio de los 80, tal y como suena por ejemplo en el disco Herederos de un Imperio de 1982, así que nosotros vayamos a los orígenes de nuevo…

Como es lógico, con el paso de los años, el álbum Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis del 78 quedó descatalogado y relegado al olvido, convirtiéndose en un mito o una leyenda, en algo similar al Santo Grial, a la Piedra Filosofal o a una caza de gamusinos debido a la imposibilidad de hacerse materialmente con él, pero la gente de Guerssen Records, un sello discográfico y distribuidor catalán especializado en rarezas, antigüedades y cositas buenas, se encargó en 2007 de reeditar este discazo para solaz y disfrute de los paladares más exigentes.

Tras este merecido minitributo y reconocimiento a uno de los nombres más ilustres y en cierta medida desconocidos del Rock Duro español, ahí os dejamos con Zarpa y el tema que dio nombre a su disco ¡Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis!:

Hoy no hay un listado del programa 44 Especial Leño/Rosendo:

2010-12-15T14:33:00.000-08:00

Sino simple y únicamente el guión del programa:

Bruce Springsteen, primeros años

2010-12-11T06:13:00.000-08:00

Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli nació en Long Branch, Nueva Jersey, el 23 de septiembre de 1949 y pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey.
Su padre, fue un conductor de autobús de ascendencia germana e irlandesa. Su madre, era una secretaria con antepasados italianos.

Springsteen fue educado en un ambiente católico y asistió a la escuela parroquial, donde su temperamento chocó con la moral del colegío y con los estudiantes. Se trasladó de colegio en varias ocasiones donde siguió teniendo un carácter disconforme. Hasta se negó a asistir a su propia ceremonia de graduación
Viendo a Elvis Presley en la televisión a Springsteen decidió que quería ser músico y con sólo 13 añitos y 18 dóllares, se compró su primera guitarra

En 1965, empezó a tocar con el grupo The Castiles, donde tocaba la guitarra y cantaba. Con ellos grabó un par de temas y dio algunos conciertos
A finales de los años 60, participó en el trío Earth donde le pusieron el sobrenombre que le ha acompañado durante toda su carrera: “The Boss”. Le llamaban el jefe porque era él quien se encargaba de los pagos al grupo y la repartición del dinero.
Entre 1969 y 1971, Springsteen dio algunos conciertos en el entorno de Nueva Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill cuando entró el el grupo el guitarrista Robbin Thompson.
En enero de 1970, el crítico musical del San Francisco Examiner Philip Eldwood dijo de Steel Mill: "Nunca he estado tan abrumado por un talento totalmente desconocido".
Durante este periodo de tiempo, Springsteen también ofreció conciertos en clubes de Asbury Park, con un grupo de fieles músicos al que se sumó el pianista David Sancious- Este grupo de músicos más tarde se convertiría en la E Street Band que ya contaba con sección de viento, grupo vocal femenino, armónica…
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond, quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes.
Su álbum debut fue, Greetings from Asbury Park, N.J., publicado en enero de 1973, y estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Su música sonaba a folk rock en temas como "Blinded by the Light" y "For You", la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan o Van Morrison.
El tema "Spirit in the Night" mostraba especialmente la influencia de Van Morrison en Springsteen, mientras que "Lost in the Flood" supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.

En septiembre de 1973 lanzó su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band sacando un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
El 22 de mayo de 1974, el crítico musical Jon Landau que se convertiría en su representante y productor, escribió en The Real Paper de Springsteen: "Vi el futuro del rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen. Y en una noche en la que necesité sentirme joven, él me hizo sentir como si escuchara música por primera vez".

Ya con Landau Springsteen, finalizó su nuevo trabajo, Born to Run que a pesar de contar con un elevado presupuesto con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Durante este tiempo, Springsteen se sintió frustrado y su principal ayuda fue Steve Van Zandt, quien ayudó a Bruce a organizar el sonido, especialmente en la sección de vientos. Quizá fue esta ayuda la que hizo que Van Zandt, entrara a formar parte de la E Street Band.

Rarezas Musicales Programa Bob Dylan:

2010-12-01T15:46:00.000-08:00

Supongo que a vosotros os habrá pasado lo mismo, que por fin escucháis determinado disco y de repente, éste se convierte en una especie de hito importante en tu vida, hito que marca un antes y un después en tu existencia... Pues eso, justamente eso me ocurrió a mí al hacer caso a las recomendaciones de amigos, de revistas, de páginas especializadas de internet… -bueno, de todo el mundo básicamente- y me hice con Blood On The Tracks, de Bob Dylan.

De Bob tenía ya varios álbumes más en casa, como por ejemplo su primer álbum de debut cuando a penas superaba los 20 años, el Blonde On Blonde, o Dylan And The Dead -con los legendarios Grateful Dead de Jerry García-. Pero sabiendo que Dylan era más grande que la vida, notaba que todavía no había llegado a conocer su obra máxima, su cumbre. Y por fin llegó el momento con Blood On The Tracks...

Años y años oyendo elogiosas críticas de este álbum… Con desconfianza (por las dulces y empalagosas palabras que recibía este trabajo, no por él, claro está) me lo compré y ahora lo comprendo todo:Es esta una obra que surge de las mismísimas entrañas, sincera y espontánea como pocas...Duele escuchar cómo en las canciones "If You See Her" o "Idiot Wind" entre otras, Bob se abre al mundo y nos revela su vida, -entonces bastante turbulenta en cuanto a su relación matrimonial-, ensalzada con un sobrio y a la vez enorme tratamiento musical.
Pero la canción que más me impactó fue "You´re a Big Girl Now": el reconocimiento de un amor que ya está perdido. Para la gestación de este disco, Bob Dylan se dedicó a mostrar las cintas de las composiciones que estaba preparando a sus amigos y familiares, llegando a grabar varias versiones de un mismo tema. Las canciones que Bob publicó en el año 75 son las que finalmente se regrabaron en Minneapolis, apoyado por la banda de su hermano David, pero en el olvido quedaron las grabaciones originales que se realizaron en la ciudad de Nueva York...Y de esas sesiones neoyorquinas, desechadas, pero que han llegado a nosotros disponibles en forma de pirata, vamos a rescatar la canción que ya he dicho es mi favorita, en una versión aún más desnuda y descarnada …

Bob Dylan - Blood On The Tracks The New York Sessions - "You´re A Big Girl Now":

Listado de Temas Programas 41 y 42 Especial Bob Dylan:

2010-12-01T15:33:00.000-08:00

Listado 1:

1º "Blowin´ In The Wind" - Bob Dylan - The Freewheelin´ Bob Dylan -
Columbia - 1963.
2º "Hurricane" - Bob Dylan - Desire - Columbia - 1976.
3º "Subterranean Homesick Blues" - Bob Dylan - Bringing It All Back
Home - Columbia - 1965.
4º "All Along The Watchtower" - Bob Dylan - John Wesley Harding -
Columbia - 1967.
5º "Masters Of War" - Bob Dylan - The Freewheelin´ Bob Dylan -
Columbia - 1963.
6º "Knockin´On Heaven´s Door" - Bob Dylan
7º "Oh Sister" - Bob Dylan - Desire - Columbia - 1976.
8º "Don´t Think Twice, It´s All Right" - Bob Dylan - The Freewheelin´
Bob Dylan - Columbia - 1963.
9º "Like A Rolling Stone" - Bob Dylan - Highway 61 Revisited -
Columbia - 1965.
10º "I Want You" - Bob Dylan - Blonde On Blonde - Columbia - 1966.
11º "Lay, Lady, Lay" - Bob Dylan - Nashville Skyline - Columbia -
1969.
12º "Simple Twist Of Fate NYS" - Bob Dylan - Blood On The Tracks
New York Sessions - 1974/75.
13º "You´re A Big Girl Now" - Bob Dylan - Blood On The Tracks New
York Sessions - 1974/75.
14º "The Times They Are A-Changin´" - Bob Dylan - The Times They´re
A Changin - Columbia - 1964.
15º "Mr Tambourine Man" - Bob Dylan - Bob Dylan - Bringing It All
Back Home - Columbia - 1965.

Listado 2:

1º “Dignity” – Bob Dylan – Oh Mercy – Columbia – 1995.
2º “Not Dark Yet” – Bob Dylan – Time Out Of Mind – Columbia – 1997.
3º “Tweedle Dee and Tweedle Dum” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
4º “Things Have Changed” – Bob Dylan – Tell Tale Signs – Columbia – 2008.
5º “Sugar Baby” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
6º “Mississippi” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
7º “Cry A While” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
8º “Bye and Bye” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
9º “Po´ Boy” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
10º “Little Miss Freedom” – Mike Stevens – No Savage World – Deroy – 1975.
11º “Runaround” – Mike Stevens – No Savage World – Deroy – 1975.

E.mail

2010-12-01T04:29:00.001-08:00

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Listado de Temas Programa 39 y 40 Especial Bruce Springsteen:

2010-11-26T15:57:00.000-08:00

Primer Programa:

1º "Human Touch" - Bruce Springsteen - Human Touch - Columbia - 1992.
2º "Born To Run" - Bruce Springsteen - Born To Run - Columbia - 1975.
3º "Rosalita" - Bruce Springsteen - The Wild, The Innocent And The E Street Shuffle -
Columbia - 1973.
4º "The River" - Bruce Springsteen - The River - Columbia - 1980.
5º "Atlantic City" - Bruce Springsteen - Nebraska - Columbia - 1982.
6º "Dancing In The Dark" - Bruce Springsteen - Born In The USA - Columbia - 1984.
7º "Tunnel Of Love" - Bruce Springsteen - Tunnel Of Love - Columbia - 1987.
8º "Born In The USA" - Bruce Springsteen - Born In The USA - Columbia - 1984.
9º "Growin´Up" - Bruce Springsteen - Greetings From Asbury Park - Columbia - 1972.
10º "Goin´ Back To Georgia" - Steel Mill - At Matrix (San Francisco) - 1970.

Segundo Programa:

1º "What Love Can Do" - Bruce Springsteen - Working On A Dream - Columbia - 2009.
2º "The Rising" - Bruce Springsteen - The Rising - Columbia - 2002.
3º "Radio Nowhere" - Bruce Springsteen - Magic - Columbia - 2007.
4º "Human Touch" - Bruce Springsteen - Human Touch - Columbia - 1992.
5º "Streets Of Philadelphia" - Bruce Springsteen - BSO Streets Of Philadelphia -
Columbia - 1994.
6º "The Wrestler" - Bruce Springsteen - Working On A Dream - Columbia - 2009.
7º "My Lucky Day" - Bruce Springsteen - Working On A Dream - Columbia - 2009.
8º "O Mary Don´t You Weep" - Bruce Springsteen - We Shall Overcome: The Seeger
Sessions - Columbia - 2006.
9º "Dry Lightning" - Bruce Springsteen - The Ghost Of Tom Joad - Columbia - 1995.
10º "Mother Nature" - Don McLean - American Pie - Capitol - 1971.
11º "The Grave" - Don McLean - American Pie - Capitol - 1971.
12º "Babylon" - Don McLean - American Pie - Capitol - 1971.