martes, 29 de marzo de 2011

Janelle Monáe. Programa nº55 Especial Madonna:

Está claro que Madonna es todo un referente a seguir por aquellas artistas que quieran ser algo en el mundo del espectáculo y del entretenimiento masivo. Por eso no es difícil encontrar en gente como Pink, Lady Gaga, Rihanna y demás sucedáneas ese desparpajo -traducido en provocación- y ese dominio absoluto de lo formal y de lo estético... Es decir, las señas de identidad de la llamada Reina del Pop…

Pero por fortuna, de vez en cuando aparecen artistas femeninas que poseen una personalidad desbordante y que buscan, más allá de la mera superficie, profundizar en la música y en su arte sin atenerse a los dictados del momento.

Este es justamente el caso de Janelle Monáe: una cantante de R´n´B distinta al resto -ya que no aparece en videoclips rozándose contra las paredes-, y valiente -ya que entrelaza sonidos con una habilidad increíble rompiendo etiquetas y convencionalismos, sin importar nada más que su propio criterio e instinto musical-.

Valga como ejemplo la canción que nos está sirviendo de fondo, "Babopbye ya": toda una demostración de poderío en la que Janelle manifiesta a las claras su aprecio por las grandes damas del Jazz, todo ello con una orquesta sinfónica completa a sus espaldas.

Algo me dice que muchas estrellitas de ahora no estarían capacitadas para hacer algo similar a esto:



Archandroid, su álbum debut de 2010, es un trabajo visionario, arriesgado y poliédrico en el que aparece reflejada toda la música que ha marcado a Janelle a lo largo de su vida. En él podemos encontrar desde trazos de la música clásica de Debussy y el Funk de George Clinton, hasta del sonido Minneapolis de Prince y la suavidad Soul, pasando por otras honorables huellas y detalles que iréis encontrando a lo largo del minutaje y que hacen de Archandroid una delicada obra de filigrana sonora...

Pero no olvidamos que estamos en la era de la imagen, y aquí Janelle también se distancia del resto de la competencia luciendo y combinando una estética futurista que recuerda a veces a Metropolis y otras películas de ciencia ficción de ese estilo, un vestuario años 50 muy cercano a Little Richards y un tupé y maneras de ser sobre el escenario que recuerdan a James Brown…
Una fuera de serie en toda regla.


Felizmente, Janelle está empezando ya a sonar en nuestro país gracias a dos impecables temas publicados y lanzados inteligentemente como singles:
Junto a "Tightrope", la canción que abrió a Janelle las puertas del reconocimiento, está su otro sencillo que se titula "Cold War", un corte muy interesante de R´n´B actual en el que Janelle nos muestra un genio creador y un talento vocal que espero que la acompañe muchos años. Además, este tema se ha hecho acompañar de uno de los videoclips promocionales más sencillos, impactantes y atractivos que he visto en los últimos tiempos.



Aquí y ahora, tenemos todos la oportunidad de admirar el talento musical de Janelle y cómo no, el emotivo y arrebatador magnetismo de su mirada:

Concurso BSO Sultanes del Swing edición1

Adivina de qué película es esta BSO

viernes, 25 de marzo de 2011

Phil Collins

Phil Collins al que bautizaron como Philip David Charles Collins nació el 30 de enero de 1951 en Chiswick, Inglaterra.

Cuando los Collins regalaron al pequeño Phil de 5 años una batería de juguete por Navidad, nunca pensaron que le gustaría tanto el regalo.
Estando en la Escuela Comunitaria Chiswick, formó una banda llamada The Real Thing y más tarde se unió a The Freehold.

Pero la primera grabación de Collins fue como baterista de Flamming Youth en 1969 Se tituló “Ark2”, sin embargo no tuvo mucho éxito comercial y después de un año de gira, las tensiones dentro de la banda y la falta de éxito comercial terminaron por disolver el grupo.

En 1970, Phil Collins respondió a un anuncio Melody Maker donde se buscaba "... un baterista sensible a la música acústica". La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel. Un año más tarde ya grababa con Génesis, "Nursery Cryme”, el 3º álbum de la banda.(prox Post)

En 1974, mientras Genesis grababa el álbum "The Lamb Lies Down on Broadway", Brian Eno necesitó de un baterista para su "Another Green World". Collins fue el elegido.
Entre 1976 hasta 1983 participó en el grupo Brand X como baterista editando nueve discos.

En el año 1979 colaboró con Camel en su disco I Can See Your House From Here en la percusión. Al año siguiente colabora con Mike Oldfield en el disco "QEII" también en las percusiones.

Desde 1981 desarrolló su carrera en solitario paralela a la de su trabajo con Genesis. Su primer álbum en solitario, "Face Value" del año 1981, se dice que fue un reflejo de la ruptura de su primer matrimonio y por eso suena tan melancólico.

"Hello, I Must Be Going" de 1982 fue otro disco que alcanzó gran popularidad y del cual se extrajo un sencillo, "You Can’t Hurry Love", que se situó en el primer puesto de las listas de ventas británicas.
Otro de los álbumes con mayor éxito internacional fue "No Jacket Required" de 1985 .
Otros títulos a destacar en su discografía son: "...But Seriously" de 1989, disco que para muchos es el mejor que ha grabado en su carrera, siendo ganador de Grammy´s, con el famoso tema "Another day in paradise" "Both sides " (1993), "Dance Into the Light" (1996).

En marzo de 1996, después de 26 exitosos años con Genesis, Phil Collins decide abandonar amistosamente la formación para dedicar más tiempo a su carrera como solista y a su familia.
Posteriormente ha centrado su actividad creativa en la composición de bandas sonoras, de las que nos hablará en próximos post Paula

En 2002 lanza su álbum "Testify", pero su último álbum "Going Back", que se lanzó en Septiembre del 2010, y que se trata de un álbum dedicado a covers de canciones que escuchó de niño y siempre quiso grabar.

Hace tan sólo unas semanas Phil Collins anunció su retirada del mundo de la música, se ha barajado sus continuos problemas de salud, problemas en la columna, en las manos, en los oídos… se han barajado que quiere pasar tiempo con sus hijos. Pero lo único que sabemos es que Phil Collins se retira.
También se dice que el propio Collins dijo: no creo que nadie me eche de menos.
Pues Phil, creo que puedo decir en nombre de mis 4 compañeros, que al menos nosotros, los sultanes, vamos a echarte de menos.

jueves, 24 de marzo de 2011

Rarezas Musicales ¿del Programa 54? Dedicado a Phil Collins:


Conocido es por todos el amor que Phil Collins ha tenido siempre por el Soul. Así bien lo demuestran tanto su honesta y reconocidísima versión del “You Can´t Hurry Love” de The Supremes y las secciones de viento-metal de esencia negra que siempre salpicaban sus discos (cortesía en muchos casos de la Phenix Horns), como su último y al parecer poco exitoso disco de versiones homenaje a la histórica compañía Motown.

Como suele ser habitual, en esta vida casi todo el mundo toma una postura y se posiciona en uno u otro lugar. En este caso, siempre hay unas preguntas que sirven para entablar una buena conversación o discusiónen las que está muy clara la intención de buscar la polémica y el enganchón: ¿Quién es mejor o a quién prefieres? ¿A Phil Collins o a Peter Gabriel?
Personalmente Genesis –la banda en la que estuvieron estos dos hombres-, nunca me llamó del todo la atención: ni en sus inicios dentro del Rock Progresivo ni en su posterior etapa Pop; aunque si debo quedarme con alguien, entonces elijo sin dudas a Phil debido a su carisma y a ese don para saber conciliar lo comercial, lo pegadizo y esa percusión tratada de forma sintética que tanto me cuesta aceptar propia de los años 80 con las bases de la buena música negra de siempre.
Además, si he de ser sincero en su día, cuando era niño, esas músicas tan extrañas y esos horribles videoclips que salían de la mente de Peter tipo "Sledgehammer" me provocaron unas cuantas pesadillas… y eso es algo que al final marca y sale a flote más tarde o más tempano, como en este caso.

Ese gusto de Phil Collins por el sonido negro hizo que entablara grandes amistades con artistas de ese mundo. Y ahí es donde entra en acción su tocayo Philip Bailey, el cantante y compositor de Earth Wind and Fire: esa mítica agrupación de Chicago que basaba toda su fuerza en el R´n´B y en la fiebre Funk para crear clásicos tras clásicos como “Let´s Groove”, “Fantasy” o “September”…

Fruto de esta relación personal y profesional surgió “Easy Lover”: una canción donde la presencia del característico falsete de Philip Bailey impregna hasta el último rincón del tema con un optimismo, vitalidad y energía desbordante, convirtiéndose junto a la producción de Phil Collins, en uno de los elementos clave que hizo que esta canción alcanzara el puesto nº 1 en Inglaterra, el nº 2 en USA, y se convirtiera en un rotundo éxito mundial.


De forma paralela a Earth Wind and Fire, Bailey inició una carrera musical en solitario en la que daba rienda suelta y ampliaba aún más sus anteriores registros, abarcando ahora estilos más depurados y elegantes como el Gospel, el Nu-Soul y el Jazz, con un resultado en cuanto a ventas menos llamativo pero eso sí, de una calidad suprema...

Una prueba del refinamiento que alcanza Philip Bailey en este álbum es esta versión remozada del "Keep Your Head To The Sky":

http://www.goear.com/listen/51d98bb/keep-your-head-to-the-sky-p-bailey

Nos despedimos por hoy con una canción perteneciente al último disco de Bailey del que tengo constancia: “Soul On Jazz”, editado en 2002 por Heads Up International.
Cuenta con la impecable producción del neoyorquino DJ Smash y es tan alegre y positiva que siempre que la escucho me dibuja una sonrisa en la cara…

En fin, es una de esas canciones que quita todos los males, sustituye a todos los psicólogos del mundo y que se titula "Bop Skip Doodle":

http://www.goear.com/listen/d7a27f8/bop-skip-doodle-p-bailey

Como Goear últimamente me está vacilando y no me suenan sus reproductores -eso sí, la publicidad no falla-, mejor os dejo entonces los enlaces directos que llevan a las canciones...
¡Espero que suenen y que os gusten!

viernes, 18 de marzo de 2011

Méjico Musical:


En el programa del martes que viene vamos a tener muchas cosas y va a sonar la mejor música, como está mandado. Eso es que no falla, pero...

...Si hacemos una pequeña recapitulación, nos damos cuenta que la mayoría de los artistas que solemos poner son anglosajones: estadounidenses o británicos. Pero a veces, si echas un vistazo al mapa del mundo y abres bien las orejas, te puedes topar con grandes sorpresas sonoras.

En mi caso, llevo ya más de un año que no salgo del asombro con la cantidad y calidad de la música que sale de ese país llamado Méjico, un país que no sé por qué, pero siempre he sentido cierta admiración y cariño por él. La verdad es que antes de ponerme a buscar, la idea preconcebida que tenía hecha de este país dista mucho de lo bulliciosa, creativa e innovadora que en realidad es la escena musical mejicana.

A continuación voy a mostrar brevemente los 3 grupos que más me han llamado la atención en los últimos tiempos:
Café Tacvba: estos son unos históricos. Llevan desde inicios de los 90 creando un mundo maravilloso en el que el folclore mejicano -rancheras, el rollo mariachi, los corridos,...- y el Rock Alternativo en todas sus variantes se dan la mano como bien nos demuestran en el tema "Ingrata", que trasmite esa tradición musical tan rica. Las letras de estos tipos dejan poso y
la gran mayoría de sus discos se caracterizaban por poseer el sonido propio de una caja de ritmos, algo que en mi opinión le resta potencia, pero afortunadamente es algo que solventaron en 2.007.
En este año publicaron "Sino", un verdadero discazo en el que hay de todo para todos. Se dice que es el disco más maduro de la banda. Esto puede parecer un tópico, pero no lo es en absoluto ya que tiene un sonido más reposado, pulido, actualizado y compacto que sus anteriores trabajos...
Contiene verdaderas joyitas -"Tengo Todo", "Esta Vez",...- pero vamos a poner únicamene las dos canciones que más me impactaron de Café Tacvba:
"Volver A Comenzar" la descubrí gracias a la banda sonora del videojuego Little Big Planet. A partir de ahí fuí tirando del hilo hasta dar con ellos.
Estéticamente son únicos, el mensaje de las letras me parecen realmente apreciables e interesantes y el dulce recubrimiento Disco-Pop engancha.
¡Entonces qué más se puede pedir!:)


Líricamente "Quiero Ver" es un bolero de los de toda la vida de Dios pero trasplantado al siglo XXI e interpretado por unos tíos que saben lo que se hacen. El ritmillo del bajo y la batería tiene reminiscencias de la Motown y el videoclip es una pasada:


El siguiente grupo es Plastilina Mosh, un duo de orfebres y profesionales del corta-pega, los samples, y las bases rítmicas contagiosas. A estos jefes de la música heterodoxa se les conoce por ahí como los Beastie Boys de Monterrey, y no andan muy desencaminados con esa definición. Para muestra un botón:


Con el paso del tiempo la pareja ha ido perdiendo ese toque sucio o dejado más propio del Hip-Hop para abrillantar el sonido hacia unas posturas más Dance o Pop Electrónico.
El sentimiento hedonista y el humor de esta gente sigue inalterable y se siguen saliendo, como bien se aprecia en las canciones "Pervert Pop Song" y "Let U Know" -en esta última, del 1:35 al 1:40 es que me parecen brillantes con los gestos del tocinillo-:




Y ya los últimos son Enjambre. Una banda mejicana que me ha fascinado desde la primera vez que los escuché. La historia de esta gente es curiosa, ya que se se formaron como banda en Estados Unidos -California- y ha tenido que ser de vuelta a su país de orígen cuando han alcanzado cierta fama.
"El Segundo Es Felino" es el trabajo de Enjambre que más me ha gustado hasta la fecha. Es muy raro de describir porque en nuestro país no gozamos de grupos con características similares. Suenan como una banda de Pop-Rock al uso pero con un punto de retorcimiento, oscuridad y de humor negro tanto en las letras como en la música que me resulta chocante y a la vez atractivo.


"Impacto" es mi canción favorita de Enjambre. En ella colabora la señorita Lo Blondo, talentosa cantante de Hello Seahorse! -ahí dejo el nombre de otra banda mejicana para que busquen-. La forma de cantar, el énfasis y sentimiento que le ponen a las letras está en las antípodas de lo que se hace últimamente por aquí en España, y por eso mismo me provoca tantas sensaciones("me derrite, me transmite"). Desde la distancia, por ese dramatismo y lirismo, le veo muchas conexiones con la canción romántica melódica tradicional, con los boleros,... Pero todo con buen gusto, claro.


Espero que guste este repaso a la Música de Méjico.

jueves, 17 de marzo de 2011

Bob Marley

Si haceis memoría recordareis que hace unas semanas hablamos aquí en los Sultanes de The Wailers. Si no teneis memoría no os preocupéis, sois bienvenido igualmente y podeis escuchar los podcast en el blog, aquí a la izquierda.
<--
Robert Nesta Marley Booker o Bob Marley, como os guste más, nació en Nine Mile, Saint Ann Parish, en el bonito país de Jamaica el 6 de febrero de 1945. Bob Marley fue músico y compositor de bandas de ska, rocksteady y sobretodo reggae. Marley se convirtió el el más conocido y respetado músico rastafari de su país y del mundo entero.

Fue hijo de Cedella ‘Ciddy’ Malcolm, una mujer negra de diecinueve años, y de Norval Sinclair Marley, un jamaicano blanco de clase alta y origen inglés, de más de cincuenta años. Una familia, la de Bob, que nunca vivió junta.
Durante su infancia Bob Marley vivió con su familia materna, muy creyente en religiones locales y que creían que el joven Bob poseía poderes por estar “tocado por el dedo del Señor”. Pero el pequeño Bob se quejaba “ahora soy cantante”.

Cuando Bob Marley ya tenía 11 añitos se traslada a Nine Miles Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny. Bob y Bunny comienzan a ser amigos y a intentar imitar juntos las canciones emitidas por las emisoras del sur de Estados Unidos. Copiaban a artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Fats Domino o James Brown.
Con 14 años Bob dejó la escuela y consiguió un empleo como soldador, pero una chispa del equipo con el que trabajaba le quemó un ojo. Este accidente fue leve pero sirvió para que dejase el trabajo y se concentrase con Bunny en la música.

En febrero de 1962, Bob Marley conoció al cantante Derrick Morgan, que había estado grabando abundantemente con el productor jamaicano de origen chino, Leslie Kong. Entre febrero y abril de 1962 publicó tres canciones que aparecieron en el sello Beverley’s, propiedad de Kong, aunque hay un consenso general acerca de que en este momento Bob era mejor bailarín que cantante. "Judge Not" y "Do You Still Love Me?" fueron las dos caras de su primer single, a las que seguiría "One Cup of Coffee".

Bob y Bunny acostumbraban a ir a la casa de Joe Higgs, un cantante que, a pesar de poseer cierta fama en la isla, continuaba residiendo en Trench Town y daba clases de canto para principiantes. Allí sería donde se encontraron los Wailers por primera vez en 1961. Y aunque su talento estaba aún sin refinar, hicieron lo suficiente para convencer al productor para grabar. El ritmo de moda en Jamaica entonces era el Ska que, con un golpe marcado y bailante, mezclaba elementos africanos con el rhythm & blues de Nueva Orleans.

Cedella, la madre de Bob Marley se había casado y mudado a Delaware en los Estados Unidos y quería darle a Bob una nueva y buena vida en EEUU así que reunió el dinero suficiente para comprar un pasaje de avión para su hijo. Antes del viaje Bob había conocido a Rita Anderson, con la que se casaría el 10 de febrero de 1966 y con la que tendría varios de los once hijos que Bob reconoció. Al día siguiente de su boda. viaja a Delaware, en donde Marley encontró un trabajo nocturno en el departamento de repuestos de una fábrica de automóviles Chrysler. Pasó apenas ocho meses con su madre antes de volver a Jamaica. Su intención era ahorrar para montar su propio sello, pero una citación para el Vietnam acabó con la aventura.

Bob regresa a Kingston en Octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de su Majestad Imperial. Esta visita había dado un gran impulso al movimiento Rastafari de la isla. La implicación de Marley con estas creencias estaba creciendo y, a partir de 1967, su música comenzó a reflejarlo. Para entonces el Ska había dejado paso a un ritmo más lento y sensual llamado Rocksteady.

Tras el regreso de Bob con suficiente dinero para establecerse por su cuenta, y, determinados a controlar su propio destino, crean su propia etiqueta: Wail’n Soul y Bob entregaba los discos de Wail’n Soul alrededor de la isla en una bicicleta
Johnny Nash, cantante estadounidense de soul, había acudido a grabar su música a Jamaica porque allí resultaba bastante más económico que en los EE.UU. Allí conoció a Marley en una reunión de Rastas. Él y sus socios Danny Sims y Arthur Jenkins firman un contrato de management con los Wailers. Bob les dice que quiere ser una estrella en las listas de rhythm & blues de los Estados Unidos y comienzan a grabar para la etiqueta JAD (Johnny, Arthur y Danny) en Jamaica, añadiéndose posteriormente retoques en Nueva York, realizados por los miembros del grupo de Aretha Franklin. La gran mayoría de las canciones no salen al público, y van publicándose con cuentagotas. En 1968 Sims y Nash continúan promoviendo a Bob Marley con la idea de convertirlo en una estrella internacional.

En el verano de 1969 Bob y Rita visitan a la madre de Bob en Delaware. Durante el viaje escribe Comma Comma, que más tarde se convertiría en un éxito internacional para Johnny Nash.

Respecto a la época de Bob Marley con The Wailers podeis leer el post sobre The Wailers.
Sólo os voy a recordar los álbumes más importantes para que os hagáis un repaso y no os descoloquéis.
Catch a Fire 1972
Burnin’ 1973
Natty Dread 1974 Rastaman vibration 1976
Exodus 1977
Kaya 1977
Babilon by bus 1978
Survival 1979
Y por ultimo Uprising

En 1977 y tras una triunfal gira europea Bob, que se había lesionado jugando al fútbol al iniciar la gira, recibe la noticia de que tiene células cancerígenas en la piel de su dedo lesionado.
En 1980 tras los shows en el Madison Square Garden, Bob se cae en el Central Park y los médicos le dicen que el cáncer ha llegado a sus pulmones y cerebro y que apenas le quedan un par de semanas de vida. El músico viaja de hospital en hospital intentando salvar su vida, pero es imposible y el lunes 11 de mayo de 1981 Bob Marley muere acompañado por su familia.

Jamaica entra en un estado de shock. Hasta el Parlamento se cerrará durante los próximos 10 días.
El 21 de mayo el Honorable Robert Nesta Marley. recibe un funeral estatal encabezado por el primer ministro. La multitud más grande en la historia del Caribe observa mientras el cuerpo del fallecido cantante viaja a su lugar de nacimiento en Nine Miles.
Además, en abril de 1981 se le había otorgado la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país.

jueves, 10 de marzo de 2011

Rarezas Musicales Programa 54 Especial Bob Marley:

¡¡¡Ahí tenéis un anticipo de lo que escucharéis el martes que viene!!!

Los que suenan hoy aquí, en las Rarezas Musicales son los legendarios mallorquines de La Puta Opepé: una de las bandas más personales del Hip-Hop y cómo nooo, pioneros por derecho propio del Reggae, Ragga y Dancehall nacional.

Estos tipos tienen un lugar privilegiado en la historia del Hip-Hop y segurísimo que a los que os guste este tipo de música ya los conoce de sobra, pero vamos a hacer el esfuerzo de hablar un poco de ellos para que el resto de la gente que nos lea y escuche sepa de qué iban estos genios, qué nos ofrecían...

Si estáis cansados de las temáticas cansinas del Rap y de ese rollo Gangsta-malote, no hay duda: La Opepé es vuestro grupo, ya que a diferencia de la mayoría de las bandas, estos máquinas lograron crear un mundo, una jerga y un estilo propio que se situaba en las antípodas de lo que estábamos acostumbrados, plagado de un original sentido del humor –como lo demuestran con esta oda al vino de cartón Don Simón- pero que era totalmente compatible con una conciencia y sentido crítico que de verdad, les hacía únicos e irrepetibles:


Pero aquí en concreto vamos a hablar de un miembro de La Opepé, El Hermano Ele: uno de los MC´s y cantantes más versátiles del panorama nacional ya que le da al Rap, al Reggae y al Ragga sin ningún tipo de problema, con un dominio tremendo de la palabra y con un carisma insuperable. Características que han hecho que sea solicitado para que aparezca en numerosos discos y mixtapes, y también que su lista de colaboraciones sea interminable, apareciendo en ella nombres tan ilustres como Jota Mayúscula, R de Rumba o los brutísimos Duo Kie...

Como hemos dicho, El Hermano Ele es uno de los artistas más versátiles, pero no solo en cuanto a estilo sino también en cuanto a las temáticas que trata en sus canciones, que se caracterizan por tener unas letras que, eso sí, siempre con un toque divertido, abarcan un amplio espectro de cuestiones: tratando temas actuales y muy de la calle como son la hipocresía de esos amigos que por la espalda te la acaban liando, el caos y la crisis en que vivimos rodeados, la corrupción y especulación inmobiliaria o la codicia, ese enfermizo amor por el dinero,...

Y para que vean que en este mundillo no todo son proxenetas o machistas, y que de verdad merece la pena esta música, ahí os dejo con un tema en el que El Hermano Ele reflexiona sobre una de las miserias más grandes de nuestro país: hablamos de la violencia doméstica o familiar.
Escúchenlo con los oídos bien abiertos y no se llamen a engaño...

Esta canción se titula…"Lo Más":

miércoles, 9 de marzo de 2011

Nickelback

Nickelback es el grupo que nos ocupa hoy. El grupo que nos recomendó Alejandro, o como se hace llamar él, nuestro oyente número uno que nos acompañó en el programa de ayer día 8 de Marzo.
Hablemos de Nickelback pues.

Nickelback es un grupo musical canadiense de rock, fundado por Chad Kroeger, Mike Kroeger, Ryan Peake y Brandon Kroeger, que fue su primer baterista.
Comercialmente Nickelback es uno de los grupos canadienses más exitosos. Ha vendido más de 30 millones de copias en el mundo.

El primer lanzamiento de Nickelback fue un EP de siete canciones llamado Hesher, en 1996. Ahora mismo dicen que es difícil de encontrar. En ese mismo año 1996, Nickelback grabó su primer álbum de estudio llamado Curb.

El siguiente álbum, The State, se grabó en 1998 y fue lanzado como producción independiente. Y parece que a EMI les debió gustar porque firmaron con ellos y con el sello Roadrunner Records. Así The State fue relanzado en el 2000 bajo los 2 sellos convirtiéndose en disco de oro en Canadá y en los Estados Unidos y platino en el 2008.
En el 2001, Nickelback lanzó el álbum Silver Side Up, que los catapultó a la popularidad. Y los primeros puestos de las listas de éxitos de Canadá, EEUU y de la Billboard.

En el 2003, Nickelback lanzó su cuarto álbum, The Long Road y fue también un éxito.
El quinto álbum de estudio de la banda, se llamó All The Right Reasons, y ha vendido más de 7.000.000 copias sólo en EEUU.
Nickelback telonearó a Bon Jovi. Concretamente en la gira europea del Have a Nice Day Tour de2006, en el que a su vez Nickelback estaba promocionando All The Right Reasons.

En el 2007, el guitarrista y líder de la banda Chad Kroeger, hizo una colaboración para el también guitarrista Carlos Santana en el álbum The Ultimate Santana en la canción 'Into the Night'

El sexto y último álbum de Nickelback se llamó Dark Horse, y fue lanzado el 18 de noviembre de 2008, con producción de Robert "Mutt" Lange.