lunes, 19 de diciembre de 2011

La Roux - Programa 76 Especial M83:



Que el Electro, Techno o Synth-Pop británico de los 80 sigue vigente en la música actual es más que evidente: ahí tenemos por ejemplo a los desaparecidos australianos Empire Of The Sun, al dúo de Manchester Hurts (encargados de revivir el lado más elegante de los ya vejetes nuevos románticos) o a nuestro protagonista de hoy: el francés Anthony González, más conocido por todos como M83.

Pues vean, resulta que ese mundo ochentero repleto de toques de sintetizadores y cajas de ritmo ha marcado también la vida y obra de La Roux: el proyecto musical y nombre artístico de Eleanor Kate Jackson, una chica pelirroja procedente de Brixton dedicada en cuerpo y alma a la vertiente más sintética, lúdica y bailable del electro-pop…

Para que se vayan haciendo una idea de lo que os espera con ella, La Roux suena como si la gente de Yazoo, The Human League o Eurythmics hubieran tenido una nieta moderna y seguidora de la Electrónica… Pues así más o menos es como suena.

En 2009 La Roux publicó con Polydor un disco homónimo que estaba destinado a llenar las pistas de baile ‘all around the World’ con canciones como su exitoso “Bulletproof”, “Fascination” o “Colourless Colour” y más o menos así fue, pero por alguna extraña razón que se nos escapa, en España… no sonó mucho ¡Qué raro! Pero no os preocupéis, que como nosotros estamos aquí para desfacer entuertos... Ahí va una de mis canciones favoritas de su disco: “I´m Not Your Toy”.


La Roux - I'm Not Your Toy por universalmusicdeutschland

lunes, 12 de diciembre de 2011

Kosmos - Folk Progresivo desde Finlandia:


Si hacemos un pequeño repaso, veremos que el número de bandas de orígen noreuropeo que se ha paseado por nuestras Rarezas Musicales es bastante significativo.
Durante estos años hemos hablado de gente como los curiosos y progresivos noruegos Gazpacho, de los holandeses dedicados al Stoner más arenoso Sungrazer, de sus compatriotas los veteranos punkarras The Ex o de los polacos Kroke...

Y no es que yo sea muy europeísta que digamos, pero hoy toca hablar de nuevo de otros compañeros de más allá de los Pirineos, pero de muuucho más allá: con todos ustedes, los finlandeses Kosmos:

Kosmos es una joven banda de Folk-Progresivo procedente de la ciudad de Turku que está aquí porque suenan muy bien y porque considero que tiene ciertos elementos paralelos o nexos de unión con la obra de Enya: Por una parte la presencia de una voz femenina suave y sugerente; por otra, ese halo mágico, bucólico, irreal y misterioso que impregnan en todas y cada una de sus composiciones...

En todas ellas la instrumentación es deudora del Rock Progresivo y del sonido Canterbury más templado y reposado tipo Caravan, King Crimson o Genesis, así que flautas, mellotrones, violines, guitarras acústicas y eléctricas es tooodo lo que os vais a encontrar tras darle al play...

Como la canción es larguilla, os dejamos ya con el que es a mi parecer el punto álgido del disco publicado en 2005 'Tarinoita Voimasta': una canción lánguida y opaca titulada "Öisin", que en español viene a ser algo así como "Por La Noche":

lunes, 28 de noviembre de 2011

¡AMEBA en LOS SULTANES DEL SWING!



Como bien reza el titular que hay arriba, tenemos el placer de anunciar que Raquel-Ameba nos visitará este lunes 5 de diciembre a las 18:00 horas para contarnos sus ideas, sus cosas y mostrarnos esa música que lleva dentro.





Ya saben donde encontrarnos:

En la 107.4 de tu FM si resides en Alcalá de Henares o en Ruah.es/online


¡Nos oímos!

lunes, 14 de noviembre de 2011

Ghost Dog - una de mis películas favoritas:

Como más o menos intuía que mis compañeras de programa iban a traer unas BSO de corte más bien tranquilo, me he propuesto venir aquí con algo distinto, con la música de una película de estas digamos... especiales: Ghost Dog.


‘Ghost Dog: The Way of the Samurai (El Camino del Samurai)’ es una película independiente rodada en 1999, escrita y dirigida por Jim Jarmusch (que os sonará de filmes como ‘Coffee And Cigarrettes’ o ‘Dead Man’), e interpretada por uno de mis actores favoritos tanto de reparto como de protagonista: el grandísimo Forest Whitaker (oscarizado en 2006 por su papel del dictador ugandés Idi Amin en ‘El último Rey de Escocia’).


Y la sinopsis es la siguiente: la historia tiene lugar en la gris, deprimida e industrial New Jersey y trata la vida de Ghost Dog (Forest Withaker): un misterioso y solitario hombre que vive en el cobertizo de una azotea, con la única compañía de sus palomas mensajeras y la extraña amistad que entabla con una niña sabelotodo que vive en el portal de al lado y con un haitiano francófono que no habla ni pizca de inglés y que se dedica a vender helados con su destartalada furgoneta...


Pero resulta que Ghost Dog tiene un lado oculto: obsesionado desde joven con la filosofía oriental y seguidor del Hagakure (una obra literaria japonesa del SXVIII ideada por Yamamoto Tsunemoto que plasma la doctrina tradicional feudal y el antiguo código ético-militar de los Samurai), Ghost Dog decide que su vida debe regirse estrictamente por este ancestral código de conducta y servir fielmente a un decadente y cincuentón mafioso local con el que está en deuda desde tiempo atrás, cuando este mafioso de poca monta (llamado Louie y encarnado por John Tormey) salvó su vida durante una pelea callejera… Y como la cabeza de Ghost Dog no está muy en su sitio, decide entonces que debe servir vasallaje a Louie como si de su señor se tratara. ¿Y cómo se sirve a un mafioso? Pues actuando de sicario y asesino profesional...
Casi nada...

Sin embargo, pese a la pericia y eficacia que demuestra Ghost Dog a la hora de realizar “los trabajos”, la cosa se acaba complicando demasiado y la familia mafiosa para la que trabaja se vuelve contra él con la intención de eliminarlo... Ante esta afrenta, Ghost Dog considera que su código personal ha sido traicionado y decide contraatacar y poner en práctica su propio plan siguiendo el recto, leal y siempre fatal camino de los samuráis…


Sé que la historia de esta película así de primeras es muy estrafalaria, pero en realidad tiene mucho trasfondo… Que nadie la interprete como una simple película de mafiosos italianos o de gángsters negros porque va más allá: En este film se pone de manifiesto la lucha y la fricción que se genera entre la tradición y la modernidad; cómo valores ancestrales como la fidelidad, la entrega o el respeto se van perdiendo, corrompiendo y ya no tienen peso ninguno en nuestra sociedad; y cómo los hombres, apesadumbrados, padecen y sufren este desmoronamiento, casi sin poder evitarlo...
Y es que como bien dice Ghost Dog en una de las secuencias: "el mundo parece estar cambiando a nuestro alrededor".

No voy a engañar a nadie: el ritmo de narración es pausado (casi como al modo de las películas clásicas japonesas a las que rinde tributo) pero a la vez muy fluído y no se hace nada pesada o aburrida. A lo largo del desarrollo, la historia se va salpicando con escenas de acción bastante finas y estilizadas, con diálogos tanto cargados de humor fino (el trío de jefes mafiosos que están como una cabra) como de fuerte carga reflexiva (la discusión de Ghost Dog con los cazadores), y con algunos momentos que aunque sencillos, son ejemplos de una belleza, encanto y plasticidad increíble (la paloma muerta a los pies de Ghost Dog, los vuelos sobre la zona industrial de New Jersey, la vida nocturna callejera, el pájarillo de la mira telescópica…)


La Banda Sonora es otro puntazo: al contrario de lo que ocurre en muchas otras BSO que son una simple recopilación de canciones ya grabadas con anterioridad, en este caso contamos con dos opciones: unas composiciones realizadas por RZA (un productor de lo más personal que se pueda encontrar uno en esto del Hip-Hop y miembro de los legendarios Wu Tan Clan) más un conjunto de canciones de Rap en algunos casos creadas por artistas como Jeru The Damaja y Afu Ra de forma expresa para la película...
Lo que me gusta destacar de ella es esa capacidad que tiene para sumergirnos en las oscuras y frías calles de New Jersey y a la vez hacernos sentir ese ambiente místico más propio de Oriente. Quien no me crea, ahí tiene este temazo de RZA titulado "Samurai Showdown":



Y no podía dejarme ésta... Una de las canciones de Hip-Hop más sombría, hipnótica, paranoide y casi hasta fantasmagórica que he escuchado en mi vida, "East New York Stamp":



En fin... que si sois un poco inquietos, queréis ver algo distinto y con un resultado final a mi parecer bastante atractivo y que deja poso, ésta es vuestra película:

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Programa Especial Bandas Sonoras de Cine y Televisión:



Yo no me lo perdería, vamos a hablar y escuchar cosas de películas y series como...

ONCE:


ANATOMÍA DE GREY:


GHOST DOG:


INTO THE WILD:


Y muchas otras más.

¡Ah! Y esperamos tus comentarios:
- ¿Cuales son tus BSO preferidas, esas que escuchas más que ves la película?
- ¿Cuáles te han parecido tan malas que casi se cargan la película?
- Recomiéndamos tus BSO favoritas.

¡Ya saben! Este lunes 14 a las 6 de la tarde en www.ruah.es/online.

lunes, 7 de noviembre de 2011

Sungrazer - Stoner Rock:

Bueno, bueno, bueno… como buscar rarezas sobre cantautores chilenos es una tarea harto complicada y sinceramente, aquí hemos venido a pasarlo bien, hoy he preferido dar un volantazo, cambiar de rumbo y hablar en su lugar de un grupo que tuve el placer de ver la semana pasada en Madrid…


Pues bien, el grupo en cuestión se llama Sungrazer, son tresholandesestres: bajo, batería y guitarra (para qué más) y son dignos representantes del sonido Stoner Rock más clásico, potente y a la vez envolvente que se pueda escuchar ahora mismo en toda Europa.

Este “power-trio”, como iba diciendo, decidió fijar en la Capital del Reino el lugar ideal para cerrar junto a los alemanes teloneros Grandloom su gira otoñal europea 2011, y como resulta que últimamente estoy muy andariego y tenía ganas de ver por primera vez a un grupo de este estilo, no quise perdérmelo.

El concierto tuvo lugar en un club cerca de Callao llamado El Perro De La Parte De Atrás Del Coche. Allí, la gente de Sungrazer nos ofreció un breve pero intenso repaso de su todavía corta carrera discográfica, que para los interesados que nos estén escuchando en este momento os cuento que consta únicamente de dos discos: 'Sungrazer' del 2009 y 'Mirador' de este mismo añito.
Yo de vosotros les echaría un vistazo…



En fin, que la escucha de estos holandeses errantes está toootalmente recomendada. Os dejo ya con uno de los temas de Sungrazer más solicitados por el público asistente: "Common Believer":

lunes, 31 de octubre de 2011

Hypnos 69 : Rareza Musical del programa nº 69 Especial U2.


Bien, bien, bien... Aprovechando que estamos hoy en la edición número 69 del programa y que quiero darme un homenaje sónico ¿Qué os parece si aprovecho este momento del Rarezas Musicales para hablar de una banda actual de belgas melenudos, con pantalones de campana y que hace un Rock del de antes pero en pleno siglo XXI?

Por cierto, el grupazo que vamos a tratar en cuestión se llama Hypnos 69.

Muchos se preguntarán que a qué me refiero cuando digo eso de: "Rock del de antes"... Pues bien, me refiero a aquél sonido tan propio y característico de las bandas sicodélicas, de Rock Duro y de Progresivo que pululaban por los escenarios en los años 60 y 70, a esa versatilidad, a ese dominio para abarcar amplios y diversos paisajes sonoros.

Algunos de estos paisajes se caracterizan por ser terrenales, duros, ásperos… y son descritos a base de salvajes riffs de guitarra y de incontrolables y pesados ritmos… Pero el registro musical de Hypnos 69 va un poco más allá, ya que los belgas también son capaces de recrear agradables, apacibles y ensoñadores ambientes espaciales a través del empleo de teclados y melodías increíbles…
Y es que estos chicos van sobrados de recursos.

Podría citar muchos referentes en la música de Hypnos 69, pero es mejor que seais vosotros, los oyentes, quienes vayan saboreando y desgranando, poco a poco, las cualidades de esta banda...

Ahí os dejo con Hypnos 69 y la canción "The Eclectic Measure"...

lunes, 24 de octubre de 2011

Gong: una de esas Rarezas Musicales...

Las barreras entre el Flamenco más ortodoxo y el siempre innovador Rock han sido franqueadas e incluso derribadas más veces de las que nos podamos imaginar... Y Camarón de la Isla (nos duela o no reconocerlo) no fue ni el primero ni el único en dar ese paso adelante.
Y es que la galería de hombres ilustres está repleta: el maestro de la guitarra española Sabicas, la leyenda de Triana, los geniales Smash, Alameda,... Pues bien, todos estos grupos y algunos más que ahora se nos escapan son en realidad gracias a la valía, experimentación y atrevimiento del que hacían gala los responsables del enorme desarrollo musical que vivió España a finales de la década de los 60 y a lo largo de los 70. Es algo que conviene recordad...

Debido a esta diversidad de nombres, nos dejamos de retahílas y vamos a centrarnos, ahora mismo, en uno de los pocos grupos que fueron de verdad básicos en esto del hermanamiento que se dio entre el mundo flamenco y los sonidos “Yankees”que venían del otro lado del Atlántico...
Vamos a hablar de Gong.

Con una efímera existencia (sólo llegaron a grabar dos singles) e integrada por futuros miembros de grupos como Triana, Alameda y Guadalquivir, la banda Gong tiene el mérito de haber sido la pionera a la hora de crear unas directrices, de abrir una senda y de servir de chispa y acicate a una serie de grupos, (a un movimiento o género en realidad), que después se vendría a llamar Rock Andaluz. Así quedará en los libros y en la Historia.

Gong: gente audaz, intrépida y valiente que en esa España todavía gris y apagada se dedicó a poner luz y color en la vida de nuestros padres través de irreverentes canciones en las que alternaban palmas y jaleos con clásicos del Blues para el asombro, pasmo y desconcierto de la audiencia y cómo no, de las autoridades...

Ahi os dejamos con la versión que estos tipos realizaron en 1971 del tema compuesto originalmente por el bluesman americano Leadbelly titulado "There´s A Man Going Round", aquí rebautizado como "Hay Un Hombre Dando Vueltas".

Flipen con esta maravilla:

Los guitarristas de Camarón de la Isla:


Hoy vamos a hablar de la historia de esos guitarristas que siempre acompañaron a Camarón en todas sus canciones, nos centramos en Paco de Lucia y Tomatito.

Ambos son guitarristas excepcionales, son dos figuras imprescindibles en el mundo del Flamenco y la guitarra y, desde luego, han marcado una época en el desarrollo del instrumento.

En 1947 nació Paco de Lucía en el seno de una familia de músicos. Su hermano Pepe es cantaor profesional y su otro hermano es guitarrista y fue el primer profesor de Paco.

El guitarrista ha mamado de dos de los grandes del Flamenco, Niño Ricardo y Sabicas, que fue el que dio a conocer a la guitarra como instrumento de concierto. Aun así, la guitarra y el flamenco necesitaban un empuje, algo que llevase a esta música a terrenos internacionales y es en esto donde Paco de Lucía destaca principalmente.

Es un virtuoso de la guitarra pero nunca se pierde en detalles técnicos para poder imprimir el sentimiento necesario en todas sus obras. Tenemos claros ejemplos de esto en la famosa “Entre dos aguas”, “La Barrosa” o “Río Ancho”.

En su carrera se ha topado con artistas de todo tipo y ha hecho colaboraciones con músicos de la talla de Al di Meola o John McLaughlin. Además jugó un papel fundamental en la introducción del cajón peruano como instrumento de percusión para el Flamenco.

Pasemos ahora a hablar de Tomatito. Nació en 1958 en Almería y como Lucía es uno de los más reconocidos guitarristas del panorama Flamenco español y mundial. Ha tocado con muchos de los grandes de la música como por ejemplo con Frank Sinatra, Elton John o Chick Corea.

En el sonido de Tomatito destaca muchísimas cosas pero una en particular, ha sabido fusionar a la perfección la música Jazz con el Flamenco de base. De esta fusión nacieron dos de los discos que sin duda alguna, son piezas fundamentales del Jazz-Fusión contemporáneo: ‘Spain’ y ‘Spain Again’. Junto a Michel Camilo, dan una vuelta de tuerca al concepto de guitarra flamenca y realizan algunas versiones de clásicos compuestos por artistas como Chick Corea.

El guitarrista confiesa haber recibido influencias de artistas como Pat Metheny o Django Reinhardt en el Jazz o B.B King y Eric Clapton en el Blues y el Rock.

Son dos guitarristas excepcionales que supieron compensar melódicamente ese gran talento que el maestro Camarón derrochaba por todos sus poros.


Por Santi Elipe.

lunes, 17 de octubre de 2011

Kyoto: Lo Que Vuelve Para Vengarse


Aprovechando que hoy hablábamos de Héroes del Silencio, me he parado un momento a contar los grandes artistas y bandas que han salido de Zaragoza y lo cierto es que la calidad y diversidad de las propuestas es abrumadora… ¿Decimos algunos nombres?
Labordeta como maestro cantautor, Carmen Paris en la respetuosa e interesante revisión musical de la tradición popular de la Jota, Manolo Kabezabolo en el mundillo del Punk, Violadores del Verso como reyes del Rap, el Niño Gusano dominando el Indie y Amaral encabezando el Pop con mayúsculas… ¿No está mal la lista verdad?

Pues ahí no queda la cosa. Por lo que parece, la escena musical maña sigue todavía bien viva... Con buenos representantes como por ejemplo esta gente que os traigo hoy: Kyoto. Una banda que lleva desde finales de 2006 realizando una curiosa mezcla de sonidos tales como el Space-Rock, el Shoegaze y el Hardcore... Todo ello englobado y metido, cuidadosamente, en ese maravilloso cajón de sastre que es el Post-Rock.

Pero bueno, divagaciones estilísticas y etimológicas al margen, lo que está claro es que en la música de este trío zaragozano formado por Iván Fanlo e Isaac Moreira al bajo y batería, y por Alicia Puebla a los teclados y las voces, podemos destacar 3 puntos básicos:
El primero: la experimentación y complejidad con que van construyendo paso a paso su discurso musical, conectando en cierta manera con las maneras del Rock Progresivo (aunque sin llegar a los niveles de complejidad que tenían clásicos como Yes o King Crimson).
El segundo: la oscuridad y el misterio con que tiñen de lúgubre todas sus historias, llegando en algunos momentos por ejemplo, a revivir el ambiente siniestro y opresivo de bandas referentes del género como The Cure o Suicide.
Y tercero: una elegancia interior que acaba sobresaliendo y brillando por encima de toda esa apariencia externa tan sombría y opaca de la que hablamos antes...

A día de hoy, en la discografía autoeditada de Kyoto destacan 2 EP´s que son: 'Cuatro Finales Alternativos' de 2007 y 'Tan Solo la muerte es definitiva' de 2008, más un miniCD que se titula 'Lo que vuelve para vengarse' de 2010. Todos estos trabajos se encuentran disponibles para su descarga gratuíta en Bandcamp (aunque una cosa os digo: como siempre y si se puede, es preferible ir a sus conciertos y comprar allí estos discos, que son ediciones limitadas realizadas con un soberbio cuidado material y gráfico. Es lo que creo, vamos…)

Y para que veáis de lo que son capaces los Kyoto, ahí os dejo con una sugerente y enigmática pieza presente en su último miniCD titulada “La Última Noche De La Máquina Del Tiempo”:



¡Que os guste!

martes, 11 de octubre de 2011

Curiosidades Musicales:


- Rihanna vetada en un trigal por corer en bikini.
Según se ha filtrado a la prensa, Rihanna fue expulsada de un campo de trigo de Irlanda del Norte donde grababa un videoclip de los suyos, de esos subiditos, subiditos...
Al parecer, el campesino, que alquiló sus tierras por teléfono, no sabía quién era la chica que iba por ahí trotando semidesnuda y, al verla, se acercó a ella y la echó del terreno.
"No iba vestida de la manera apropiada. Es mi tierra y tengo una ética" declaró el hombre.

Y es que afortunadamente todavía quedan personas con sentido del decoro y de la buena música.

- En palabras de la sapientísima Shakira: "A veces se nos olvida que la felicidad puede estar en dejarse ir y equivocarse... Yo, con el tiempo, me he vuelto mucho más flexible".

Pues bien, tras analizar detenidamente todo esto, he podido obtener dos conclusiones:
la 1ª, que Shakira reflexiona igual que canta, es decir, de forma ininteligible y
la 2ª, que Piqué estará muy contento por la elasticidad de la chiquilla...

- En "I´m Ozzy (Confieso Que He Bebido)", las memorias escritas del padrino del Heavy Metal Ozzy Osbourne, éste nos avisa que sus recuerdos puede estar 'algo distorsionados' de una forma muy peculiar:
"Durante los últimos cuarenta años he ido ciego de alcohol, heroína, coca, ácido, quaaludes, pegamento, klonopin, vicodin, rohypnol y otras muchas sustancias... No soy la puta enciclopedia británica, así que lo que vais a leer es lo que goteó de la gelatina que tengo por cerebro cuando le pregunté por la historia de mi vida".

¡Esto es un libro didáctico, sí señor!
Sobre todo para un estudiante de farmacia.

- "Los Ramones siempre le echan unas gotas de pis a todo lo que ofrecen a sus invitados, como una broma".

Dee Dee Ramone, partirte las piernas es poco muchacho.

- "El Punk supuestamente es algo feo... Y yo soy refeo... Así que debo ser repunk".

Ricky Espinosa, un pensador.

martes, 4 de octubre de 2011

Madeon:

Desde el blog de Los Sultanes del Swing de mi corazón, agradezco formalmente a mi amigo Nacho Amelivia la música que me ha pasado este verano. La verdad que de lo que él me ha pasado es básicamente todo bueno, pero he traído música electrónica.

Una música electrónica menos ácida que pop. Os traigo a MADEON, que puede que os suene porque ha pegado bastante bien este verano.

Detrás del nombre Madeon se esconde un joven de 17 años salido de las calles de la bonita ciudad de Nantes, Francia.

Por ahora se está dedicando a hacer alguna canción original y algunos remixes de canciones de artistas como la gran Yelle, o The Killers, dándoles un aire más electrónico y con mucho acierto, en un rollo muy bailable y con claras influencias de Daft Punk. Podéis escuchar y descargar parte de su trabajo en su facebook: http://www.facebook.com/itsmadeon

Pero si tenemos que hablar de su gran obra hasta ahora tenemos que hablar de Pop Culture. Un mashup de 39 canciones mezcladas con maestria en una Novation Launchpad.

Os dejo con esta maravilla, salida de unas manos de 17 años. Pop Culture de Madeon.

lunes, 3 de octubre de 2011

Especial Funk: Curtis Mayfield / Dreams / "Try Me":


Hoy, como estamos así muy "funkis" os traigo a los americanos Dreams: una de esas bandas y discos desconocidos que no te suenan de nada pero que te compras casi sin querer, así porque sí (en este caso fue por la portada que recordaba y se basaba en una obra del pintor belga Magritte) y que luego encima te das cuenta que no paras de escucharlo una y otra vez... En mi caso me lo escuché sin parar y seguidamente unas 9 veces...

Pues bien, vamos allá entonces con Dreams: una auténtica maravilla que quería compartir con todos vosotros.

Si hacemos un poquito de historia podemos resumir y ver que los años 60 fueron el territorio del Rock Sicodélico y que en los 80 triunfó la música Disco… Pero… ¿Y en los 70? ¿Qué hubo en los 70?... Pues en el fértil y creativo período de los 70 surgieron, se consolidaron y dominaron la escena musical el Rock Progresivo, el Punk y el sonido que hoy nos tiene tan entretenidos: el contagioso Funk.

Al igual que hicieron otras bandas del momento como Blood Sweat and Tears o Chicago (antes de que estos se volvieran unos poperos blandengues), la gente de Dreams se atrevió a fusionar el Jazz-Rock que tiempo atrás ideó Miles Davies con el sentimiento del Soul y la energía rítmica del Funk, creando con todos estos elementos un sonido perfecto y lo que es más importante: disfrutable al máximo.

Si podéis, conseguid la obra de esta banda, que consta únicamente de dos álbumes: el homónimo 'Dreams' de 1970 e 'Imagine My Surprise' de 1971, ambos lanzados bajo la protección de Columbia Records.

Y ya para despedirnos, vamos allá con una pieza de visceral, ácido y poderoso Funk titulado “Try Me”. En este corte el protagonismo lo acapara principalmente la sección rítmica, liderada desde las posiciones de retaguardia en la batería por el prestigioso, contundente e infatigable Billy Cobham. Casi nadie al aparato…

Recuerden: Dreams, 1970, "Try Me”, puro músculo:

viernes, 30 de septiembre de 2011

Este lunes... ¡¡¡CURTIS MAYFIELD!!!


Y en el momento Debate puedes comentar y aportarnos tus propias ideas:

-¿Qué opinas sobre el estado de la música negra actual?

-¿Crees que está en buenas condiciones o que se encuentra en un momento de crisis de creatividad y estancamiento?

-¿Qué es lo que te llamó la atención de este tipo de sonido?

-¿Cuáles son tus artistas y discos favoritos del Soul y el Funk?

Todo eso y mucho más el lunes 3 a las 6 de la tarde en www.ruah.es y en la 107.4 de tu FM si te encuentras en Alcalá de Henares.

¡Nos oímos!

martes, 27 de septiembre de 2011

Nina Zilli:


El prototipo de italiana. Morena. Con raza. De esas que no se sabría decir por qué, pero que tienen esa clase o estilo, ese algo que las hace realmente atractivas…

Conocí la música de Nina este mismo verano a través del “No Son Horas”, un gran programa de Onda Cero llevado por el simpar José Luis Salas, en una de esas madrugadas tan calurosas en las que no se puede pegar ojo y en las que no queda otra que pasar el rato escuchando la radio…
Pues bien, me encontré con ella. Una mujer que no es nueva en esto de la música: de formación musical clásica desde bien pequeñita ejercitando canto lírico y piano, pasó su infancia en Irlanda y parte de su juventud en Estados Unidos, sitios que marcaron profundamente a Nina y que propiciaron en ella el desarrollo de unas miras musicales mucho más amplias. Allí por ejemplo es donde adquirió el gusto por la música negra (el Rythm and Blues y el sonido Soul de la legendaria Motown) por el Reggae y Ska procedente del Caribe, y cómo no podía ser de otra forma vía familiar, por la música italiana ligera y romántica de los años 50 y 60.

Ya a su regreso en Italia y tras diversos vaivenes musicales, al final acabó firmando en 2009 con una gran discográfica como es la Universal, para un año después publicar el que es su primer álbum grande, titulado ‘Sempre Lontano’.

Parte de la crítica considera que Nina Zilli forma parte de la cada vez más numerosa lista de sucesoras e imitadoras de la recientemente fallecida Amy Winehouse pero creo, personalmente, que esas voces están equivocadas ya que los puntos de partida de una y otra artista se sitúan en dos polos bien opuestos: en Amy, heredera de la oscura, desapacible y neblinosa Londres predominó un sentimiento trágico de la vida y de la música (que la ha llevado donde todos conocemos), mientras que en Nina ha triunfado y triunfa una concepción vital más luminosa y brillante procedente del Mediterráneo y del Festival de San Remo.

No hay muchos más nexos que el de la música negra. Punto.

El sencillo “50 Mille” ha sido hasta ahora sin lugar a dudas el éxito más reconocido de Nina, pero mi favorita del verano de lejos, la clásica y vibrante “L´Uomo Che Amava Le Donne” :

domingo, 25 de septiembre de 2011

Lo Mejor y lo Peor de este Verano:



Este Lunes 26 regresan Los Sultanes con un Especial que resume y recopila las distintas experiencias sonoras que hemos tenido a lo largo del verano...

Pero vuestra opinión también es importante:
- ¿Con qué banda, artista o canción has disfrutado en tus vacaciones?
- ¿Con qué atrocidad musical has tenido que salir corriendo de un bar o una terracita?
- ¿Cuáles son tus recomendaciones?

Ya saben: el lunes 26 a las 6 de la tarde en www.ruah.es

jueves, 30 de junio de 2011

Curiosidades Musicales:


- "Sí, quiero ser famoso; y no, no quiero cumplir 30 años..." Como todo el mundo sabe, Brian Jones (el cabecilla de los primeros Rolling Stones) no faltó a su palabra ¡Cómo un señor!

- "La guitarra está bien como hobby, John, pero nunca te ganarás la vida con ells..."
Pues este fue el sabio consejo que tía Mimi le dio a su joven sobrino, un tal John Lennon que años después según parece, sí llegó a ganarse la vida con su guitarra.

- El lema de Gene Simmons, bajista de Kiss es: "Detrás de todo gran hombre hay una gran mujer, y detrás de esa gran mujer estoy yo..." ¡Qué crack!

- Todos recordamos los dulces silbidos de la canción de Otis Redding "Sittin´ On The Dock Of The Bay" ¿verdad? Pues bien, según ha revelado el conservador del Museo Staxx de Música Soul, Nashid Munyan, Otis consideraba que la canción estaba en fase de gestación, todavía inacabada, y que los silbidos que todos hemos canturreado tenían únicamente la función de servir de melodía sobre la que posteriormente situar la letra final.

El hecho es que otis falleció en accidente aéreo antes de completar esta canción, que acabó siendo incluída en su álbum póstumo y convertida en un verdadero clásico del Soul.
Un ejemplo de que la belleza y perfección existen en la sencillez, en lo esponáneo.

- Si te quieres convertir en una estrella del Rock, piensa en verde y preocúpate por el Planeta Tierra...
No, no estamos locos, lo únicoq ue tienes que hacer al igual que Neil Young con su disco "Fork In The Road" es cambiar el contaminante motor de un viejo coche por uno de energías renovables limpias, iniciar un viaje por las carreteras de la América más profunda, y así obtener nuevas ideas con las que componer geniales canciones.
Si al canadiense le ha ido bien ¿Por qué no a vosotros?

- "Un hombre es arrestado por conducir borracho y le echa la culpa a Ozzy Osbourne".

El 24 de diciembre de 2010 William Liston, de 33 años. fue arrestado en Cleveland por conducir borracho no, borrachísimo. Ya en comisaría a la hora de declarar, los agentes de policía vieron que William tenía serias dificultades para sostenerse en pie y expresarse, pero aún así tuvo los santos cataplines de declarar que fueron las canciones de Ozzy las que le obligaron a conducir bajo los efectos del alcohol...
¡Qué facil es echarle la culpa al bueno de Ozzy!.

martes, 28 de junio de 2011

De-Phazz:


Lo que traemos a continuación es una pequeña parte del trabajo perteneciente a De-Phazz, un proyecto alemán de Nu-Jazz que en realidad y para hacerlo todo más gráfico, los podríamos comparar con una especie de coctelera gigante donde se mezclan y agitan elementos de raíz negra como lo son el Soul y el Funk, esas ganas de pista de baile procedentes del Disco y del Break Beat, la clase y estilo del Jazz, la suavidad del Easylistening, unas cuantas elegantes pinceladas latinas y más cosillas… Siempre con la única y sana intención de obtener una música que hace las veces de cocktail bien fresquito, ideal en estos tiempos veraniegos que tanto nos achicharran el cuerpo...

Aunque todos los miembros de este grupo tienen un pasado más amplio, De-Phazz surgió como tal en 1997 con el álbum 'Detunized Gravity', un trabajo que era definido por la propia banda como "una variada mezcla de sensibilidades, así como de maravillosos collages electrónicos".

Pero lo cierto es que por muy meritorio que fuera este debut discográfico, la gente de De-Phazz no alcanzó cierto reconocimiento hasta la llegada a las tiendas de 'Godsdog': un disco publicado en 1999 que seguía de forma inteligente la misma línea ya trazada en 'Detunized Gravity', pero esta vez con una diferencia clave y bastante positiva: el trabajo ahora contenía entre otras piezas interesantes un tema que se acabaría por convertir en un verdadero hit. Estamos hablando de "Mambo Craze".
Quizá a muchos este nombre no les suene así de primeras, pero en cuanto le demos al play seguro que os acudirá su sonido inmediatamente a la cabeza, ya que fue empleado abundantemente en todos lados: sintonías de radio, anuncios de televisión, películas... ¡En todos lados!

Hagamos la prueba: Ahí os dejamos con De-Phazz y su gran éxito "Mambo Craze":



PD: La semana que viene vendré con otra rareza latina oculta:)

martes, 21 de junio de 2011

Siempre hay una música más a conocer: La Champeta Criolla

Si nos hemos estado paseando por Méjico de la mano de Santana y por la República Dominicana con Juan Luis Guerra, ahora en el Rarezas Musicales vamos a hacer un pequeño paréntesis para coger un vuelo, saltar de nuevo al continente americano, y visitar un gran país: Colombia.

Tras estar una semana rastreando pistas, por fin me he dado cuenta de la increíble riqueza musical que atesora suramérica. Una riqueza que refleja a la perfección la diversidad y la fusión de razas, pueblos y culturas que ha dado lugar, en el caso que nos atañe, a la actual sociedad colombiana.

Cada región del país tiene sus propios rasgos... Pero como hay que acotar, nosotros nos vamos a detener en la región del Caribe y de la Costa Atlántica, que es, tal y como indica la Historia, la zona que recibió y canalizó con más fuerza que ninguna otra las influencias derivadas que recibieron por parte de la población indígena autóctona, los españoles y los negros africanos.

Por tanto, hablar de esta zona de Colombia es hablar directamente de mestizaje.

Podríamos discutr las consecuencias tanto positivas como negativas que surgieron tras la irrupción española en América, pero comoe ste es un espacio eminentemente musical y no queremos enfrascarnos en discusiones bizantinas, será mejor que hablemos de una cosita conocida como... ¡La Champeta!

La Champeta Criolla es uno de los numerosos estilos autóctonos de esta zona atlántica y caribeña que se toca y baila en los barrios de Cartagena de Indias, Palenque de San Basilio y Barranquilla -ciudades en las que el aporte de población descendiente de africanso es muy numeroso-. Por todo esto, la relación de la Champeta Criolla con las raíces musicales africanas y con otros géneros como el Soukous -o Rumba- y la Makossa se aprecia bastante bien en esos desarrollos rítmicos constantes e intensos y cómo no, en esos cánticos tribales...

Una de las mayores instituciones en esto de los sonidos colombianos tropicales de clara raigambre negra es el guitarrista, cantante y compositor Abelardo Carbonó, toda una leyenda de la Champeta Criolla con el que nos despedimos por hoy.

Ahí os dejamos con Abelardo Carbonó Y Su Conjunto interpretando la canción "Palenque":

sábado, 11 de junio de 2011

martes, 7 de junio de 2011

The Stone Facade - La Fachada de Piedra:


The Stone Facade o La Fachada De Piedra es el curioso nombre de una banda mejicana formada en Guadalajara-Jalisco en 1968 si no me equivoco por Miguel Ochoa y Mark Havey a las guitarras, Tony Baker a la voz, Tomás Yoakum a la batería y Tomás Parra al bajo eléctrico.

Antes de que sigáis leyendo, os tengo que contar que va a ser complicado que pueda volver a traer un grupo tan raro como este... Y ahí va el porqué:
La Historia nos dice que siguiendo la dinámica de producción musical habitual de la época, y antes de pensar en grabar un LP completo, nuestros amigos mejicanos publicaron dos EP´s: el primero en 1971 titulado 'Fachada de Piedra en Avándaro', y el segundo que era homónimo, apenas un año después en el 72.
Y ahí quedó la cosa. No hay más. Se acabó. La banda no volvió a grabar un solo disco hasta ya bien entrada la década de los 90, quedando hasta entonces sumida en el más profundo de los silencios...

Parece como si hubieran caído en el oscuro Triángulo de las Bermudas... Pero es curiosamente este vacío y esta ausencia de material lo que hizo que La Fachada de Piedra entrara, directamente, a formar parte de la leyenda roquera de Méjico y de todos los amantes de las singularidades musicales.





Pero como siempre, lo bueno es que con la llegada de las nuevas tecnologías y del gran trabajo de algunas discográficas especializadas en este tipo de material, hoy podemos volver a disfrutar del sonido de esta banda mejicana como nunca antes se nos hubiera pasado por la cabeza.

Si buscáis por vuestras tiendas de confianza o por Internet, os encontraréis con un disco que recopila esos dos EP´s más un buen puñado de canciones en directo fechadas en el 74 que nos revelan a una banda que tenía puesta toda su atención en las movidas musicales que estaban fraguando sus vecinos de más allá de la frontera del norte... Y cuando hablamos de vecinos nos referimos a agitadores como Canned Heat y Mountain, grupos todos ellos que tenían en el Blues, la Psicodelia y el Rock los elementos básicos de su discurso.

Por lo tanto, si lo vuestro son los sonidos arenosos del Blues, la potencia del Rock, el ritmo compacto, espeso y las guitarras afiladas, La Fachada de Piedra y su canción "Roaming" os van a hacer pasar unos tres minutos bastante agradables:

viernes, 3 de junio de 2011

miércoles, 1 de junio de 2011

viernes, 27 de mayo de 2011

Rarezas Musicales Programa Rage Against The Machine - SX10:


Muchos son los caminos que fueron a parar a lo que hoy llamamos Rap-Metal: Unos partieron de bandas de Metal y Rock como fue la colaboración de Anthrax en el 87 con el grupo de rap U.T.F.O en la canción "Lethal" o con Public Enemy en el 91 con el más célebre "Bring The Noise". Un título seminal que sirvió para prender la mecha de algo grande, porque de ahí en adelante hubo un auténtico boom de cientos de agrupaciones que empezaron a tocar rapmetal. Un subgénero luego renombrado de múltiples formas: Rapcore, Rap-Rock o Nu-Metal y que contó con bandas como Biohazard, Korn o los protagonistas de hoy: Rage Against The Machine.



Pero los primeros intentos de verdad vinieron por parte de grupos y artistas procedentes del Rap. Entre ellos por ejemplo los inclasificables Beastie Boys, o los pioneros Run DMC con la canción "Rock Box" del 84 y la conocidísima recreación del "Walk This Way" con la participación de Aerosmith dos años después -y de la que ahora reniegan y huyen como si fuera la peste, aunque en su día se llevarán sus pelas...- ¡No ha llovido desde entonces!



Unos de estos maestros a la hora de conjugar la instrumentación del Rock con la actitud, ritmos y letras propias del Rap, son sin lugar a dudas los californianos Cypress Hill: una banda mítica que lleva activa sobre las tablas ni más ni menos que desde 1986, soltando concierto tras concierto y disco tras disco esa mezcla que sólo ellos saben hacer de oscuro Gangsta Rap de la costa oeste, rollo latino y esos guitarrazos más propios del Rock.

A lo largo de esta dilatada carrera es normal la aparición de momentos buenos y malos, así que os vamos a ayudar un poco y a recomendar la compra y escucha de sus 3 primeros discos más centrados en el Rap: "Cypress Hill" del 91, "Black Sunday" del 93, "Temples Of Boom" del 95, y también de su doble álbum del 2000 "Skull and Bones", un experimento que contaba con un primer disco repleto únicamente de Hip-Hop, y un segundo que mostraba esa mezcla de Rap y Metal que tantos halagos y críticas -por qué no decirlo-, ha recibido.

Por cierto, una de las canciones que están presentes en "Skull and Bones" es esto, "Valley of Chrome" :



Tras repasar brevemente el origen de esta banda tan representativa del Hip-Hop y del Rap-Metal, ahora nos vamos a detener un poco más en la figura de Senén Reyes, más conocido por el público como Sen Dog: MC y miembro fundador de Cypress Hill que en 1994 formó la banda SX-10 : un proyecto paralelo surgió con la idea de desarrollar una música distinta a la que venía haciendo con los Cypress y en la que la dureza del sonido metálico estuviera aún más presente y amplificada...

Lo cierto es que el 2000 fue un año muy productivo para Sen Dog, ya que también vio la luz el primer álbum de SX-10: "Mad Dod American". Un trabajo que en Europa apareció reeditado 4 años después con un nuevo diseño de portada y titulado como "Rhymes In The Chamber".
En él, Sen Dog y compañía nos presentaban 12 temas muy potentes y compactos que seguro que sabrán apreciar los amantes de estos sonidos híbridos.




Ahora os dejamos con... un poquito de... "Tequila" :

viernes, 20 de mayo de 2011

Moongardening Inc. nos visita este martes:


Como ya dice el titular, la gente de Moongardening Inc. nos acompañará en el estudio este martes día 24 a las 21:00h ¡en nuestra primera entrevista! para contarnos sus ideas, hablarnos de su último disco "A Sky Full Of Killer Whales" y mostrarnos esa música que llevan dentro.

Como siempre, ya saben dónde encontrarnos:
A través de la radio convencional en la 107.4 de tu FM
o mediante Internet en www.ruah.es

Más información en Facebook, www.myspace.com/moongardeninginc y http://www.moongardeninginc.bandcamp.com/


¡Sultanes somos todos!

miércoles, 11 de mayo de 2011

Phil Lynott

Philip Parris Lynott, bajista, cantante principal, compositor y líder de Thin Lizzy nació el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Inglaterra.
Hijo de un guyanés y una irlandesa. Vivió durante toda su infancia con su familia materna, primero con su madre en Moss Side, Manchester y luego con su abuela en Crumlin en Dublín, Irlanda. Y no conoció a su padre hasta finales de los 70. Esto es lo típico: Padre abandona a hijo, hijo se hace famoso, padre reaparece de la nada.

Como ya adelantamos el último programa, en los 60 Lynott empezó a cantar en diferentes bandas, hasta que alrededor del año 1969 formó junto a Brian Downey y Eric Bell, su gran banda Thin Lizzy.
Se ha especulado que su inspiración en Jimi Hendrix se debió a que Lynott, era mulato, pero dejando a un lado temas físicos banales lo cierto es que Jimi Hendrix es un músico digno de admiración y Lynott le escogió como guía en sus primeros pasos musicales.

Pero aunque Thin Lizzy fue su gran grupo, en 1980 Phil Lynott decidió comenzar una carrera en solitario, grabando el disco Solo in Soho, que alcanzó el Top 30 en las listas de venta del Reino Unido, y logró el éxito con dos canciones ese año, "Dear Miss Lonelyhearts" y "King's Call"। Esta última fue un tributo a Elvis Presley, y colaboró Mark Knopfler a la guitarra.

Su segundo disco en solitario fue un fracaso, pese a su canción "Old Town" que alcanzó el éxito años más tarde cuando la cantaron The Corrs.
En 1980, además se casó con Caroline Crowther, con la que tuvo dos hijas, Sarah y Cathleen.
En 1983, Thin Lizzy se disolvió oficialmente como grupo, y después Lynott grabó We Are The Boys (Who Make All The Noise) con Roy Wood, Chas Hodges y John Coghlan.
También colaboró con un viejo colega suyo, el gran guitarrista Gary Moore en la canción "Out in the Fields" que logró el puesto número 5 en el Reino Unido en 1985.

Pero último single sería "Nineteen", lanzado pocas semanas antes de su muerte.

Y aunque Lynott era una gran figura musical muchos nos preguntamos qué más hubiera podido dar de sí, pues sus últimos días los pasó entre drogas y alcohol, y la noche del 25 de diciembre de 1985, fue llevado al hospital tras sufrir una sobredosis de heroína.
Murió por fallo del corazón y neumonía el 4 de enero de 1986, a la edad de tan sólo 36 años.

Años más tarde, en 2005 una estatua de bronce a tamaño real de Phil Lynott fue destapada en Harry Street, Dublín.

A la ceremonia acudieron varios de sus colegas y su madre. Sus compañeros de Thin Lizzy le dedicaron un tributo con una actuación en directo. Además su sepulcro es visitado con frecuencia por su familia, amigos y fans.
Así que si vais por Dublín podéis pasaros a ver al bueno de Phil Lynott, pero si como nosotros estáis un poco lejos, no os preocupéis que Lynott nos dejó su mayor herencia, su música.

¡La RUAH y los Sultanes se suman a la RSD Alcalá!

¡Todos con el equipo de fútbol de Alcalá de Henares, fundado en 1929 y que milita en la Segunda División B del fútbol español!.
Este domingo 15 de mayo se juega el último partido de liga, y el Alcalá tiene en su mano clasificarse para la Copa del Rey.
Sólo le hace falta un empate para lograrlo...

¡Y tu presencia!


Por ser un momento tan decisivo, las entradas se han rebajado a 6 € (habitualmente valen 12€). todas con un RASCA Y GANA de premio seguro: entradas para el primer partido de la próxima liga valoradas en 12 €, vales por 2 entradas, invitaciones para media temporada e incluso para toooooda la próxima temporada entera,... ¡La casa por la ventana!

¡Si eres de Alcalá, eres del Alcalá!



¡Te esperamos!

martes, 10 de mayo de 2011

Thin Lizzy - "Night Life" - John Doe and the Sadies:


Que a Phil Lynnot le iba la estética y la temática de artistas Rock americanos como Bruce o Bob Seger todos lo sabemos ya gracias al programa de la semana pasada, pero que también le iba el Country... ¡Eso sí que me sorprendió!

A esta conclusión llegué la semana pasada cuando tras desempaquetar mi pedido mensual de música, ví que me habían encasquetado un disco que yo no había solicitado...
Pero como soy muy buena persona, decidí no cabrearme y dar una oportunidad al álbum "Country Club", editado por Houston Pary Records en 2009 y que según rezaba la portada era obra de John Doe And The Sadies.



Buscando información previa antes de escucharlo para ver a qué me enfrentaba, leí que "County Club" era el resultado del encuentro fortuíto en un bareto canadiense de un tal John Doe -líder de una banda californiana de Punk bastante reconocida en los 80 llamada X- y de un grupo de Country-Rocl Alternativo llamada The Sadies.
En palabras del propio John Doe: "Yo estaba tocando solo, les pedí que me acompañaran en el escenario y todo fue muy natural..."
Hasta ahí lo normal, la típica colaboración entre bandas y artistas que coinciden en un espacio cerrado con instrumentos cerca, pero lo bueno viene a continuación con un "Para el final del concierto ya estábamos un poco borrachos y surgió el tema de por qué no hacíamos un disco Country. Ellos dijeron que por supuesto y el CD es, simplemente, una promesa cumplida".

Y yo añadiría algo más, una promesa cumplida y muy positiva:
Country del bueno del de garito de carretera en la América más profunda, un sonido de lujo y un repertorio cuajado de clásicos del género entre los que se encuentra "Night Life" : Un tema que sonará a muchos por ser el nombre del disco y de la canción que Thin Lizzy publicó en 1974. Pues bien, resulta que en realidad esa "Night Life" es una recreación en clave Rock de una composición original perteneciente a Willie Nelson que apareció, por primera vez en 1965 y para la RCA, dentro del álbum "Country Willie: His Own Songs"... ¡Una tarde entera que me tiré para buscar los datos! ¡Estoy fatal de lo mío!


Ahí os dejamos con la inspiración americana de Phil Lynnot, con el punkarra metido a vaquero del salvaje oeste y con "Night Life" :

sábado, 7 de mayo de 2011

jueves, 5 de mayo de 2011

Thin Lizzy

No había duda.¿Quién dudaba?¿Quién? No podíamos acabar la temporada sin hablar de los magníficos Thin Lizzy. Una de las bandas de mi época favorita, llamadme purista si quereis, los 70.
Ese sonido auténtico que todos conoceis, aunque alguno piense que no. Si señor, los has oído seguro, en algún bar, seguro, seguro. Y si no, hoy lo vas a comprobar.

Dicen que Thin Lizzy tiene influencias de Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Cream… todos grupazos ya amigos de este sultanato, o incluso influencias de Van Morrison, próximamente sultanizado.

Phil Lynot, al que dedicaremos una sección enterita en la 2ª entrega de este especial Thin Lizzy, decidió en los 60, años que pasó en un instituto de Dublín, formar una banda. Pero aunque probó con muchas, no fue hasta 1969 cuando ya con su legendario bajo Fender Precision, conoció al guitarrista Eric Bell, quien había tocado con un buen puñado de bandas, como The Bluebeats, The Deltones, The Jaguars …Con Bell formaría un trío completado con su amigo Brian Downey a la batería. El nombre de Thin Lizzy fue propuesto por Bell.

El trio comenzó a girar por pequeños locales interprendo versiones de Jimi Hendrix, su principal influencia en estos inicios. Tras grabar el single “The Farmer” en Parlophone de noviembre de 1970, y tras un concierto, Frank Rogers de la Decca les hizo una oferta para que grabaran en sus estudios. En ese concierto el grupo estaba acompañando al cantante Ditch Cassidy, a quien el gran sello seguía los pasos.

Lo primero que publicó Thin Lizzy en Decca fue el single “Things Ain't Working Out Down On The Farm”. Más tarde aparecería su Lp debut, “Thin Lizzy” de 1971, un apreciable disco producido por Scott English. Este Lp está algo infravalorado y es algo más tranquilo, sensible y melódico que sus Lps más conocidos. Lo interesante de este Lp es la influencia tan clara de Jimi Hendrix y las mezclas de folk, blues y progresivos. Entre sus temas destacan “Clifton Grange Hotel”, “Dublin”, “Honesty is no excuse” o “Look what the wind blew in”.

... Proximamente más.

miércoles, 4 de mayo de 2011

Listado de Temas programa Thin Lizzy 1ª Parte:



1º "Philomena" - Thin Lizzy - Nightlife - Vertigo - 1974.

2º "Look What The Wind Blew In" - Thin Lizzy - Thin Lizzy - Deram - 1971.

3º "Sarah" - Thin Lizzy - Shades Of A Blue Orphanage - Deram - 1972.

4º "Dublin" - Thin Lizzy - Thin Lizzy - Deram - 1971.

5º "Black Boys On The Corner" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

6º "Jailbreak" - Thin Lizzy - Jailbreak - Vertigo - 1976.

7º "The Boys Are Back In Town" - Thin Lizzy - Jailbreak - Vertigo - 1976.

8º "Whisky In The Jar" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

9º "Still In Love With You" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

10º "Suicide" - Thin Lizzy - Fighting - Vertigo - 1975.

11º "Rosalie" - Thin Lizzy - Fighting - Vertigo - 1975.

12º "Little Girl In Bloom" - Thin Lizzy - Vagabonds Of The Western World - Deram -
1973.

13º "Hush" - Funky Junction - Funky Junction Play A Tribute To Deep Purple" - Stereo
Gold Award - 1972.

Ya que soy el que hace el listado, voy a darme el gustazo de poner la que es mi canción favorita de esta cacho de banda:



Un bajo palpitante, una batería perfecta, las guitarras de Eric en todo su esplendor, las letras distintas al resto... ¡Eran Thin Lizzy!

jueves, 28 de abril de 2011

Luigi Russolo: máquinas, imaginación, ruido... Futurismo:


Si en el programa dedicado a Aphex Twin íbamos de vanguardistas y experimentales, aquí en la sección de Rarezas no podíamos quedarnos atrás... ¡Teníamos que rizar el rizo! Por lo tanto, vamos a limpiar el polvo de nuestra máquina del tiempo, activar todas sus palancas y poner sus válvulas en marcha ¡porque vamos a viajar a la Italia de finales del siglo XIX y principios del XX!

En ese período tan revuelto y apasionante para la Historia, la Ciencia y la Cultura en general, aparecieron numerosos movimientos y corrientes de vanguardia que todos conocemos gracias a nuestros simpáticos profesores de literatura como los "ismos". Y concretamente sobre una de estas corrientes, el Futurismo, ¡es de lo que vamos a hablar un ratejo!

El Futurismo fue fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti e inaugurado a través de la redacción y firma el 24 de febrero de 1909 del Manifiesto Futurista. Éste surgió como un movimiento reaccionario que buscaba romper con la tradición, el pasado, y los convencionalismos de la Historia en su más amplia acepción. Para ello, Marinetti y compañía se dedicaron a ensalzar la vida contemporánea basándose en dos temas principales: la máquina y el movimiento. Temas que desarrollaron a su vez mediante ideas secundarias como la juventud, la revolución, la energía-la fuerza-la explosividad, lo mecánico...

De ahí la célebre máxima futurista: "Un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia".


Esto que suena es una pieza titulada “La Pioggia” que cuenta con el acompañamiento visual del proyecto vanguardista “Ballet Mécanique” -1924- de Fernand Leger y Dudley Murphy.

El futurismo abarcó numerosas disciplinas y entre ellas como es normal, estaba la Música. Aquí es donde entra en acción nuestro hombre: Luigi Russolo: un intelectual -algunos dicen que también ocultista-, pintor y músico trasalpino que se ha convertido, con el paso del tiempo y sin quererlo, en uno de los verdaderos precursores de la actual música electrónica y de vanguardia debido a su innovadora concepción musical.

Como teórico musical, Luigi publicó en 1916 "L´Arte Dei Rumore" o "El Arte de los Ruidos": la variante musical del manifiesto futurista. Una obra en la que podemos ver como el italiano ya se anticipaba y parecía adivinar el surgimiento de otros sonidos-ruidos que por entonces eran todavía inconcebibles, pero que pasado casi un siglo son tan habituales como la Vanguardia Contemporánea, la Música Experimental, el Ambient, o el Noise,…


Además, Luigi Russolo fue un gran inventor ya que todas sus teorías fueron llevadas a la realidad mediante máquinas y cachivaches como el russolófono, el arco enarmónico o el espectacular intonarumore. Instrumentos todos ellos que sirvieron de acicate, base y cimientos gracias a los cuales ha sido posible desarrollar la avanzada tecnología musical que disfrutamos hoy día...

Imágenes del intonarumori.


Y por el momento… poco más puedo decir, ya que todavía estoy leyendo e investigando por ahí sobre la vida y obra de este hombre...

Ahora os dejo con una pieza en la que Luigi a los mecanismos y su hermano Antonio al acompañamiento orquestal clásico, nos muestran una de esas propuestas que tanto asombraron al mundo. Eso sí, tengan en cuenta más su valor histórico y didáctico que el sonoro, ya que los años causan estragos sobre los soportes de grabación ¿de acuerdo?…
He aquí una evocadora y sugerente pieza datada aproximadamente en 1924 titulada… “Serenata per Intonarumori e Strumenti”: