viernes, 18 de junio de 2010

David Bowie. Del Plastic Soul a Berlín

Y continuando con la bio de este gran artista, comienzo hablando por su epoca mas soul. Dicha epoca comenzo de alguna forma, con la grabacion de su disco Young Americans, enfocado hacia un estilo de musica lejano del glam que venia haciendo. Este disco, pretendio ser una critica al modelo de vida estadounidense y contiene canciones como Fame co-escrita y grabada por John Lennon.


Este disco se mantuvo siempre en los primeros puestos de las listas de los discos mas vendidos y permitio llevar a su compositor a los platós y escenarios de alguno de los programas mas famosos de television.

Fue en Gran Bretaña donde logro el numero uno con su re-edicion de la cancion Space Oditty. Por aquellos tiempos Bowie sufria una gran adiccion a la cocaina lo que se reflejaba en su aspecto fisico y en la interpretacion de sus directos.

En 1976 edito su nuevo disco, Station to station,
este disco esta a medio camino entre la música soul y funk, y fue un poco la introduccion de algunos elementos como la experimentacion electronica que usaría en discos venideros. Su single, Golden Years, arraso en todas las pistas de baile convirtiendolo en un gran éxito. Fue gracias a este tipo de cosas por lo que obtuvo el mayor éxito en estados unidos desde su epoca glam anterior.


Realizo una gran gira de promocion del disco que recorrio medio mundo y despues, regreso a Europa para iniciar su epoca mas experimental.

El cansancio y el agotamiento producido por el éxito le llevo hasta Berlín en 1977, donde descubrio y siguio muy de cerca un estilo de musica que por aquel entonces era nuevo y emergente, el krautrock. Fue en esta ciudad donde compuso sus tres siguientes discos llamados popularmente "La Trilogía de Berlín".

El primero de ellos fue Low, editado en ese mismo año, y que fue un gran éxito tanto en Europa como Estados Unidos gracias a su single: Sound and Vision. En esta epoca y debido a la excesiva experimentacion de su musica, muchos fans se vieron desorientados y a su vez, se dieron algunos problemas con la discográfica y la crítica. Esto produjo un gran descenso en las ventas posteriores al disco.

Su siguiente trabajo fue Heroes, con el que intento volver al rock pero eso si, siempre desde una perspectiva experimental. Se destaca el single con el mismo nombre, basado en el muro de Berlin y además es curioso porque, en aquella epoca no fue un gran éxito de ventas, sin embargo ahora, es un clásico reconocido del artista.

Esta, no fue su mejor epoca, ya que había perdido una gran parte de sus fans, y esto se reflejaba en las ventas que, ya fueron reducidas en el disco Low, y cuyo perfil no cambiaría con la publicación de Heroes ni de su siguiente disco, Lodger, con canciones como Move on o Red Money.
Es cierto que no tuvieron un gran éxito, pero si funcionaron como eslafón fundamental entre lo que venía haciendo y el pop que desarrollaría años después.

Realizó una gira en el 78 presentando estos discos y con el objetivo de recuperar a algunos de esos fans que anteriormente dejaron de seguir su huella.

Aun así, llenó estadios y reportó al artista un disco doble grabado en directo llamado Stage.

Acabando la década de los 70, Bowie se había vuelto más un referente a imitar, con una gran influencia sobre nuevas bandas y artistas, que un músico super ventas; aunque esto cambiaría en los años siguientes en los que volvería a arrasar en las listas de éxitos. El sonido opaco y experimental de la llamada Trilogía de Berlín sería determinante para varias de las nuevas corrientes musicales que se estaban originando por esas fechas, como el rock gótico, el post punk, el synth pop, el new wave o el new romantic.

jueves, 17 de junio de 2010

David Bowie. De los inicios al Glam

David Bowie nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, un barrio de Londres, pero creció en el pueblo de Bromley, del condado de Kent, que actualmente ya es parte de Londres.


Si hablamos de David Bowie, antes que de su música es casi obligado hablar de sus ojos. Ya sabeis, uno de cada color. El hecho es que no es así del todo
El cantante tiene los dos ojos azules, sin embargo uno de ellos nos parece más oscuro porque tiene la pupila dilatada todo el tiempo. El origen es una pelea con su amigo George Underwood cuando tan sólo tenían 15 años. George le pegó un puñetazo a David llevando un anillo en la mano y le causó una herida que casi le dejó ciego de un ojo. De hecho desde entonces Bowie tiene problemas de visión que afectan a la profundidad y al color de las cosas.
Pero no hay mal que por bien no venga. Esta característica en sus ojos se convertiría en una de sus señas de identidad.

La carrera musical de Bowie comenzó en los 60 como saxofonista y vocalista de varios grupos de rhythm & blues. Con, The Manish Boys, llegó incluso a grabar un single.

Su primera grabación como solista fue el LP David Bowie, de 1967. Este disco, tenía influencias de los grupos pop y mod británicos, pero no tuvo mucho éxito en su época. Sin embargo, con el tiempo se le ha dado más importancia. Incluso el propio Bowie rescató algunas de esas canciones para el disco doble Bowie At The Beeb del año 2000.
Bowie tuvo que esperar 2 años hasta su gran éxito, en 1969 con la canción folk pop orquestada Major Tom a la que Bowie Space Oddity en honor a la película 2001: Odisea del Espacio. Este tema narra la historia de un astronauta perdido en el espacio, y con ella abriría y daría nombre a su segundo L.P, en el que se aproximaba a la música psicodélica, la corriente que dominaba en aquel momento


Además Space Oddity fue su primer disco producido por Tony Visconti y también contó con la participación de Rick Wakeman, teclista del grupo Yes.(otro gran grupo del que deberíamos hacer un programa compañeros)

Su tercer trabajo sería The Man Who Sold The World del 70, donde empezó a colaborar con el guitarrista Mick Ronson, al que algunos consideran uno de los mejores guitarristas de la historia del rock (luego veremos qué dice Santi). Mick Ronson se convierte en pieza esencial en el sonido de Bowie.
The Man Who Sold The World estaba muy influido por el hard rock de grupos como Led Zeppelin y no obtuvo tanta repercusión como el anterior. En 1993, Nirvana hizo una versión del tema The Man Who Sold The World, obteniendo un gran éxito en todo el mundo.

El siguiente disco de Bowie, cuarto, fue Hunky Dory en el 71, que incluía las canciones Changes y Life on Mars?, dos de sus grandes éxitos. Canciones que se dedican a sus admirados Bob Dylan y Andy Warhol.


Fue en esta época cuando Bowie comienza a jugar con la teatralidad y la ambigüedad sexual, características propias del glam rock. Se ha dicho que esta estética estuvo influid por Lindsay Kemp y Marc Bolan.

El éxito de masas para Bowie llegaría en 1972 con su siguiente elepé, cuarto, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un álbum sumamente conceptual en el que narra la historia de una estrella del rock venida de otro planeta, quien sabe, lo mismo es una autobiografía. El protagonista de esta historia es Ziggy Stardust. Este disco es un icono del glam rock, y está considerado como uno de los mejores y más influyentes en la historia del rock.



En esta época Bowie se convirtió en un icono y era prácticamente omnipresente en el pop, ya que colabora en muchos discos, entre los más importantes: produciendo Transformer de Lou Reed del que ya hablamos en el programa dedicado a Reed. Que es un discazo, para el que lo quiera escuchar. También produciendo: All The Young Dudes de Mott the Hoople -donde también toca el saxo- y mezclando Raw Power de Iggy & The Stooges.

Su vida privada también dio que hablar, ya que tanto él como su primera esposa, Angela Barnett, se declaraban abiertamente bisexuales.

En 1973 Bowie volvería transformarse en un nuevo personaje, Aladdin Sane, en el disco del mismo título, que le consolidó artista popular del momento.

El mismo año 73, haría un guiño a su pasado mod publicando Pin Ups, un disco de versiones de canciones de los 60 de artistas como Pink Floyd, The Rolling Stones, The Who o The Kinks

En el 74, lanza Diamond Dogs, ya sin Mick Ronson y The Spiders From Mars, un álbum inspirado en la novela 1984 de George Orwell cuya portada fue censurada en varios países.

martes, 15 de junio de 2010

The London Boys:

Todo el mundo conoce al David Bowie abducido por Ziggy Stardust: ese extraterrestre del glam más exuberante, pero ese chico de Londres tuvo un origen bien distinto...

Como bien han dicho mis compañeros, todo empezó en un verano de 1964, formando parte de noveles grupos de Rythm and Blues británico de mucho mérito y poco éxito, comoThe King Bees o Lower Third, bandas en las que Bowie, bien como solista vocal o como saxofonista, ya se nos aparecía interpretando canciones como Liza Jane o I Pitty the Fool...

Tras estar un par de años publicando singles y singles, de componer para otra gente, de no parar de hacer entrevistas y pruebas con discográficas, y de problemas legales al cuento de su nombre artístico,... por fin en 1966 pudo empezar a publicar con el nombre que le daría a conocer en todo el mundo: David Bowie. En este ano, como hemos dicho la Deram, discográfica subsidiaria de la todopoderosa Decca, le hizo un contrato...

El momento de dar el do de pecho había llegado:

Los tres años siguientes fueron un período de fértil creatividad: Bowie estaba en una bulliciosa fase de experimentación musical -como sería costumbre en décadas siguientes- y de su cabeza salían numerosos temas de gran calidad como Rubber Band -con esa producción tan británica en cuanto a los brillantes arreglos de viento-, la crepuscular y romántica When I Live My Dream, la brevísima Maid Of Bond Street con su logrado compás a modo de vals, o la extrana The Laughing Gnome, popera y pegadiza canción en la que Bowie habla con un nomo que en realidad es él mismo grabado a doble velocidad, una rayada mental en toda regla...

Pero vamos a quedarnos con la que es para mí una de sus mejores obras de esa época primigenia. Estamos hablando de The London Boys: una composición de tenue y melancólica belleza en la que Bowie a modo de gran observador, nos narra de forma gráfica la decadente escena Mod de Londres a través de la vida de un joven…

Ahí os dejamos con el primer Bowie y una de sus tantas y tantas obras maestras: The London Boys:

Listado de Temas Programa 32 Especial David Bowie:


1. Song For Bob Dylan - David Bowie - Hunky Dory - EMI - 1971.

2. Ziggy Stardust - David Bowie - The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars - EMI - 1972.

3. Diamond Dogs - David Bowie - Diamond Dogs - EMI - 1973.

4. Space Oddity - David Bowie - Space Oddity - EMI -1969.

5. Star - David Bowie - The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars - EMI - 1972.

6. Heroes - David Bowie - Heroes - EMI - 1977.

7. Rebel Rebel - David Bowie - Diamond Dogs - EMI - 1973.

8. Young Americans - David Bowie - Young Americans - EMI - 1974.

9. Life In Mars? - David Bowie - Hunky Dory - EMI - 1971.

10. Lizza Jane >/ Louie Louie Go Home - Davie Jones And The King Bees - DECCA - 1964.

11. The London Boys - David Bowie - Single: Rubber Band / The London Boys - DERAM - 1966.

domingo, 13 de junio de 2010

Las películas de Tina Turner

La gran Tina Turner hizo alarde de toda su energía no sólo en los escenarios, sino también en el mundo del cine.

Desde 1966 participó en documentales como The Big T.N.T. Show, donde aparecen otros artistas como Ray Charles y la banda The Byrds. En 1970 salió en It’s your thing, y en Gimme Shelter, un documental de los Hermanos Maysles y Charlotte Zwerin, que muestra gran parte del American Tour 1969 de The Rolling Stones. El nombre de la película proviene de la canción de este grupo "Gimme Shelter", publicada en el álbum Let It Bleed de 1969, y que aparece en el documental como versión en vivo, durante los créditos. Tina Turner aparece junto a su marido por aquel entonces, Ike, e interpretan en el Madison Square Garden la canción "I've Been Loving You Too Long".



En 1971 colabora, de nuevo junto a su marido, en la película Taking Off, dirigida por Milos Forman. La historia cuenta cómo una chica adolescente se escapa de casa, y sus padres comienzan a buscarla, pero en la búsqueda conocen los casos de otras familias en las mismas condiciones, y deciden disfrutar de la libertad que les acaban de regalar sus hijos fugados.

Ike y Tina comparten concierto cinematográfico en 1971 con Santana, Wilson Pickett, Les McCann y Eddie Harris, The Staple Singers y otras voces de la misma talla. El título de este documental es Soul to Soul.

Robert Frank dirigió en 1972 Cocksucker Blues, el documental que recogía el American Tour de ese mismo año de los Rolling Stones, pero nunca llegó a estrenarse, porque los miembros del grupo no aprobaron las escenas en las que salían consumiendo droga y haciendo orgías.

También aparece en la película Tommy, que es la adaptación al cine de la ópera rock de The Who con el mismo nombre. Es un film de 1975, que fue dirigido por Ken Russel, y trata sobre un niño, Tommy, que se vuelve sordo, ciego y mudo, debido a causas externas a lo físico, como consecuencia a algo que le pasó en su niñez. Su madre y su padrastro buscan distintos curas, y entre ellas le llevan a la “Reina Ácida o Reina del Ácido”, interpretada por Tina Turner, pero ésta no lo consigue.

En 1978 Tina hizo un cameo, es decir, interpretó un papel secundario, en la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Alrededor de la música de los Beatles, concretamente de su álbum del mismo nombre que esta producción cinematográfica, cuenta la historia de una banda de una pequeña ciudad que hará todo lo posible por llegar a lo más alto, y claro, eso trae consecuencias.

La trilogía de películas Mad Max también ha contado con la participación de Tina Turner. Dirigida en su totalidad por George Miller y protagonizada por Mel Gibson, tiene un carácter apocalíptico. La primera parte, Mad Max se estrena en Australia en 1979 y en 1980 a nivel internacional. Mad Max 2 es la primera secuela, y la última parte de esta saga es Mad Max Beyond Thunderdome, más conocida en España como Mad Max, más allá de la cúpula del trueno. Aquí es donde entra en juego nuestra artista del día, Tina Turner, compartiendo protagonismo con Mel Gibson. La segunda y tercera parte de la trilogía se consideran post-apocalípticas. Esta última se estrenó en 1985 en Estados Unidos, y la canción "We Don't Need Another Hero", de Tina Turner, fue nominada como mejor canción en los Globos de Oro.



En 1993 Brian Gibson dirige What’s Love Got To Do With It , una película sobre la vida de Tina Turner, desde sus comienzos hasta la llegada de su carrera en solitario en los 80. Se basa en la biografía titulada "Yo, Tina", y escrita entre ella y Kurt Loder. Angela Bassett y Laurence Fishburne son los actores principales, y la canción que más destacó de la película fue la que se llamaba igual: What´s Love Got To Do With It.

La última relación de Tina Turner con el cine fue en el film Last Action Hero, que cuenta con muchas participaciones importantes, y su BSO se compone de canciones de diversos grupos conocidos. Fue dirigida por John McTiernan y estrenada en 1993, y en su argumento se mezcla el mundo real y el de ficción.

viernes, 11 de junio de 2010

Listado de Temas Programa 31 Especial Tina Turner:



1. Acid Queen - Tina Turner - Acid Queen - EMI - 1975.

2. Proud Mary - Ike y Tina Turner - Funkier Than a Mosquito's Tweeter Recopilatorio - EMI - 2002.

3. River Deep Mountain High - Ike y Tina Turner - River Deep Mountain High - A&M - 1966.

4. Private Dancer - Tina Turner - Private Dancer - Capitol - 1984.

5. I´ve Been Loving You Too Long - Tina Turner - What You Hear Is What You Get Live - 1971.

6. What´s Love Got To Do With It - Tina Turner - Capitol - 1984.

7. Under My Thumb - Tina Turner - Acid Queen - EMI - 1975.

8. Missing You - Tina Turner - Wildest Dreams - Virgin Recrods - 1996.

9. Game Is My Name - Betty Davis - Betty Davis - Just Sunshine - 1973.

10. Anti Love Song - Betty Davis - Betty Davis - Just Sunshine - 1973.

11. We Don´t Need Another Hero - Tina Turner - Mad Max Beyond Thunderdome
(soundtrack)- Capitol - 1985.

Festival Cervantes


Mago de oz, Sinkope, Muro, Kraken, Breed 77, Jorge Salan, Tendencia, Dragonfly, el Gitano la Cabra y la Trompeta, Beholder, khy y Casa de Fieras
Plaza de Toros de Alcalá de Henares
26 de Junio
22:00
Precio: 20 € Anticipada

Concierto de Manolo Kabezabolo, Efectos Secundarios, Petra de fenetra, Andanada 7, Brote Psicótico y grupo sorpresa.


Concierto de Manolo Kabezabolo, Efectos Secundarios, Petra de fenetra, Andanada 7, Brote Psicótico y grupo sorpresa.
Sala Charango (Madrid)
25 de Junio
20:00
Precio: 12€

Concierto de Envidia Kotxina, Delito y Media, La madre y Vagos Permanentes



Concierto de Envidia Kotxina, Delito y medio, La madre y Vagos Permanentes
Sala Amsala (Móstoles)
18 de Junio
21:00
Precio: 8€ / 10€

miércoles, 9 de junio de 2010

Tina Turner, premios



Tina Turner, la reina del Rock, al igual que todas las grandes mujeres de la música han tenído numerosos premios y nominaciones, hoy nombraremos algunos:

Tina Turner, aparte de la reina del Rock, es también una de las reinas de los Grammy:

Y en 1969 estuvo nominada con "Bold soul sister" en la categoría de Mejor actuación vocal dúo o grupo R&B. Pero tuvo que esperar hasta el 71 para tener un Grammy en sus manos. Este premio lo ganó con Proud Mary en Mejor actuación vocal dúo o grupo R&B

A partir de 1984 las nominaciones y premios no dejan de sucederse, Tina Turner es grande.
En este año, 1984 recibe 5 nominaciones:
Let's stay together (Mejor actuación vocal femenina R&B),
Private dancer (Disco del año),
Better be good to me (Mejor actuación vocal femenina Rock),
What's love got to do with it (Mejor actuación vocal femenina Pop)
y What's love got to do with (Grabación del año); obteniendo 3 Grammys con estás 3 últimas nominaciones.
Además este año, 1984 su canción What's love got to do with it se convirtió en Canción del año.

En 1985 recibe 3 nominaciones:
We don't need another hero (Mejor actuación vocal femenina Pop),
It's only love (Mejor actuación vocal dúo o grupo Rock),
y One of the living (Mejor actuación vocal femenina Rock) con el que gana el Grammy.

En 1986 tiene 2 nominaciones:
Typical male (Mejor actuación vocal femenina Pop)
y Back where you started (Mejor actuación vocal femenina Rock) por la cual obtiene el Grammy.

1987 es un año en el que no obtiene Grammys, pero sí una nominación:
Better be good to me (Mejor interpretación Rock).

Al año siguiente obtiene 1 nominación y Grammy con:
Tina live in Europe (Mejor álbum vocal femenino Rock)

A partir de 1989, Tina Turner tiene nominaciones, pero no Grammys. Estas nominaciones son:
1989 The best (Mejor actuación vocal femenina Rock),
1990 Steamy Windows (Mejor actuación vocal femenina Rock),
1991 The bitch is back (Mejor actuación vocal femenina Rock),
1993 I don't wanna fight (Mejor actuación vocal femenina Pop),
1997 Live in Amsterdam: Wildest dreams tour (Mejor video musical en largometraje)

Y tras muchos años, Tina, la gran Tina Turner, llegó en 2008 con River: The Joni Letters, a Disco del año.

Tina Turner


En noviembre de 1939 nació Ana May Bulock, más conocida como Tina Turner. Nació en Tenessee, Estados Unidos; lugar para el cual más tarde compondría una canción.

Nuestra protagonista fue descubierta en 1957 por el guitarrista y pianista Ike Turner. Y se unió a él en su gira, donde se dedicaba a hacer los coros. Tan sólo dos años después Bullock era la estrella del show, y el grupo pasó a llamarse Ike Turner & The Kings of Rhythm.

En el 60 gabaron su primer sencillo titulado "A fool in love". Este alcanzo el segundo puesto en las listas R&B y el puesto 30 en la estadounidense, todo un logro para un grupo recien formado. A partir de este momento Ike decidio que Anna Mae Bullock pasaria a llamarse Tina Turner como nombre artistico.

Además de este trabajo la pareja lanzó varias canciones que obtuvieron un gran éxito como "It´s gonne work out fine" o "Mountain High". Pero fue en el 71 cuando alcanzaron su mayor éxito al versionar "Proud Mary", un clasico de Creedence Clearwater Revival.


En el 76 la pareja se separó, pero a estas alturas Tina ya tenía algunos trabajos como solista y no permitirán que este percance acabe con su carrera, sino que fue en ese momento cuando su carrera como solista tomo forma.

En 1983 fue contratada por Capitol Records. Su primer sencillo fue una versión del clásico de Al Green: "Let's Stay Together" (Quedémonos juntos), que entró con fuerza en las listas en 1984.
Su segundo single fue "What's Love Got to Do With It" (¿Qué tiene que ver el amor con eso?),

con el que se mantuvo tres semanas en el número uno, convirtiéndose en unos de los hits del año. Esta canción se entendió como alusiva a su pasada relación con Ike Turner, si bien su video musical no lo reflejaba claramente. De todas formas, el sentido real de la canción quedó claro porque su título se utilizó para una película biográfica de 1993.

En el 84 lanzo "Private Dancer", disco que obtuvo bastante éxito con canciones como "Better be good to me" o "Private dancer", escrita por Mark Knopfler, lider de la banda Dire Straits.

"Typical Male" en 1986 y "Steamy Windows" fueron otros grandes éxitos de la década. Prueba de su estrellato en los 80 son sus dos canciones a dúo con grandes ídolos del momento: "It's Only Love" con Bryan Adams y "It Takes Two" con Rod Stewart. Además participó también en la grabación del tema "We Are The World" en 1985, junto a Michael Jackson.

Convertida en uno de los principales iconos del rock, famosa por su enérgica voz y no menos por sus poderosas y bien torneadas piernas, Tina dedicó la década de los 90 a hacer innumerables giras por todo el mundo, pero sus nuevos álbumes eran ya discretos, y tan solo aumentaban su nómina como artista consagrada.

Así, en el 2000 y a la edad de 61 años Tina Turner decide dejar los escenarios de forma definitiva, cosa que más tarde no sería capaz de llevar a cabo, ya que en 2008 y después de publicar algún disco recopilatorio, reaparecio en una gala de los Grammys para realizar un dueto con Beyonce. En el mismo año apareció en el programa de Oprah Winfrey, The Oprah Winfrey Show, junto con su gran amiga Cher. La aparición de Turner en este show marcó el inicio de una nueva gira de conciertos en Estados Unidos y Europa, que podría extenderse a otros continentes.

A día de hoy, es considerada uno de los mayores exponentes del rock a nivel mundial,y fue nombrada por los Rolling Stone como "una de las más grandes intérpretes de todos los tiempos".

Espasmodicos


“Somos Espasmódicos y, una vez más, vamos a hacer lo que no salga de los cojones.” Así fue como Magüu, batería del grupo, dio inicio al concierto después de que cada uno estuviera en su puesto. Tras un buen rato esperando al inicio, en cuanto se subieron al escenario, todos nos pusimos en pie y ¡a la pista de baile! Un buen contraste de luces oscuras, tres golpes de platillo y… comenzó el concierto.







Al principio estaba la gente quieta, sólo degustando el rasgueo de Siemens y el movimiento rápido de la batería, así como la voz de Dani Hell retumbando por el fondo y un bajista psicotrópico, Javitron, con su ritmo frenético. Sin embargo, aunque aparentemente podría uno decir “qué quieta está la gente”, no hacían más que calentarse. La música iba subiendo cada vez más el ritmo y, poco a poco, empezamos a sentir la necesidad de ir moviéndonos. Primero los pies, luego los brazos, cantamos y, finalmente, un empujón dio cuerda a la máquina.




A la tercera canción la gente ya se arremolinaba alrededor de la plataforma, bailando los temas más famosos de Espasmódicos. No había quien les parase. Incluso recuerdo de estar metido el pogo, recibiendo y dando, siempre con mucho cariño, cuando me percaté que no estaba el bajista. Fue entonces cuando me di cuenta que estaba dentro, tocando sin perder el hilo de la canción, mientras todos le hacíamos hueco en nuestro pequeño juego salvaje.

Mientras, nosotros estábamos ahí tan entretenidos, podíamos, empero, apreciar y degustar todas y cada una de las canciones. Yo paraba a veces para ver el panorama y, cada vez que miraba me gustaba más. El grupo formaba un cuadro genial, solamente propia de espasmódicos. No serían ese grupo de los 80, encabezados por Kike Kruel, pero nada había que envidiar, no había esa nostalgia que se tienen de los grupos que ya no son lo que era. Los Espasmódicos seguían allí dando guerra, con más fuerza y vigor que nunca.




Dani lideraba la voz del grupo con un carisma desbordante, subiendo, bajando el micro, dando fuerza al público con sus golpes de voz, la cual encajaba a la perfección. Su flequillo se alzaba sobre nuestras cabezas y nosotros no hacíamos más que acercarnos para cantar con él, teniéndole a un palmo. Siemens, atento a su guitarra, machacaba las cuerdas sacando el mejor sonido para las mejores canciones. Sólos, sencillos a lo mejor, pero sin duda alguna no serían lo mismo si no los tocara él. Hay canciones que solamente las puede tocar una persona para que sean buenas y aquí tenemos el ejemplo.



Dani a la voz, Siemens a la guitarra, y en el fondo del escenario, Magüu no hacía más que redoblar tambores y platillos, dedicando, junto con Dani, las canciones a los hijos de puta que bailábamos allí. Ritmo acelerado y una locura abismal que hacía de la batería la base de toda la potencia que tenía el grupo. Cada platillazo era como una explosión más de adrenalina. Por último, y no por ello menos importante, estaba Javitrón con sus cuatro enormes cuerdas de bajo. Golpeando con las yemas de los dedos hacía cualquier cosa: se arrastraba por el suelo, movía el bajo de un lado a otro, nos ponía caras, se cachondeaba y daba muestras de la más sana locura que es el punk. Disfrutando como un niño de teta se metió a bailar con nosotros, además de darnos un par de indicaciones de las autoridades sanitarias.



Tras un buen rato parado, descansando y tomando aire, volvieron a empezar otra canción, y me volví a meter dentro. El ambiente era muy bueno. La gente daba todo lo que podía allí. Estaban viendo a uno de los grupos más emblemáticos del panorama punk de los 80, era como ver una leyenda viva. Esas canciones que me pasaban cuando tenía trece años, cuando me empezaron a molar estas cosas. Siempre me decía, estos ya han muerto, estos ya no siguen… pero de pronto, ahí estaban, en el escenario. Todas esas canciones, una tras de otra, demasiadas para enumerar todas (se me olvido pedirles el list del concierto): Días de Destrucción, Están deseando que te pongas a temblar, Serafín y por supuesto Enciende tu motor. Todas ellas salteadas con otras muchas canciones de TDeK: La farmacia de mi barrio, Israel, Carne picada, Creo que voy a potar, RIP entre otras. Además no hay que olvidar Nazi Punks Fuck Off de los Dead Kennedys. La tropa no paraba de bailar, todos estábamos cansados y agotados, pero nadie paraba, teníamos delante de nosotros a espasmódicos y eso era suficiente motivo para seguir. Con Días de Destrucción iniciaron el concierto y poco a poco empezaron a subir el listón, las canciones iban más aceleradas y, en cuanto sonó Soy Cruel la gente comenzó el bailoteo. Acordes rápidos y una letra antiamor (que ya se oye bastante mierda en los cuarenta principales) fueron los que nos pusieron las pilas. Tía vete a Cagar también supuso unos buenos minutos acelerados donde podías sentir las adrenalina subiéndote a la cabeza y la sangre pasando por tus venas, bombeando vertiginosamente.



El grupo estuvo excepcional, como digo disfrutaron, estuvieron cómodos con el público y el público estaba entusiasmado con ellos. Pararon, pero en poco tiempo volvieron a salir dándonos un último chute de punk a la gente. En las últimas canciones (Maleta para Moscú, Soy cruel, Tía vete a cagar, Israel y Enciende tu motor) subió otro guitarrista para darle más caña a las canciones. Se noto la nueva guitarra. Todas las canciones las tocaron a un ritmo mucho más rápido que anteriormente, terminando con titánicamente. El nuevo guitarrista prometía mucho y cumplió bastante bien. Dio buen fondo a las canciones y con su guitarra, apoyando al grupo.


Desde el principio hasta el final, estuvieron ahí dando lo mejor de sí mismos. El público estuvo dando también todo lo que pudo y lo que no pudo. Bajaron del escenario y todos nos quedamos aún con ese regusto de haber estado oyendo a un grupazo. Las luces se encendieron y cada uno fue a lo suyo. Fue el momento en que yo me acerqué al bajista, Javitrón, que estaba al lado del escenario para pedirles una foto para presentar esta pequeña crónica. Muy majos todos ellos, cedieron a que nos hiciésemos una foto. Una ellos solos y otra con nosotros. Hablamos con Siemens, quien nos aseguro que el año que viene volverían a tocar en Madrid, a lo que le respondí que allí iba a estar yo para volver a hacer una crónica más de ellos.

Saludamos a todos y les deseamos suerte en su carrera. Ellos también en la nuestra.
Cuando salimos a la calle nos miramos pensando que ojalá retrocediéramos dos horas para volver a entrar, volver a sentir ese calor que sólo la música punk puede dar, volver a escuchar y cantar todas y cada una de sus canciones. Todos con una sonrisa en la cara y con unas fotos en el móvil, nos alejamos de la calle Tetúan con el ánimo de volver a cruzarnos en su camino.






jueves, 3 de junio de 2010

Listado de Temas Programa 30 Especial Dead Kennedys:



1 Religious Vomit - Dead Kennedys - In God We Trust - Alternative Tentacles - 1981.

2 Holiday In Cambodia - Dead Kennedys- Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Alternative
Tentacles - 1980.

3 Police Truck - Dead Kennedys - Give Me Convenience Or Give Me Death - Alt. Tentacles - 1987.

4 Buzzbomb - Dead Kenndys - Plastic Surgery Dissaster - Alternative Tentacles - 1982.

5 Viva Las Vegas - Dead Kennedys- Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Alternative Tentacles - 1980.

6 Too Drunk To Fuck - Dead Kennedys- Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Alternative Tentacles - 1980.

7 Soy Cruel - Espasmódicos - Espasmódicos Recopilatorio - Munster Records - 2003.

8 California Über Alles - Dead Kennedys- Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Alternative
Tentacles - 1980.

9 I Kill Children - Dead Kennedys- Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Alternative Tentacles - 1980.

10 Jesus Was A Terrorist - Jello Biafra - Sky Is Falling And I Want My Mommy - Alternative Tentacles - 1991.

11 Kill The Poor - Dead Kennedys- Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Alternative Tentacles - 1980.

12 Soup Is Good Food - Dead Kennedys - Frankenchrist - 1985

13 ¡Ay Carmela! - The Ex - 1936-The Spanish Revolution - AK Press - 1986.

miércoles, 2 de junio de 2010

Los Dead Kennedys en la gran pantalla

La versión de los Dead Kennedys de la canción "Viva las Vegas" aparece en la película "Fear and Loathing in Las Vegas", o lo que es lo mismo, "Miedo y Asco en Las Vegas".



Esta película fue dirigida por Terry Gilliam, y se estrenó en 1998. Se basa en una novela de Hunter S. Thompson, y el guión lo adaptaron entre Tony Grisoni y Terry Gilliam. En el reparto contaban con actores de la talla de Johnny Depp, benicio del Toro, Tobey Maguire, Christina Ricci y Ellen Barkin, entre otros muchos.

Trata sobre un periodista, Raoul Duke (Johnny Depp), que es enviado a realizar un reportaje sobre una carrera de motos en el desierto de Nevada, y por ello viaja hacia la ciudad de Las Vegas en un descapotable rojo junto a su abogado el doctor Gonzo (Benicio del Toro). En el maletero hay de todo menos maletas: dos bolsas de marihuana, 75 pastillas de mescalina, 5 hojas de ácidos y multitud de otros estupefacientes. Conducen a máxima velocidad, mientras intentan evitar oír en la radio las noticias de la guerra de Vietnam. Alucinan todo tipo de cosas gracias a las sustancias ingeridas, y así inician su viaje hacia la decadencia americana. Y como era de esperar, se pierden toda la carrera que debían cubrir y se meten en un montón de líos.

Algunos creen que es una estupidez de película, pero otros logran ver más allá, y consideran que aborda el tema del cambio sociocultural de la sociedad norteamericana tras la guerra de Vietnam.

Como en toda película, lo mejor es verla y opinar.

martes, 1 de junio de 2010

Rarezas Musicales Programa Dead Kennedys: The Ex - ¡Ay Carmela!

Hoy venimos a Rarezas cargados de Punk...


...Y es que los protagonistas de hoy son The Ex: un grupo de Punk formado en Holanda a finales de los 70, que tiene desde sus inicios muy clara su línea de actuación, con una base intelectual muy marcada hacia tendencias anarquistas -de ahí que los denominen anarco punk- y de un sonido...pues Punk, peculiar, dejado, sucio -lo que los críticos han venido a llamar para ganarse el suelo Lo-Fi-.

Tu dile a un punki que hace Lo-Fi, a ver qué te cuenta...

Durante más de 20 anos, esta prolífica banda no ha parado de trabajar. Tienen 21 LP´s hasta la fecha, incontables EP´s y sencillos, con gran apoyo del fiel público desde el underground.

Otra características de The Ex es que no ponen cortapisas a su música, y al contrario de lo que suele pasar con otras agrupaciones punk más limitadas artísticamente, estos holandeses no han dudado en experimentar con sonidos ajenos al Rock, como lo es el Jazz o las mal llamadas Músicas del Mundo -porque todas las músicas son del mundo que yo sepa-, mostrando entre sus canciones huellas de música africana o de las clásicas big bands de Jazz.

Una clara muestra de la actitud inconformista, contestataria e internacionalista de esta gente fue su obra "1936 - The Spanish Revolution" un disco-libro originalmente editado en 1986, que recogía textos -con los que se puede discutir largo y tendido desde el punto de vista de la Historia-, material fotográfico de la época de la Guerra Civil española y dos singles en vinilo.

Cada uno de estos siete pulgadas contenía dos reconocidos tema del cancionero bélico español, tocado al estilo The Ex y cantado en nuestro idioma y en inglés, dando como resultado un ejercicio musical y cultural bastante interesante.

Para aquellos que se hayan quedado con ganas de este libro-disco, que sepan que fue reeditado hace ya tiempo por AK Press y distribuído por BOA Records.

Nos despedimos con un himno del bando republicano, estremecedor como pocos, Ay Carmela:


Dio, el grupo

Dio es el grupo que fundó Ronnie James Dio tras dejar Black Sabbath. Además, se llevó consigo al batería de la banda, Vinny Appice. Buscaban un guitarrista con un sonido moderno a la vez que metalero, con miras a lo que querían que fuese su disco debut. Ronnie estuvo haciendo audiciones a varios guitarristas americanos, pero como no le convencieron viajó a Londres y se dejó aconsejar por su viejo bajista y compañero en Rainbow, Jimmy Bain, y juntos descubrieron a Vivian Campbell, un veinteañero irlandés y una verdadera promesa a las 6 cuerdas.

Ronnie James Dio a la voz, Vinny Appice como batería, Vivian Campbell de guitarrista y el propio Jimmy Bain al bajo, forman en 1982 el grupo de heavy metal DIO.

En mayo de 1983 DIO editó su primer disco, Holy Diver, en el cual Ronnie cantaba y tocaba el teclado. Para evitar tener al vocalista en los conciertos tras el teclado, la banda reclutó a Claude Schnell, ex Hughes-Thrall. Se convirtió rápidamente en un disco de culto en el mercado del heavy metal ochentero. Cuenta con solos intensos y la voz inconfundible de Ronnie James Dio, que por aquellos tiempos se ganó merecidamente el apodo "The Voice of Metal".




El quinteto lanza a continuación The Last in Line el 2 de julio de 1984, seguido por Sacred Heart el 15 de agosto de 1985. Varias canciones fueron grabadas durante la gira de dicho álbum, y éstas fueron lanzadas junto con la canción de estudio Time To Burn en el mini LP Intermission.

En 1986 apareció la presión del dinero en el grupo, y Vivian Campbell dejó la banda para unirse a Whitesnake, alegando una paga "miserable" e incumplimiento de promesas de aumento de remuneración. En su lugar entró Craig Goldie.

Y sólo un año más tarde, el 21 de julio apareció su cuarto disco de DIO, Dream Evil.


Después de éste, hubo una reorganización de la banda: Rowan Robertson, de sólo 19 años, se puso al frente de las guitarras, apareció Teddy Cook al bajo, Simon Wright a la batería, y Jens Johansson se encargó de los teclados. Con esta formación lanzaron un solo disco: Lock up the Wolves y después de este disco, Roonie se reunió con sus antiguos compañeros en Black Sabbath. Mientras tanto, en 1991 apareció una recopilación de las mejores canciones de DIO, en el álbum “Diamonds: The Best of Dio”.


Pero Ronnie volvió a juntar a DIO, esta vez con otra formación: Larry Danasy (bajo), Tracy G (guitarras), repitiendo intervención: Vinny Appice (batería), Scott Warren (teclados). En este período, que duró 5 años, produjeron varios discos: Strange Highways y Angry Machines, ambos álbumes de estudio, dos recopilaciones: Anthology en 1997, y Master Series en 1998, y el directo grabado en 1998 también: Inferno: Last in Live.

El siglo XXI trajo un vaivén de apariciones por parte de Craig Goldie, que volvió a encargarse del puesto guitarril de DIO en 2000, para el octavo trabajo de estudio, Mágica. Igualmente Jimmy Bain volvió a su puesto, esta vez compartido con Chuck Garric, y de la batería se encargó Simon Wright.

Otras dos recopilaciones llegaron en 2000 y 2001. La primera llamada The Very Beast of Dio, y la segunda fue otro volumen de la antología que sacaron en 1997.

El noveno álbum de estudio llegó en 2002 a través de Spitfire Records, y se llamó Killing the Dragon. Doug Aldrich fue el guitarrista en este disco.

En 2003 vuelve a aparecer Goldie en escena. Grabaron su décimo disco de estudio, Master of the Moon, que salió el 7 de septiembre de 2004 en Estados Unidos.

En 2005 se lanzó el disco Evil or Divine- Live in New York City, grabado en directo, con Jimmy Bain de nuevo al bajo y Doug Aldrich como guitarrista.

En abril de 2006 sale el último disco de la banda DIO, en el que cuentan con el fichaje del histórico bajista Rudy Sarzo, ex-Ozzy Osbourne, Quiet Riot y Whitesnake, un músico de excepción, pero también un brillante showman sobre el escenario.


Lo que está claro, es que la banda Dio, en sus más de 20 años en el mundo de la música, nos ha dejado un legado acústico memorable.

Los cuernos del metal


¿Sabéis quién es el inventor del famoso signo de los “cuernos”? Ésos que cualquier buen metalero levanta en los conciertos de Rock…

Pues nada más y nada menos que Ronnie James Dio.

Algunos dicen que para él no era más que un saludo tradicional en la localidad italiana de la que provenía su familia, pero él mismo reconoce su autoría en 2004, cuando denuncia que Britney Spears intenta imponerlo en sus conciertos, y dice que él lo había patentado en los 70, en su paso por Rainbow. Asegura que los cuernos resumen el concepto “Long Live Rock and Roll”.