domingo, 25 de abril de 2010

Listado de Temas Programa 25 Especial Black Sabbath:



1. Paranoid - Black Sabbath - Paranoid - Vertigo Records - 1970.

2. Heaven And Hell - Black Sabbath - Heaven And Hell - Vertigo - 1980.

3. Lonely Is The Word - Black Sabbath - Heaven And Hell - Vertigo - 1980.

4. The Wizard - Black Sabbath - Black Sabbath - Vertigo - 1970.

5. Black Oblivion - Tony Iommi - Iommi - Priority Records - 2000.



6. Seventh Star - Black Sabbath/Tony Iommi - Seventh Star - Vertigo - 1986.

7. Iron Man - Black Sabbath - Paranoid - Vertigo Records - 1970.

8. Cornucopia - Black Sabbath - Volume 4 - Vertigo - 1972.

10. Satori Pt 2 - Flower Travellin´ Band - Satori - Atlantic - 1971.

11. Satori Pt1 - Flower Travellin´ Band - Satori - Atlantic -1971.

lunes, 19 de abril de 2010

Amigos Imaginarios - Sala El Sol 16 de Abril de 2010:

De forma indirecta e inesperada me crucé con ellos. Hace ya unos cuantos años escuché un par de grupos que me causaron una muy grata sorpresa: Nominees y The Shannons, pero les perdí la pista... Hasta que hace bien poco me enteré que de la unión de varios "elementos" -siempre en el buen sentido- de ambas bandas resurgieron bajo el nombre de Santi Campos y Amigos Imaginarios para pasar a llamarse más tarde Amigos Imaginarios, una de las propuestas españolas más interesantes de los últimos tiempos.

El viernes 16 de abril Amigos Imaginarios presentaban en la sala El Sol su nuevo disco: Muñecas Rusas -Indiana Rock 2010-, y la RUAH no podía perder la oportunidad de dar a conocer este trabajo a la comunidad universitaria, así que con interés y mucho gusto para allá que acudimos.

Entramos de los primeros, y como curioso que es uno, me acerqué al escenario a echar una ojeada a los instrumentos y vi que la guitarra solitaria -que más tarde se colgaría Santi Campos- estaba desgastada: una buena señal.

A grandes rasgos se marcaron el disco entero, que consta de 9 temas -si a alguien se le hace corto no quiero excusas, se le da al play cuantas veces sea necesario, que no pasa nada- e intercalaron piezas de pertenecientes a sus trabajos anteriores, como el caso de la intensa e imaginativa "Lobos e Insectos" y del "Disco del Mes", una de las más solicitadas por los seguidores, las dos de su álbum de 2007 El Maestro de Houdini.

Ya plantados sobre el escenario, Amigos Imaginarios iniciaron el espectáculo -o Show como dicen algunos por ahí- con la solemne canción que abre el disco "Cleopatra, La Reina de África" de forma titubenate y extraña al cantar sin micrófono las primeras líneas, creando así un curioso efecto de naturalidad, desnudez y cercanía. Una sensación que iba a ser una constante, a estar muy presente durante el resto de la noche. Digo canción solemne en cuanto al equilibrio compositivo, a la economía de notas, a los matices serenos, con cada detalle en su sitio,... Un ejemplo a seguir en este mundo musical que nos ha tocado vivir en el que tristemente abundan los excesos artificiosos y vacíos:



Seguidamente se lanzaron con "El Hombre Menguante", un éxito en potencia y una de las canciones más accesibles del disco gracias entre otras cosas al gancho de su guitarra. A partir de entonces, con las miradas cómplices que se dieron entre ellos, las sonrisas, la soltura al sentirse en su terreno, el pedirnos que nos acercáramos más al escenario -seguimos siendo demasiado respetuosos para algunas cosas ¿verdad?- y las conversaciones y bromas entre canciones con algunos asistentes, los Amigos Imaginarios lograron conectar y comunicarse con el público -el feedback que dicen algunos otros también por ahí- y transmitir toda una extensa gama de sensaciones que pasan de la cercanía a la calidez y que nos hicieron disfrutar a todos con la impresión de estar en casa:



¿Antes hablé por ahí arriba de las guitarras desgastadas verdad? Sí, desde siempre me ha dado un buen presentimiento ver que los instrumentos musicales de los artistas que tengo enfrente tienen solera, están sobados, desgastados y echos polvo. Esto se debe, aunque parezca simplista, a algo evidente: si están así es porque se utilizan con asiduidad y fuerza, porque se les da tralla.

Así que acerté, sorprendentemente, porque pese a que conocía que el sonido de esta banda en estudio es cuidado, delicado, suave,... no sabía que en directo Amigos Imaginarios tenían esos momentos en los que distintos elementos como la intensidad y agresividad eléctrica, los juegos guitarreros plagados de distorsión y de aristas, y la capacidad de interconexión e interacción de todos los miembros de la banda para desarrollar un tema de forma más orgánica, libre y más expansiva -una característica en peligro de extinción en esto de la música lo de ver en concierto algo distinto a lo que aparece en el álbum- se daban la mano para acabar desembocando sin desfallecer y de forma natural en "Un Poco Más Feliz", una sólida composición de aires psicodélicos en la que la banda entera con la sección rítmica tan plástica y potente de Sebastián Giudice, el dinámico bajo de Jesús Montero, la soberbia presencia de los teclados de Charli Bautista, el brillante color aportado en las segundas voces de Ester Rodríguez, así como las tremendas letras de Santi, actúan como un mismo ser con la única finalidad: crear esta maravilla de canción:



Hasta ahora mismo no habíamos hecho hincapié en el apartado lírico de Amigos Imaginarios. Un aspecto muy importante en el grupo que tiene como responsable a Santi Campos, creador de unas letras introspectivas, reflexivas, originales y personales -pero inteligibles y claras- que hacen que el que las escuche se pueda sentir tanto identificado como interesado o atraído por ellas. Son estas el tipo de letras que hacen que los periodistas ya tengan una pregunta para sus entrevistas, la típica ¿qué hay de autobiográfico en ellas? Y la verdad, personalmente me daría miedo que la gente creyera que me conoce... Quizá sea una mala persona y tenga algo oscuro que ocultar. Quién sabe.

En varios momentos durante el concierto, Santi Campos habló del respeto que había en la sala, al silencio y al gusto que le daba la atención prestada por parte del público -que hay que decir que se portó de lujo-... La verdad es que no sé si lo decía en broma o no, pero lo cierto es que el silencio es un elemento básico e imprescindible para la música. Es el inicio, de él surge todo y por ello se respeta. De ahí que en los recitales de música clásica -que suelen mantener esos conocimientos y tradiciones- no se inicia la obra hasta que no haya un silencio absoluto y no se aplaude en el final hasta que no se haya extiguido el último acorde.

Pues con ese respeto y esa calma irrumpió, tras un falso arranque, de forma conmovedora la canción con la que se despidieron hasta la próxima los Amigos Imaginarios, "Canción del Frío", una muestra más de la increíble capacidad de crear atmósferas y ambientes, de evocar paisajes y mundos que tiene esta banda. Una fría belleza repleta de contrastes entre lo sutil y etéreo de los teclados y juegos de voz y lo majestuoso de los tensos requiebros de las guitarras.
Una canción que igual que vino, se nos fue apagando...:



Tras aplaudir y gritar unos cuantos ¡bravos! -no los grititos de indios que se están poniendo de moda por aquí- vi al salir que se habían puesto un mostrador con sus discos, así que sin dudar ni un segundo me hice con Muñecas Rusas, pues pese habérmelo bajado desde la página del grupo, las cosas hay que hacerlas bien.


Esperamos que esta personal visión sobre los Amigos Imaginarios y la presentación de su disco Muñecas Rusas cale entre la gente que nos lee y escucha. Así que ya saben, -aunque encasillar a este grupo es complicado-, si son amantes de los sonidos americanos de clásicos como Neil Young o The Band, de referentes internacionales más actuales al estilo Wilco o The Jayhawks, o nacionales como Quique González, ¡este es vuestro grupo!.

Listado De Temas Programa 24 Especial Blondie:


1. Breaking The Law - Judas Priest - British Steel - Columbia - 1980.

2. Hangin´ On The Telephone - Blondie - Parallel Lines - Chrysallis - 1978.

3. Rapture - Blondie - Autoamerican - Chrysallis - 1980.

4. Call Me - Blondie - BSO De American Gigolo - Chrysallis - 1980.

5. Dreaming - Blondie - Eat To The Beat - Chrysallis - 1979.

6. One Way Or Another - Blondie - Parallel Lines - Chrysallis - 1978.

7. Do It - The Sunday Drivers - Tiny Telephone - 2007

8. Two Weeks - Grizzly Bears - Veckatimest - Warp -2009.

9. Heart Of Glass - Blondie - Parallel Lines - Chrysallis - 1978.

10. Atomic - Blondie - Eat To The Beat - Chrysallis - 1979.

11. María - Blondie - No Exit - Beyond Records - 1999.

12. Amateur Hour - Sparks - Kimono My House - Island Records - 1974.

13. This Town Ain´t Big Enough For Both Of Us - Island Records - 1974.

14. Pretty Baby - Blondie - Parallel Lines - Chrysallis - 1978.

domingo, 18 de abril de 2010

Toy Dolls, imagen y estilo


Los Toy Dolls nacieron en Inglaterra, cuna del punk más clásico, cargado de política, de quejas, de protestas, de luchas... Y entonces Inglaterra, cuna del punk nos dio unas Muñecas de Juguete que sólo querían eso, jugar. Jugar con el punk.

En palabras de Michael “Olga” Algar, guitarrista y cantante actual del grupo “Me parece bien que el punk levante ciertos postulados políticos, pero no está bien que no puedas hablar de otra cosa si haces punk. Para mí, dar un concierto me proporciona dos horas de escape, de diversión y libertad, porque el punk debe ser todo aquello que tú quieres hacer y decir sin ningún tipo de compromiso y sin que te importe nada. Tengo amigos en grupos que sí tienden a letras políticas, como Exploited y GBH, pero a nosotros nos gusta encontrar el lado luminoso de las cosas depresivas, sin tener la obligación de escribir letras políticas”
Según ellos, esa es la receta de la longividad: “La única forma de permanecer tanto tiempo en este negocio es no tomarse en serio, aun en las circunstancias más difíciles”.
Los Toy Dolls son ganas de pasárselo bien con letras infantiles, riff pegadizos...y varias características de imagen divertidas que hoy vamos a citar.

Si hablamos de la imagen y el estilo de los Toy Dolls lo primero es citar sus gafas de sol. Porque desde luego son cantosas, cantosas. Es casi imposible verlos sin sus enormes, coloridas y rectangulares (normalmente) gafas de sol. Lo de las gafas les viene desde que se formó el grupo y lo han usado en sus caricaturas también.Sólo aparecieron una vez sin ellas: en la portada del álbum “One More Megabyte”*

Otra característica es el uso de aliteraciones en los títulos de las canciones. Para los que no se acuerden aliteración era esto de repetir la primera consonante en palabras seguidas. Algunos ejemplos son las canciones: "Peter Practice's Practice Place", "Fisticuffs in Frederick Street" y "Neville is a Nerd".*

También en sus discos incluyen normalmente versiones de alguna canción muy conocida. A esta le aceleran el tempo hasta hacerla estilo punk. Algunas de la canciones que han acelerado son: "Tocatta in Dm", "Livin' La Vida Loca"y "The Final Countdown". También han realizado versions parodiadas de muchas canciones populares en Inglaterra claro, ejemplos son: "The Kids in Tyne and Wear (Kids of America)" y "The Devil Went Down to Scunthorpe (The Devil Went Down to Georgia)".*
Además los discos de los Toy Dolls empiezan con una breve “intro” en la que mezclan el título del álbum con un riff pegadizo. Luego acaban los álbumes con una “outro”, que es una canción final un poquito más larga en la que hacen variaciones del riff de la intro. Con lo que te pasas todo el día cantando el título del álbum. Desde luego estos chicos tienen ojo comercial.

Johnny Cash, legado e influencias.

Ya sea con en rockabilly, rock and roll, country...
Jonnhy Cash ha sido y es un referente y una influencia clara para muchos artistas.

Cash ha llegado incluso a influir en artístas que nada tienen que ver con su género musical. Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba como, hablando con un grupo de rap éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir».
En su álbum Ego Trippin', Snoop Dogg dedica su canción "My Medicine" a Johnny Cash, a real American gangsta, y la banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire

Si hablamos de Johnny Cash todo el mundo le alabará porque Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas. Él sentó las nuevas bases de country y se salío de los cánones establecidos. Por todo ello en 1999 se le ofreció un concierto-tributo en el que tocaron artistas de la talla de Bob Dylan, Norah Jones, Kris Kristofferson o U2.

Justo después de su muerte en 2003 fueron editados dos álbumes-tributo; Kindred Spirits y Dressed In Black.
En reconocimiento por el apoyo que prestó a la ONG SOS Children's Villages, su familia lanzó un llamamiento a amigos y fans a que realizasen donaciones a esta ONG en memoria del fallecido.
Además como curiosidad, la autopista 31E, que pasa por la calle principal de Memphis, es conocida como «Johnny Cash Parkway»

Pero su verdadero legado es su música: La canción «Ring Of Fire» aparece un episodio de Los Simpson, en el videojuego Tony Hawk's Underground 2 y en la película Silent Hill. En el video juego Guitar Hero 5 aparece como personaje jugable después de completar la canción «Ring of Fire».


Pero si de lo que hablamos es de las influencias en Johnny Cash tenemos que hablar de June Carter.cantante, compositora, actriz, comediante y filántropa. Tocaba la guitarra, el banjo, y el autoarpa.
June Carter, en los 60 actúa a menudo haciendo dúo con Cash, quien la admiraba desde hacía ya mucho tiempo ya que ella era cantante de country desde los 14 años.
Pero la relación entre ambos se ve afectada por la caída de Johnny en la drogadicción y la bebida, de la que sale gracias a la ayuda de June y su familia.

En 1968 Johnny Cash le pide matrimonio publicamente en un concierto,así se convierte en su tercer marido. La pareja tuvo un hijo dos años más tarde, John Carter Cash, también cantante.
Juntos, en 1967, ganan un premio Grammy en la categoría Best Country & Western Performance, Duet, Trio Or Group (vocal or instrumental) por la canción Jackson. Y en 1970, vencían otra vez en la misma categoría con If I Were a Carpenter.

June murió el 15 de mayo de 2003 en Nashville, Tennessee, después de las complicaciones que siguieron a una operación a corazón abierto. Johnny Cash murió cuatro meses más tarde.
Johnny Cash dijo en su autobiografía:
June era mis señales del camino, hacía alzarme cuando estaba débil, me animaba cuando me desanimaba, y me amaba cuando estaba solo y me sentía desamparado. Es la mujer más grande que jamás he conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca.

Led Zeppelin, Runas


Todo el mundo ha visto las 4 runas de Led Zeppelin. Pero por si alguno no sabeis que significan aún, hoy lo desvelaremos.

Al parecer todo fue idea de Jimmy Page que quería dar importancia a la música y no a la estética. Y propuso un álbum sin portada, rizando el rizo, ya que los 3 anteriores no tenían título. Sin título, sin logo de atlantic, sin numero de serie…. Solo 4 runas identificativas de cada uno de los miembros del grupo. Atlantic, como es normal se negó y dijo que eso sería un “suicidio comercial”, pero Led Zeppelin, son mucho Led Zeppelin y con la pasta que les daban no podían perderlos, así que accedieron. En palabras de John Paul Jones, bajista: Jimmy tuvo la idea de dejar el disco sin título, de utilizar sólo cuatro símbolos. Me enseñó un libro que tenía, The Book of Signs de Rudolph Koch, y me dijo que todos debíamos elegir un símbolo del libro que nos representase. Bonzo y yo así lo hicimos, y no fue hasta bastante más tarde que descubrimos que Jimmy y Robert habían hecho diseñar por su cuenta sus propios símbolos. Realmente típico.» Jones y Bonham utilizaron el libro de Koch, por eso sus símbolos no tienen misterio ya que está escrito su significado.

El símbolo de Bonham,el tercero en el orden de símbolos, según el libro
«Es un símbolo temprano de la Trinidad. Cada círculo tiene su propio centro, por lo cual están completos en sí mismos; al mismo tiempo cada uno tiene una gran porción en común con los demás círculos, aunque solo la parte central esta cubierta por los tres círculos. En esa porción hay un nuevo centro que es el corazón verdadero de la figura»

Desde luego no podemos saber si este fue el motivo de su elección, y Page ha dicho que lo escogió simplemente porque le gustaba el dibujo, independientemente de lo que representase, aunque siempre se ha comentado que a Bonham le llamó la atención que el símbolo representase también el logotipo invertido de su marca de cerveza favorita en los Estados Unidos, la Ballantine. Hay que joderse.


La interpretación del símbolo de Jones, el segundo en la lista,es la siguiente según el “«Este signo se usa para exorcizar los espíritus malignos. En el caso de este signo así como en el del pentagrama y octograma, es interesante notar que requieren una cierta destreza, y que una persona torpe sería incapaz de dibujarlos.»

Como siempre, muchos de los que dicen que Page, Plant y Bonham firmaron un pacto con Satanás, argumentan que Jones se salvó gracias a la utilización de este símbolo, que le protegió de todo mal. Siempre se ha dicho que este símbolo, como apunta vagamente Koch, representa a una persona diestra y competente.

El siempre contradictorio Plant ofrece dos versiones de su diseñ, el cuarto de la lista. Una de sus explicaciones de la pluma es que significa valentía.
Plant dijo:«La pluma es un símbolo en el que se han basado todo tipo de filosofías, y tiene una herencia interesante. Por ejemplo, significa valentía en muchas tribus. Quiero contar la verdad. Sin tonterías. Eso es es lo que significa la pluma en el círculo.»
La otra explicación es que es el símbolo de una antigua (y supuesta) civilización desaparecida.
Porque Plant también dijo:«La civilización Mu vivió hace unos 15.000 años en un continente perdido que existió en alguna parte del océano Pacífico entre China y México. Toda clase de cosas están ligadas a Mu, includas las efigies de la isla de Pascua. La gente de Mu dejó tablillas de piedra con sus símbolos en México, Egipto, India, China y muchos otros sitios, y todas datan de la misma época. Los chinos decían que esa gente venía del este, y los mexicanos decían que venían del oeste, así que obviamente eran de algún lugar en el medio.»
Y como no, hay gente que dice que la pluma le representa como escritor, dado que por aquella época se hacía cargo de la mayoría de las letras de Led Zeppelin.


Pero sin duda el símbolo que màs ha dado que hablar es el de Page porque se dice que Jimmy Page es el satanista que hablaba todas las noches con Belzebú, que vendió su alma al Diablo, que celebraba místicos aquelarres, y que por supuesto que no podía tener un símbolo normal, sino que debería representar al mismísimo Maligno saliendo de la boca del Infierno para comernos a todos. Lo cierto es que nadie sabe lo que significa.

PLant dijo una vez:
«Puede que no te lo creas, pero Page una vez me llamó en un aparte y me dijo "mira, te voy a contar esto una vez y nunca más lo volveré a mencionar, o por lo menos no en muchísimo tiempo". Y ¿te puedes creer que lo he olvidado y ahora Pagey no me lo quiere decir? Eso es lo único que puedo aportar.»

Preguntarle a Jimmy Page no sirve, puesto que su enfado es instantáneo, y siempre que algún periodista ha tentado la suerte, en el mejor de los casos durante el resto de la entrevista solo obtendrá monosílabos del guitarrista, y en el peor se acaba la entrevista de forma precipitada. Sólo una vez y excepcionalmente se dignó a dar una pista, y lo que dijo fue «Thursday».

Led Zeppelin I, II, III y IV

«Led Zeppelin era el tipo de banda con la que todo el mundo sueña. Para mí fue un honor inmenso ser parte de ello.»
Dijo Jimmy Page, y para mi es un honor inmenso dedicarles hoy este espacio.
Pero como Led Zeppelin tiene mucha tela hoy vamos con los 4 primeros trabajos de estudio.

Led Zeppelin se formó a finales de 1968.
Jimmy Page y Chris Dreja, ya eran conocidillos en Inglaterra ya que habían sido guitarrista y bajista de The Yardbirds y juntos, ahora estaba buscando músicos para un nuevo proyecto. The New Yardbirds(quizá estaban resentidos por la disolución de su anterior grupo?...)
Terry Reid, primer candidato a cantante, recomendó a su amigo Robert Plant, definitivo cantante. A ellos se uniría John Bonham a la batería y poco después sustituyeron en el bajo a Dreja ya que este abandonó la música, en su puesto entraría John Paul Jones, amigo de Page.
Los New Yardbirds comienzan tocando blues, en una gira por Escandinavia, después de la que se cambiarían el nombre.

Se dice que el nombre de la banda surgió de un chiste de Keith Moon(batería de los Who) que dijo que el grupo caería “like a Lead Zeppelin” es decir “como un Zeppelin de plomo” . Peter Grant, el mánager inglés y manager de la banda, suprimió la "a" de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación en EEUU.
Entonces el propio Peter Grant, les dio 200.000 dolares provenientes de Atlantic Records, para producirse su primer album estilo blues y hard rock, es decir, estilo Led Zeppelin.

Su primer album se publicó el 12 de enero de 1969, con el nombre de Led Zeppelin. Del que voy a destacar Communication Breakdown y I Can't Quit You Baby. El álbum fue realizado en tiempo record, según se cuenta, una semana en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, en total 30 horas de estudio. Al principio, no triunfaron mucho en Inglaterra, pero tras su primera gira americana, el éxito en EEUU se hizo notar.
En la gira de Led ZeppelinI por Dinamarca, tuvieron que cambiar en nombre de grupo por culpa de la baronesa Eva von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible. Además, las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo.

Durante 1969, los Led hicieron giras europeas y grabaron el segundo trabajo. Publicado el 22 de octubre del mismo año, su nombre Led Zeppelin II del que voy a destacar Moby Dick, Whola Lotta Love y Heartbreaker . Este álbum les llevó al numero 1 de las listas británicas y estadounidenses (destronando al Abbey Road de The Beatles)
La banda dio un par de giras más por Estados Unidos cada vez ante audiencias más grandes y alargando los conciertos durante más de tres horas. Quien hubiera estado allí…

En 1970 Led Zeppelin hace las maletas y se van a Bron.Yr.Aur, una casa rural en gales, para grabar el tercer álbum. El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco, Led Zeppelin III,del que destaco:Inmigrant Song,Since I've Been Loving You y Tangerine. Y que no tuvo mucho éxito debido a su tono intimista, pero que a mi me gusta, para gustos los colores.

Estas críticas provocaron que el cuarto álbum de la banda no tuviera título. En su portada aparecían 4 runas de sobra conocidas por todos nuestros oyentes, que identifican a casa uno de los miembros de la banda. Aún así el álbum es conocido como Led Zeppelin IV. Fue publicado el 8 de noviembre de 1971 y hasta 2006, ha vendido 23 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el LP más vendido de la banda, además del 4º más vendido de la historia. De él descataría practicamente todas, pero en especial: Stairway To Heaven por supuesto, Black Dog, Rock And Roll y Going to california
El solo de guitarra de Stairway To Heaven fue elegido por los lectores de la revista Guitar World Magazine como "el mejor solo de todos los tiempos".

A partir de este disco Led Zeppelin cambió la imagen y empezarían a vestir de forma más psicodélica. Además empezaron a comportarse con el síndrome de las estrellas, en plan despilfarro, yet privado, plantas de hoteles enteras….
Y hasta aquí la historia de Led Zeppelin por hoy, proximamente más.

Aretha Franklin, Premios y Reconocimientos


Desde luego cuando hablamos de Aretha Franklin hablamos de una triunfadora en su carrera, por algo la llamaban Lady Soul.

Algunos de los premios más importantes que ha recibido, fue el del 3 de enero de 1987 cuando se convirtió en la primera mujer incluida dentro del Rock and Roll Hall of Fame.
Aretha también ha recibido premios de manos de 2 presidentes de EEUU:
-En septiembre de 1999 se le otorgó la medalla nacional de las artes de manos del presidente Bill Clinton.
-Y en 2005 el presidente George Bush le otorgó la medalla de la libertad.

También en 2005 Aretha se convirtió en la segunda mujer en entrar en el UK Music Hall of Fame y la revista Rolling Stone la posicionó en el puesto #9 dentro de los "100 mejores artistas de todos los tiempos"; un puesto que no está nada mal. Además fue la primera mujer en la lista.

El año siguiente el 13 de mayo de 2006 fue nombrada "doctora en música" del Berklee College of Music.
El 14 de mayo de 2007 fue nombrada "doctora en música" de la Universidad de Pennsylvania.

Como otras curiosidades el estado de Michigan declaró su voz como "tesoro natural", Es la persona más joven en recibir con su nombre un Kennedy Center Honor.
Fue la primera mujer negra en aparecer en la portada de la revista Time
.En 2008 fue elegida por la revista Rolling Stone como la mejor cantante de todos los tiempos.

Y además es la mujer con más Grammys de la historia, tras Alison Krauss.
Porque premios grammy tiene 19, nada más y nada menos. Y la mayoria de estos premios han sido por mejor actuación femenina. De hecho hubo una época entre 1967 y 1974 en los que Aretha no tuvo un año sin grammy.
Año Título Categoría Género
1967 Respect
Mejor actuación vocal femenina en solitario R&B
1967 Respect
Mejor grabación R&B R&B
1968 Chain of fools Mejor actuación femenina R&B
1969 Share your love with me Mejor actuación vocal femenina R&B
1970 Don't play that song Mejor actuación vocal femenina R&B
1971 Bridge over troubled water Mejor actuación vocal femenina R&B
1972 Amazing grace Mejor actuación soul gospel Gospel
1972 Young, gifted & black Mejor actuación vocal femenina R&B
1973 Master of eyes Mejor actuación vocal femenina R&B
1974 Ain't nothing like the real thing Mejor actuación vocal femenina R&B
1981 Hold on I'm comin' Mejor actuación vocal femenina R&B
1985 Freeway of love Mejor actuación vocal femenina R&B
1987 I knew you were waiting (George Michael) Mejor actuación vocal en dúo o grupo R&B
1987 Aretha Mejor actuación vocal femenina R&B
1988 One lord, one faith, one baptism Mejor actuación soul gospel Gospel
1991 Legend Award General
2003 Wonderful Mejor actuación vocal de R&B tradicional R&B
2006 A house is not a home Mejor actuación vocal de R&B tradicional R&B
2008 You never gonna change my faith Mejor colaboración de Gospel Gospel

MetallicA


Metallica nació en EEUU en 1980 cuando el danés Lars ,que había desarrollado una enorme afición por el heavy metal durante los '70, se trasladó junto con su familia a Los Ángeles. Su amor por la música le llevó a poner un anucio en una revista buscando guitarrista para formar un grupo, respondió James Hetfield,

Se unen a ellos McGovney y tras varios intentos de conseguir un encontraron a Lloyd Grant, con quien tocaron la primera demo de Metallica, Hit the Lights (1981). Lloyd, fue al poco tiempo sustituido por Dave Mustaine que sería despedido al cabo de un año por sus adicciones a las drogas. (Tras esto Mustaine fundó Megadeth, otro grupazo). Con Mustaine grabarían el tema Hit the Lights para el álbum Metal Massacre.

El nombre del grupo fue ideado por un amigo de Lars llamado Ron Quintana, quien barajaba «Metalmania» y «Metallica» como posibles nombres para un nuevo fanzine, podría decirse que Lars le robó el nombre.

El debut de Metallica en directo tendría lugar en 1982 en el club Radio City de Anaheim, donde se les nota la falta de experiencia sobre el escenario. Dos semanas más tarde abririan dos noches seguidas para los ingleses Saxon en el local Whiskey-A-Go-Go de Los Ángeles. Tras estas malas experiencias la banda piensa en contratar un cantante o un guitarrista para descargar a Hetfield de trabajo, pero eso no llevó a ningún puerto porque al final, tras tanta prueba se quedaron como estaban.

En el 82 salió ,por fin, sale Metal Massacre y no les gusta su sonido, por lo que decidieron regrabar su demo, esta vez titulada No Life 'til Leather

Con una agenda cada vez más apretada Metallica se planteaba sustituir a McGovney y a Mustaine que causaba problemas internos.
Aún con McGovney, la banda grabaría en el 82 un demo en directo en el The Waldorf de San Francisco, que recibiría el nombre de Live Metal Up Your Ass. El concierto tendría como teloneros a Exodus, cuyo guitarrista líder, un joven Kirk Hammett, causaría una gran impresión en James y Lars,
McGovney se va y Burton entra en Metallica con al condición de trasladar la banda a San Francisco nueva escena del Trash metal.

A principios de 1983 el mánager y promotor de conciertos Johnny Zazula (con la ayuda de su mujer) se puso en contacto con el grupo para ofrecerles un traslado a Nueva York, con la idea de organizar varios conciertos en la Costa Este y, si todo marchaba bien, grabar un álbum. Tras aceptar la oferta, Metallica inició el viaje el 1 de abril, y tras atravesar todo el país, fijaron su nuevo lugar de residencia en el Music Building de Nueva York, un edificio en el que cohabitaban con varias bandas de rock.
A los diez días de su llegada a Nueva York, la situación con Mustaine se hizo insostenible, con lo que Hetfield y Ulrich sorprendieron a un Mustaine recién despierto para anunciarle que estaba fuera del grupo y que en un breve plazo salía el autobús que habían reservado para su vuelta a casa.

En Metallica le sustituyó Kirk Hammett, alumno de Satriani, que introduciría un sonido más melódico, técnico y estilizado en Metallica. Tras un mes de ensayos, Metallica entraría finalmente el 10 de mayo en los «Music America Studios» para grabar su primer álbum cuyo tracklisting sería prácticamente igual que el de No Life 'til Leather, también se incluiría una versión del tema «The Mechanix», añadiendo nuevos riffs y rebautizándola como «The Four Horsemen»
El primer trabajo de Metallica sería lanzado en el mes de julio bajo el nombre Kill 'em All.

Incapaces de encontrar una compañía discográfica interesada en publicar el disco, se optó finalmente por la fundación de un sello propio, Megaforce Records. Se consiguió la cifra de 17.000 copias vendidas en las dos primeras semanas,17 y sobre todo, Kill 'em All contribuyó notablemente a extender la buena reputación de Metallica. Posteriormente, la cifra de copias vendidas del disco llegaría hasta las 300.000

Zazula organizaría un tour conjunto con Raven que los llevaría por todo Estados Unidos, en estos y otros conciertos de la fecha conseguirían la mayor audiencia hasta el momento.

Terminada la gira, Metallica entraría el 20 de febrero en los Sweet Silence Studios de Copenhague para la grabación de su segundo álbum Ride The Lightning, recayendo todo el peso de la producción en el ingeniero residente Flemming Rasmussen.
Con este nuevo trabajo, Metallica tendría que afrontar por primera vez críticas provenientes de sus propios fans ya que el álbum, supondría un gran cambio en el sonido de la banda, que se adentraba en terrenos mucho más melódicos y sinfónicos. Además se incluía la balada Face to Black.

Entre los conciertos que vendrían tras la grabación de este álbum hay que destacar el de Nueva York, donde tendrían un primer contacto con el sello Elektra Records, y en el que, tras el concierto, iniciarían las negociaciones con Peter Mensch y Cliff Burnstein de la agencia Q-Prime, la cual finalmente acabaría comprando el contrato de Metallica a Johnny Zazula

Elektra decide reeditar el reciente álbum e inician una nueva gira que les llevaría por Europa
Pasados dos años de gira, volvieron a los Sweet Silence Studios. De allí surgió Master of Puppets, uno de los discos más alabados dentro del heavy metal,1 cuya canción principal homónima está considerada por muchos fans como la mejor de Metallica. El disco ha vendido hasta la fecha más de 7 millones de copias en todo el mundo, a pesar de que sólo llegó en su día al puesto 29 del Billboard.

La gira de presentación del disco comenzó en verano de 1986 con el guitarrista rítmico John Marshall, ya que Hetfield se había roto el brazo en un accidente de skateboard. En dicha gira, esta vez en Europa y con Hetfield recuperado, el autobús de la gira circulaba por las carreteras suecas a las 6:15 horas de la mañana del 27 de septiembre, tiene un accidente en el que muere Cliff Burton.
Su muerte provocó la suspensión de la gira de la banda y la retirada de los tres miembros restantes para pensar al respecto de su futuro. Finalmente, y después de consultar a los familiares del desaparecido bajista, decidieron continuar con la carrera musical de la banda, y reclutaron al bajista Jason Newsted. Con él terminaron la gira europea.

En 1987 lanzarían un gran álbum de versiones de las bandas que les influyeron titulado Garage Days Re-Revisited para introducir a Newsted a los fans

Un año después lanzarían un nuevo disco, titulado ...And Justice for All. Es su álbum más oscuro, con un sonido dominado por ritmos de batería densos y muy acelerados, de gran complejidad. Pese a lo que podría parecer, es un trabajo más melódico que sus predecesores, con un ambiente negativo, y unas letras más cercanas a la crítica social, política e incluso ecológica .Destacan los temas «One» (canción con el primer videoclip grabado por la banda, recogiendo escenas de la película Johnny cogió su fusil;22 con este videoclip, o «To Live Is to Die» (dedicado a Cliff Burton. El álbum ha vendido hasta la fecha más de 8 millones de copias
Gracias a este trabajo, Metallica recibe su primera nominación a los premios Grammy en 1989, en la categoría de Mejor Interpretación Vocal o Instrumental de Hard Rock/Metal

Su siguiente trabajo, llamado Metallica pero mejor conocido como The Black Album, considerado por la crítica como la obra maestra de Metallica, se haría esperar hasta el año 1991. Fue producido por Bob Rock. «Nothing Else Matters», vendió más de 500.000 copias en su primera semana en EE. UU., llegando al primer puesto en la lista del Billboard algunos temas a destacar son Enter Sandman y «Nothing Else Matters», El álbum vendió más de 500.000 copias en su primera semana en EE. UU., llegando al primer puesto en la lista del Billboard

Posteriormente, la banda realizó la gira Wherever I may roam, que duró 2 años y un tour junto a Guns n' Roses. Durante la gira, el 8 de agosto de 1992 en Montreal, Canadá, la actuación de Metallica terminó abruptamente cuando durante la canción «Fade To Black» un fuego artificial explotó debajo de James Hetfield, dejándolo con graves quemaduras.

Más tarde editaron dos discos consecutivos titulados Load (1996) y ReLoad (1997), de estilos idénticos entre sí ya que estaban pensados para formar un mismo álbum doble, están totalmente dominados por un sonido que muchos antiguos seguidores consideraron como comercial y muy suavizado con letras más suaves, más cercano al rock alternativo que triunfaba en aquella época. Quizás el cambio más llamativo para sus fans fue el cambio de imagen: se cortaron las melenas y cambiaron el fácilmente reconocible logotipo que identificaba a Metallica.
En los premios Grammy entraron por primera vez en la categoría Heavy Rock.

El 1998 realizarían un nuevo trabajo similar a Garage Days Re-Visited titulado Garage Inc., aunque esta vez sería un álbum doble de versiones de temas de estilos bastante diversos que influyeron a la banda en su ya dilatada carrera

Al año siguiente (1999) grabarían en un concierto en directo, titulado S&M, en colaboración con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, dirigida por Michael Kamen.

En abril de 2000, Metallica demandó a Napster, la compañía creadora del programa homónimo que permitía el intercambio de música en formato MP3, por violación de los derechos de autor. La polémica cesaría en julio de 2001, al aplazar la banda todas las denuncias contra Napster alegando que estaba haciendo más mal que bien a la imagen del grupo.

En 2001 el bajista Jason Newsted, abandonaría Metallica alegando desgaste físico y motivos personales. Tras un largo casting en busca de sustituto, se contrataría a Robert Trujillo.

Antes de la entrada de Trujillo, la banda había grabado el álbum St. Anger, con Bob Rock nuevamente en el puesto de productor. Este último toca el bajo debido a las dificultades para encontrar un nuevo bajista. Como peculiaridades del disco destaca la ausencia absoluta de solos de guitarra, y un sonido de la batería totalmente novedoso e igualmente polémico. Mucha gente dice que este es el peor álbum de Metallica.

En el 2004 se lanzaría el documental Some Kind of Monster, que narra la producción del St. Anger en medio de discusiones y problemas luego de la salida de Jason
En el 2006, la banda realizó el tour Escape from the studio 06, en el que tocaron el disco Master of Puppets entero en conmemoración de su vigésimo aniversario.

El 4 de diciembre del 2006 fue lanzada una compilación de todos sus vídeos desde 1989 hasta 2004, titulada The Videos
La banda comenzó a grabar el álbum Death Magnetic el 14 de marzo de 2007. Éste cuenta con Rick Rubin como productor, reemplazando a Bob Rock,

THE SUGARCUBES, el gran grupo de BJÖRK

The Sugarcubes fueron una banda de pop-rock islandesa que en sus apenas 6 años de vida, (de 1986 a 1992), fueron aclamados por la crítica y el público en el Reino Unido y en Estados Unidos.

El 8 de junio de 1986 es la fecha oficial del nacimiento de Sykurmolarnir que finalmente sería traducida a su equivalente en inglés: The Sugarcubes (“Los Terrones de Azúcar”). 8 de Junio de 1986, el mismo día en que Björk dio a luz a Sindri Eldon Þórsson.

En ese momento Þór Eldon, padre de la criatura y Einar Örn estaban al frente de una nueva organización llamada Smekkleysa u oficialmente conocida como Bad Taste, un sello discográfico contracultural que fomentaba el trabajo artístico de jóvenes islandeses

Bad Taste dio lugar a la formación de un grupo de rock-pop con Björk (voz y teclados), Siggi Baldursson(bateria),Einar Örn(voz y trompeta), Einar Melax (teclados), Þór Eldon(guitarra) y Bragi Ólafsson(bajo); Einar Melax sería reemplazado más tarde por Margrét Örnólfsdóttir en teclados.

El single "Birthday" hizo famosa la característica voz de la cantante Björk.


Esta canción que hoy escuchamos, se convirtió en un gran éxito en Inglaterra, impresionando por el surrealismo de la letra y el extravagante sonido general. Melody Maker eligió Birthday como single de la semana y halagó su arquitectura sonora. Otros medios sacaron a Sugarcubes en portada, como New Musical Express y la desaparecida Sounds.De esta manera ganaron popularidad en el Reino Unido y EEUU.

Las ofertas de discográficas empezaron a llegar. Entonces y la banda firmó con One Little Indian .


The Sugarcubes grabó su primer álbum, Life's Too Good, en 1988. Este album les llevó a ser la primera banda islandesa conocida mundialmente. Su sonido es una gran mezcla de estilos y colores desde el pop al funk, pasando por el rock e incluso el jazz, un referente indie de finales de los 80s. Este album vendió 150.000 ejemplares en Reino Unido y 500.000 en EEUU.


Mientras tanto, dentro del grupo surge la telenovela: después de separarse de Björk, Þór Eldon se casa con la tecladista, Magga Örnólfsdóttir. Siggi Baldursson (bateria) y Bragi Ólafsson (bajista) se casan con unas hermanas gemelas y más tarde, el mismo año, surge la noticia de que Einar Örn (trompetista) y Bragi se habían casado en Dinamarca amparados por la ley a favor del matrimonio gay. En realidad esto fue una conversación en broma entre y fue accidentalmente distribuida por la oficina de prensa de la discográfica.

La suerte de los Sugarcubes se acaba en 1989 cuando lanzaron su segundo álbum llamado Here Today, Tomorrow, Next Week!, título que proviene de una frase del libro El viento en los sauces, de Kenneth Graeme. Este y el album del mismo año Illur Arfur, fueron trabajos en los que los Sugarcubes estacaron su sonido. Aunque en mi opinión se salvan temas como Planet .

Mientras los Sugarcubes se derrumban, Björk se embarca en otros proyectos participó en otros proyectos adicionales.

Los Sugarcubes caen en un periodo de inactividad hasta que vuelven a reunirse en Nueva York junto al productor Paul Fox para preparar su siguiente álbum Stick Around For Joy, editado en febrero de 1992 y precedido por el single “Hit”.

Stick Around For Joy es el álbum más famoso con el cual Björk se daría a conocer definitivamente en la escena musical británica, pero a pesar del éxito alcanzado, las tensiones aumentaron entre Björk y Einar Örn y para finales de ese año, sale a la venta un álbum con remixes titulado It's-It, el último lanzamiento antes de que la banda se separe. Este disco tiene la colaboración de DJs como Todd Terry, Justin Robertson y Marius De Vries.

lunes, 12 de abril de 2010

Listado De Temas Programa 23 Especial Toy Dolls:



1 Theme Tune - Toy Dolls - Did That Groove, Baby? - Volume Records - 1983.

2 Did That Groove, Baby? - Toy Dolls - Did That Groove, Baby? - Volume Records -
1983.

3 I´ve Got Asthma - Toy Dolls - Ten Years Of Toys - Nit Records - 1989.

4 She Goes To Finos - Toy Dolls - A Far Out Disc - Volume Records - 1985.

5 Wipe Out! - Toy Dolls - A Far Out Disc - Volume Records - 1985.

6 Idle Gossip - Toy Dolls - Idle Gossip - Volume Records - 1986.

7 Misirlou - Dick Dale - Surfer´s Choice - Deltone - 1962.

8 Nelly The Elephant - Toy Dolls - Did That Groove, Baby? - Volume Records - 1983.

9 Livin´ La Vida Loca - Toy Dolls - Anniversary Anthems - Receivers Records - 2000.

10 Drooling Banjos - Toy Dolls - Absurd Ditties - Receivers Records - 1993.



11 End Of An Era - Mu, The Band From The Last Continent - The Complete Maui Sessions - Xotic Mind - 1974.

12 Blue Form - Mu, The Band From The Last Continent - The Complete Maui Sessions - Xotic Mind - 1971.