lunes, 27 de diciembre de 2010

James Taylor, primeros años.

Aaaah! Qué gran época los 60-70 para los cantautores reflexivos, folk, con toques de country y cierto sabor a blues…

Hoy, traemos hasta sus oídos a James Taylor, que con 0 años de edad nació en Boston (Massachusetts)el 12 de marzo de un 1948.
Su padre Isaac, era médico y su madre Trudy, una cantante de ópera que animó a sus hijos 5 a dedicarse a la bella profesión de la música. Y lo que Trudy Taylor se propone Trudy Taylor lo consigue porque:
James sin duda triunfó como es evidente, pero también sus hermanos Livingston, Alex y Kate hicieron sus pinitos en la industria musical del cantautor de los 70, Hugh esperaría haciendo los coros a sus hermanos hasta los 90 cuando dio su salto a la industria.
Este gran apoyo en el terreno musical ,de sus padres hizo que James Taylor empezara a estudiar cello, que al final acabaría cambiando por la guitarra acústica.

En 1951 la familia Taylor se trasladó de Boston a Chapel Hill en el estado de Carolina del Norte, donde su padre daba clase en la Universidad.
Poco después, enviaron a James a estudiar cerca de Boston pero este dejó sus estudios y formó un dúo con Danny Kootch Kortchman, con quien comenzó a actuar en público y con quien ganó un concurso de talentos locales en 1963 gracias a su pasión compartida por el folk.

En 1964 en un arrebato de fiebre Beatle, James Taylor, formó un grupo con su hermano Alex y Zach Wiesner llamado The Fabulous Corsairs
Pero, una fuerte depresión hizo que en 1965, James tuviera que ser internado en el Hospital Psiquiatrico McLean donde aprovechó para terminar sus estudios secundarios.

En 1966, ya recuperado, volvió a formar un grupo, esta vez con más éxito. En el grupo al que llamaron The Flying Machine, se juntó con su amigo Kootch y con Joel O’Brien .
Grabaron el single Night Owls y varias canciones más que serían recogidas en el álbum “James Taylor and The Original Flying Machine” de 1967
En esta época James, como otros tantos sufrío una intensa drogodependencia con heroína que le llevo a la necesitad de desintoxicarse y a ser ingresado de nuevo en un sanatorio.
Sin embargo en 1968 llegan las alegrías, pues James Taylor que había hecho una entrevista con Paul Mc Cartney y había presentado su trabajo a Apple Records, consiguió que la productora lanzase su primer LP en solitario, titulado James Taylor y que Asher le produjera y representara.
Este álbum recupera temas de The Flying Machine y composiciones nuevas que hoy son clásicos como Carolina in my Mind que estamos escuchando. En este álbum Paul McCartney colaboró como bajista.



El LP paso inadvertido en la época pero gracias a él, consiguió un buen número de conciertos en EEUU. Pero tristemente algunos de ellos tuvieron que ser cancelados por un accidente de moto sufrido por James Taylor, en el que se rompió los huesos de las manos.

Leño

Leño fue un grupo de rock madrileño del género llamado urbano.
Fue creado en 1978 por Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal, que tras el primer disco fue sustituido por Tony Urbano, y se disolvió en octubre de 1983. Y duraron poquito pero fueron matones porque yo creo que todo el mundo los recuerda con cariño.

*Dibujo del compañero Víctor Hugo

Dicen que Leño nació de una discursión entre los componentes de Ñu en la que Rosendo dijo aquello de:"Chico, hasta aquí hemos llegado...".


Lo cierto es que Leño debutó en la sala Alcalá Palace el 12 de febrero como teloneros de Asfalto, con cuatro temas propios.
En mayo se publicó el sencillo "Este Madrid/Aprendiendo a escuchar", y en marzo del 79 y tras muchos conciertos, se lanza el primer disco de Leño, gravado y mezclado en tan sólo 70 horas.
Tras este disco, el bajista, Chiqui Mariscal, abandonó el grupo siendo sustituido por Tony Urbano, que grabó el último tema del álbum: “El tren” .



Viajaron por toda España dando conciertos en muchos festivales, en compañía de otros grupos míticos de la época como COZ, ÑU, ASFALTO, BLOQUE…además en la radio sonaba la música española y fue un buen momento para ellos.


Con 1980 llegó la movida madrileña y con ella las ventas de discos y las apariciones en televisión.
En julio de este mismo año 1980 grabaron "Más Madera", con Teddy Bautista a los teclados. “Más Madera” tiene un sonido que se acerca más al pop.y según Rosendo: suena muy mal porque se hizo muy deprisa
Los conciertos y las actuaciones en directo no tuvieron teclados y según algunos dieron lo mejor de Leño en aquélla época. Quizá por esto en 1981 se grabó "En directo": el disco en el que se inmortalizaron las noches del 25, 26 y 27 de marzo en el barrio de Tetuán (Madrid). Esta vez se introdujo el saxofón de Manolo Morales y los coros de una desconocida por aquel entonces desconocida Luz Casal. A pesar del sonido directo y de que sólo tenía 4 canciones inéditas. “En directo” fue el álbum más vendido de Leño.

En mayo de 1982 Leño grabó su tercer disco, "Corre, corre", en Londres bajo la producción de Carlos Narea. Un álbum que sonaba más serio y más duro. Con singles pegadizos que fueron muy radiados en España.



El último verano de Leño fue 1983 en la gira de 34 noches, que organizó Miguel Rios,que estaba en su máximo apogeo con Rock&Ríos
Y en octubre de 1983, en lo mejor de su carrera, según los fans, Leño se disolvió. Según sus miebros, habían llegado a un callejón sin salida.
Fue un golpe duro para la música española, hasta tal punto que el diario ABC se hizo eco de ello publicando: "El grupo de rock con más carisma que haya salido nunca de los barrios madrileños se disuelve definitivamente.”
Quizá fue esa disolución prematura la que creó leyenda, un grupo de culto.

Y bueno, por si no sabéis que pedir a los reyes magos este año… os recuerdo los álbumes de Leño. Apuntad en la carta:
• Leño - 1979
• Más madera - 1980
• En Directo - 1981
• ¡Corre, corre! - 1982
• Vivo '83 - 2006
Y los recopilatorios:
• Maneras de vivir - 1997
• Indirecto - 1992
• Nos va la marcha (Banda sonora) - 1978
• Bajo la corteza: 26 canciones de Leño (Tributo) - 2010

Ala, a pasarlo muy bien escuchando Leño.

La Bauhaus

La Bauhaus, es la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
El nombre Bauhaus es una palabra compuesta alemana. Las 2 palabras son Bau, que significa "de la construcción", y Haus, que significa "casa"; pero en los primeros años no tuvo departamento de arquitectura.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones partían de la idea de una necesidad de reforma de las enseñanzas artísticas. Estas enseñanzas eran vistas como la base para una transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, con la búsqueda de un espacio para una función o finalidad y la incorporación de una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: Muchísimas de las obras de la Bauhaus han sido declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La escuela Bauhaus tuvo 3 fases bien diferenciadas:

La Primera época va de 1919 a 1923 En primer lugar quiero explicar que el manifiesto Bauhaus buscaba la recuperación de la artesanía y elevarla al nivel de bellas artes.
La escuela Bauhaus se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Los alumnos comenzaban con un curso preliminar para liberarse de las convenciones y despertar sus dotes personales, con orientación espiritual. Tras este curso los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, así que salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería…
El taller de teatro era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario…
Paul Klee llegó a la escuela en 1920, y en 1922 Kandinsky.
Esta primera etapa termina con la necesidad de cambiar de sede la escuela por culpa de la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau.


Aquí comienza la segunda etapa que va de 1923 a 1925
A partir de 1923, y con mucha influencia de Theo van Doesburg, fundador del neoplasticismo holandés, se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad. La Nueva Objetividad es un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio. Este estilo se estaba ya imponiendo en toda Alemania. En esta etapa también se nota la incorporación de László Moholy-Nagy que supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura.

La Tercera época va desde 1925 hasta 1933
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Después de la presión que ejercen el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
Pero a pesar de ellos en 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos. Donde viviría en la clandestinidad hasta 1934.

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus se marcharon a Estados Unidos, donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría.
Además en 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, fundó la Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

miércoles, 22 de diciembre de 2010

RM: Danny Kortchmar y esa especie en peligro de extinción...


Lo normal es destacar la figura de flamantes héroes de la guitarra y encumbrados dioses del micrófono, pero en este espacio -si no os habéis percatado ya-, vamos por otros caminos así que hoy me gustaría rendir tributo a Danny Kortchmar, Kootch para los amigos.

A muchos -los que no se compran los discos originales o tienen la fea costumbre de no leer con detenimiento los créditos- este nombre les sonará a chino, pero si hacemos la prueba de buscar en la discoteca y digo unos cuantos nombres de personas con las que Danny ha colaborado y trabajado de forma íntima, cercana e importante, es posible que la opinión se les cambie...
Pues bien, Danny Kortchmar, durante sus 64 años ha aportado su talento para artistas como el espléndido protagonista de hoy, James Taylor, en varios discos que van desde sus primeros pasos con la Original Flying Machine hasta los siguientes álbumes, que ya alcanzaron gran éxito como Sweet Baby James o Gorilla.

Pero ahí no acaba la cosa: desempeñando labores de guitarrista, compositor y productor, Danny ha colaborado con un sinfín de artistas más, relacionados gran parte de ellos con toda esa tropa americana que tanto me gusta: el californiano Jackson Browne en el curioso álbum en directo del 77 Running On Empty; la parejita formada por David Crosby y Graham Nash; la extraordinaria cantante Linda Rondstadt; el Eagle Don Henley o Carole King en su maravilloso disco Tapestry pudieron contar con la presencia de Danny en sus trabajos… Y la lista continúa, pero no vamos a dar la lata mucho más...



Danny Kortchmar es un guitarrista y un músico tan centrado en su carrera de apoyo a otras personas, que a lo largo de su dilatada carrera únicamente podemos contar con dos obras a título individual: "Kootch" del año 73 e "Innuendo" del 80, y no creo que esta escasez discográfica se deba a su falta de talento, sino más bien a que, aunque parezca inconcebible en los tiempos que corren hoy día, hubo y sigue habiendo gente que prefiere desarrollar su carrera sin dar la nota, a pasos cortos pero seguros y sin la inmediatez de éxitos vacuos,... Una forma de pensar y actuar que me parece encomiable.


Pero todo esto tiene su otro lado, y aunque es bien cierto que Danny y su guitarra ocupan una posición muy secundaria en cuanto a popularidad y reconocimiento por parte del gran público, esto no le gozar de un gran estatus y del cariño y la confianza dentro del mundo del "artisteo" americano, pues su presencia en los estudios de grabación asegura calidad a raudales y un sonido de lujo (hay que decir que es de esos guitarristas de pocas notas, pero bien puestas en su sitio). El hecho de que allá donde esté Kortchmar siempre suene buena música me parece la mejor señal de todas.


Pues ahí queda este pequeño reconocimiento a un músico profesional donde los haya y que forma, por méritos propios, parte de la Historia de la música popular americana y mundial.
Despidámonos de él con un tema perteneciente a su primer álbum, "Kootch". Con todos ustedes, la balada "You´re So Beautiful" :

Se recomienda escuchar esta canción acompañado o acompañada de la persona que le haga a uno o a una tilín y tolón:)

Listado de Temas Programa Especial James Taylor:


"Winter Wonderland" - Darlene Love - A Christmas Gift For You - Capitol - 1965.

"Fire And Rain" - James Taylor - Sweet Baby James - Warner - 1970.

"How Sweet It Is (To Be Loved By You)" - James Taylor - Gorilla - Warner - 1975.

"Mexico" - James Taylor - Gorilla - Warner - 1975.

"You´ve Got A Friend" - James Taylor - Mud Slide Slim - Warner - 1971.

"Handy Man" - James Taylor - JT - Columbia - 1977.

"Walking Man" - James Taylor - Walking Man - Warner - 1974.

"Our Town" - James Taylor - BSO Cars - Watl Disney - 2006.

"Carolina In My Mind" - James Taylor - James Taylor - Apple - 1968.

10º "Sweet Baby James" - James Taylor - Sweet Baby James - Warner - 1970.

11º - James Taylor - JT - Columbia - 1977. "Your Smiling Face"

12º "For Sentimental Reasons" - Danny Kortchmar - Kootch - Warner - 1973.

13º "You´re So Beautiful" - Danny Kortchmar - Kootch - Warner - 1973.



Mi canción favorita de este señor.

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Rarezas Musicales Programa Leño/Rosendo:

¡Hola a todos los que por aquí se están pasando! Aquí, en Rarezas Musicales, vamos a dejar de lado por un momento a los grandes héroes clásicos del rock español en todas sus variantes como Miguel Ríos, Burning, Ñu, Leño y Rosendo, Barón Rojo,... y vamos a rescatar del olvido a una formación bastante interesante: Zarpa.

Estos valencianos, siendo todavía unos adolescentes, se unieron a mediados de los 70, con la única pretensión de tocar juntos y pasar un buen rato,.. Pero lo que no sabían es que poco tiempo después, eso sí, con trabajo duro e incontables horas de ensayo, lograrían convertirse en una banda pionera del Hard Rock en España.

Ya en 1978, tras unos cambios en la formación, decidieron entrar en un estudio y grabar lo que iba a ser su primer álbum: Los 4 Jinetes del Apocalipsis. Un trabajo plagado de colosales y penetrantes guitarras, de demoledores ritmos y de letras subversivas que trataban con ánimo crítico diversas cuestiones como la guerra, la contaminación, la insolidaridad..., aspectos todos ellos que tenían y tienen como denominador común los comportamientos más irracionales y negativos del ser humano.

La verdad es que este debut discográfico se realizó en unas condiciones técnicas totalmente pésimas y adversas. Pongamos unos ejemplos:
Para esa sesión de grabaciones los músicos tocaron todos a la vez, algo más o menos normal, pero lo hicieron en unas cabinas aisladas que dificultaban e impedían el contacto visual entre los distintos miembros, por lo que sólo pudieron tocar de oídas –poniendo trabas al buen entendimiento y coordinación musical-… Además, para más desgracia, resulta que los técnicos que trabajaron con ellos no habían grabado Rock en su puñetera vida, así que os podéis hacer una idea del esfuerzo titánico que Zarpa tuvo que hacer para poder ver decentemente su disco en la calle…

Pasado un tiempo y olvidado todo ese calvario, los chicos de Zarpa lograron establecerse como un grupo de culto, aunque ya claramente orientados hacia el Heavy Metal más propio de los 80, tal y como suena por ejemplo en el disco Herederos de un Imperio de 1982, así que nosotros vayamos a los orígenes de nuevo…

Como es lógico, con el paso de los años, el álbum Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis del 78 quedó descatalogado y relegado al olvido, convirtiéndose en un mito o una leyenda, en algo similar al Santo Grial, a la Piedra Filosofal o a una caza de gamusinos debido a la imposibilidad de hacerse materialmente con él, pero la gente de Guerssen Records, un sello discográfico y distribuidor catalán especializado en rarezas, antigüedades y cositas buenas, se encargó en 2007 de reeditar este discazo para solaz y disfrute de los paladares más exigentes.

Tras este merecido minitributo y reconocimiento a uno de los nombres más ilustres y en cierta medida desconocidos del Rock Duro español, ahí os dejamos con Zarpa y el tema que dio nombre a su disco ¡Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis!:


Hoy no hay un listado del programa 44 Especial Leño/Rosendo:

Sino simple y únicamente el guión del programa:

sábado, 11 de diciembre de 2010

Bruce Springsteen, primeros años

Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli nació en Long Branch, Nueva Jersey, el 23 de septiembre de 1949 y pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey.
Su padre, fue un conductor de autobús de ascendencia germana e irlandesa. Su madre, era una secretaria con antepasados italianos.

Springsteen fue educado en un ambiente católico y asistió a la escuela parroquial, donde su temperamento chocó con la moral del colegío y con los estudiantes. Se trasladó de colegio en varias ocasiones donde siguió teniendo un carácter disconforme. Hasta se negó a asistir a su propia ceremonia de graduación
Viendo a Elvis Presley en la televisión a Springsteen decidió que quería ser músico y con sólo 13 añitos y 18 dóllares, se compró su primera guitarra

En 1965, empezó a tocar con el grupo The Castiles, donde tocaba la guitarra y cantaba. Con ellos grabó un par de temas y dio algunos conciertos
A finales de los años 60, participó en el trío Earth donde le pusieron el sobrenombre que le ha acompañado durante toda su carrera: “The Boss”. Le llamaban el jefe porque era él quien se encargaba de los pagos al grupo y la repartición del dinero.
Entre 1969 y 1971, Springsteen dio algunos conciertos en el entorno de Nueva Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill cuando entró el el grupo el guitarrista Robbin Thompson.
En enero de 1970, el crítico musical del San Francisco Examiner Philip Eldwood dijo de Steel Mill: "Nunca he estado tan abrumado por un talento totalmente desconocido".
Durante este periodo de tiempo, Springsteen también ofreció conciertos en clubes de Asbury Park, con un grupo de fieles músicos al que se sumó el pianista David Sancious- Este grupo de músicos más tarde se convertiría en la E Street Band que ya contaba con sección de viento, grupo vocal femenino, armónica…
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond, quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes.
Su álbum debut fue, Greetings from Asbury Park, N.J., publicado en enero de 1973, y estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Su música sonaba a folk rock en temas como "Blinded by the Light" y "For You", la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan o Van Morrison.
El tema "Spirit in the Night" mostraba especialmente la influencia de Van Morrison en Springsteen, mientras que "Lost in the Flood" supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.


En septiembre de 1973 lanzó su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band sacando un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
El 22 de mayo de 1974, el crítico musical Jon Landau que se convertiría en su representante y productor, escribió en The Real Paper de Springsteen: "Vi el futuro del rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen. Y en una noche en la que necesité sentirme joven, él me hizo sentir como si escuchara música por primera vez".

Ya con Landau Springsteen, finalizó su nuevo trabajo, Born to Run que a pesar de contar con un elevado presupuesto con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Durante este tiempo, Springsteen se sintió frustrado y su principal ayuda fue Steve Van Zandt, quien ayudó a Bruce a organizar el sonido, especialmente en la sección de vientos. Quizá fue esta ayuda la que hizo que Van Zandt, entrara a formar parte de la E Street Band.


miércoles, 1 de diciembre de 2010

Rarezas Musicales Programa Bob Dylan:

Supongo que a vosotros os habrá pasado lo mismo, que por fin escucháis determinado disco y de repente, éste se convierte en una especie de hito importante en tu vida, hito que marca un antes y un después en tu existencia... Pues eso, justamente eso me ocurrió a mí al hacer caso a las recomendaciones de amigos, de revistas, de páginas especializadas de internet… -bueno, de todo el mundo básicamente- y me hice con Blood On The Tracks, de Bob Dylan.

De Bob tenía ya varios álbumes más en casa, como por ejemplo su primer álbum de debut cuando a penas superaba los 20 años, el Blonde On Blonde, o Dylan And The Dead -con los legendarios Grateful Dead de Jerry García-. Pero sabiendo que Dylan era más grande que la vida, notaba que todavía no había llegado a conocer su obra máxima, su cumbre. Y por fin llegó el momento con Blood On The Tracks...

Años y años oyendo elogiosas críticas de este álbum… Con desconfianza (por las dulces y empalagosas palabras que recibía este trabajo, no por él, claro está) me lo compré y ahora lo comprendo todo:Es esta una obra que surge de las mismísimas entrañas, sincera y espontánea como pocas...Duele escuchar cómo en las canciones "If You See Her" o "Idiot Wind" entre otras, Bob se abre al mundo y nos revela su vida, -entonces bastante turbulenta en cuanto a su relación matrimonial-, ensalzada con un sobrio y a la vez enorme tratamiento musical.
Pero la canción que más me impactó fue "You´re a Big Girl Now": el reconocimiento de un amor que ya está perdido. Para la gestación de este disco, Bob Dylan se dedicó a mostrar las cintas de las composiciones que estaba preparando a sus amigos y familiares, llegando a grabar varias versiones de un mismo tema. Las canciones que Bob publicó en el año 75 son las que finalmente se regrabaron en Minneapolis, apoyado por la banda de su hermano David, pero en el olvido quedaron las grabaciones originales que se realizaron en la ciudad de Nueva York...Y de esas sesiones neoyorquinas, desechadas, pero que han llegado a nosotros disponibles en forma de pirata, vamos a rescatar la canción que ya he dicho es mi favorita, en una versión aún más desnuda y descarnada …

Bob Dylan - Blood On The Tracks The New York Sessions - "You´re A Big Girl Now":

Listado de Temas Programas 41 y 42 Especial Bob Dylan:


Listado 1:

"Blowin´ In The Wind" - Bob Dylan - The Freewheelin´ Bob Dylan -
Columbia - 1963.
"Hurricane" - Bob Dylan - Desire - Columbia - 1976.
"Subterranean Homesick Blues" - Bob Dylan - Bringing It All Back
Home - Columbia - 1965.
"All Along The Watchtower" - Bob Dylan - John Wesley Harding -
Columbia - 1967.
"Masters Of War" - Bob Dylan - The Freewheelin´ Bob Dylan -
Columbia - 1963.
"Knockin´On Heaven´s Door" - Bob Dylan
"Oh Sister" - Bob Dylan - Desire - Columbia - 1976.
8º "Don´t Think Twice, It´s All Right" - Bob Dylan - The Freewheelin´
Bob Dylan - Columbia - 1963.
"Like A Rolling Stone" - Bob Dylan - Highway 61 Revisited -
Columbia - 1965.
10º "I Want You" - Bob Dylan - Blonde On Blonde - Columbia - 1966.
11º "Lay, Lady, Lay" - Bob Dylan - Nashville Skyline - Columbia -
1969.
12º "Simple Twist Of Fate NYS" - Bob Dylan - Blood On The Tracks
New York Sessions - 1974/75.
13º "You´re A Big Girl Now" - Bob Dylan - Blood On The Tracks New
York Sessions - 1974/75.
14º "The Times They Are A-Changin´" - Bob Dylan - The Times They´re
A Changin - Columbia - 1964.
15º "Mr Tambourine Man" - Bob Dylan - Bob Dylan - Bringing It All
Back Home - Columbia - 1965.

Listado 2:

“Dignity” – Bob Dylan – Oh Mercy – Columbia – 1995.
2º “Not Dark Yet” – Bob Dylan – Time Out Of Mind – Columbia – 1997.
“Tweedle Dee and Tweedle Dum” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
“Things Have Changed” – Bob Dylan – Tell Tale Signs – Columbia – 2008.
“Sugar Baby” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
“Mississippi” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
“Cry A While” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
“Bye and Bye” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
9º “Po´ Boy” – Bob Dylan – Love and Theft – Columbia – 2001.
10º “Little Miss Freedom” – Mike Stevens – No Savage World – Deroy – 1975.
11º “Runaround” – Mike Stevens – No Savage World – Deroy – 1975.

E.mail

Si tienes dudas ruegos o preguntas, o simplemente quieres contactar con nosotros:

viernes, 26 de noviembre de 2010

Listado de Temas Programa 39 y 40 Especial Bruce Springsteen:


Primer Programa:

"Human Touch" - Bruce Springsteen - Human Touch - Columbia - 1992.
"Born To Run" - Bruce Springsteen - Born To Run - Columbia - 1975.
3º "Rosalita" - Bruce Springsteen - The Wild, The Innocent And The E Street Shuffle -
Columbia - 1973.
"The River" - Bruce Springsteen - The River - Columbia - 1980.
"Atlantic City" - Bruce Springsteen - Nebraska - Columbia - 1982.
"Dancing In The Dark" -
Bruce Springsteen - Born In The USA - Columbia - 1984.
"Tunnel Of Love" - Bruce Springsteen - Tunnel Of Love - Columbia - 1987.
"Born In The USA"
- Bruce Springsteen - Born In The USA - Columbia - 1984.
"Growin´Up" - Bruce Springsteen - Greetings From Asbury Park - Columbia - 1972.
10º "Goin´ Back To Georgia" - Steel Mill - At Matrix (San Francisco) - 1970.

Segundo Programa:

"What Love Can Do"
- Bruce Springsteen - Working On A Dream - Columbia - 2009.
"The Rising" - Bruce Springsteen - The Rising - Columbia - 2002.
"Radio Nowhere" - Bruce Springsteen - Magic - Columbia - 2007.
"Human Touch"
- Bruce Springsteen - Human Touch - Columbia - 1992.
"Streets Of Philadelphia"
- Bruce Springsteen - BSO Streets Of Philadelphia -
Columbia - 1994.
"The Wrestler" - Bruce Springsteen - Working On A Dream - Columbia - 2009.
"My Lucky Day"
- Bruce Springsteen - Working On A Dream - Columbia - 2009.
"O Mary Don´t You Weep"
- Bruce Springsteen - We Shall Overcome: The Seeger
Sessions - Columbia - 2006.
"Dry Lightning" - Bruce Springsteen - The Ghost Of Tom Joad - Columbia - 1995.
10º "Mother Nature" - Don McLean - American Pie - Capitol - 1971.
11º "The Grave" - Don McLean - American Pie - Capitol - 1971.
12º "Babylon" - Don McLean - American Pie - Capitol - 1971.

jueves, 25 de noviembre de 2010

Kraftwerk

Kraftwerk, la central de la electrónica Alemana fue fundada en 1970 por Florian Schneider a los mandos de flautas, sintetizadores y violín eléctrico, y Ralf Hütter con el órgano eléctrico y más sintetizadores. Los dos se conocieron en el conservatorio de Düsseldorf en los años 60, y participaban en la escena musical experimental de Alemania.
La prensa británica musical llamó a este género "Krautrock".


Florian y Ralf tocaban en un quinteto llamado Organisation que lanzó un álbum llamado Tone Float, pero pronto fue disuelto.
Así que Florian y Ralf formaron Kraftwerk y estuvieron unos 4 años tocando con varios músicos para grabar sus 3 primeros álbumes y para los conciertos en vivo. Algunos de los músicos que más destacan son Klaus Dinger, posterios batería de Neu! Y el guitarrista Michael Rother.

Durante estos primeros años el sonido de Kraftwerk estuvo muy marcado por la influencia de Konrad “Conny” Plank, el productor e ingeniero que les consiguió el sonido por el cual su estudio Plank, en Colonia, se haría tan conocido y estaría tan solicitado en los años 70.

En 1974, con el lanzamiento de su álbum Autobahn, el sonido de Kraftwerk cambió. Aún siendo trabajo de Conny Plank, el sonido es distinto, quizá por el uso de nuevas tecnologías como el minimoog.


Este álbum les dio un gran éxito comercial y el grupo decidió conservar a sus productores y colaboradores como el diseñador grafico Emil Schult
Autobahn les llevó a hacer una gira en 1975 en la que Kraftwerk fue presentado como un cuarteto forado por Hütter y Schneider con Wolfgang Flür y Karl Bartos percusionistas electrónicos.

Tras el tour, Kraftwerk empezó a trabajar en un siguiente álbum, Radio-Activity, tras la gran inversión para un nuevo equipamiento, su estudio Kling Klang fue ya un estudio de grabación entero.
Radio-Activity no alcanzó el éxito del anterior álbum en América y el mercado británico, pero obtuvo un disco de oro en Francia.

Kraftwerk realizó varios videos y actuaron en varias ciudades europeas. a su predecesor y fue menos exitoso en los mercados británicos y americanos. Pero abrió las puertas al grupo en el mercado europeo, obteniendo un disco de oro en Francia. Kraftwerk realizó varios vídeos promocionales y actuo en varias fechas europeas para promocionar su álbum.

En 1976, Kraftwerk comenzó a grabar Trans-Europe Express en su estudio. Un momento de nueva innovación técnica en el estudio de Kling Klang. Hütter y Schneider habían comisionado Matten & Wiechers, un estudio de Bonn, basado en sintetizadores, para diseñar y construir un secuenciador musical de dieciséis pistas. El secuenciador musical controlaba el MiniMoog del grupo, creando el sonido rítmico del álbum. Trans-Europe Express fue mezclado en Record Plant Studios en Los Ángeles

Fue por aquel entonces cuando Hütter y Schneider se encontraron con David Bowie en el estudio de Kling Klang y Kraftwerk había sido ofrecido para acompañar a Bowie en la gira Station to Station, pero la rechazaron. En fin… yo no lo hubiera hecho pero…
El álbum fue lanzado en 1977, Trans-Europe Express marcó la transformación completa del grupo a una banda de pop electrónico.

En mayo de 1978 lanzaron The Man-Machine, El álbum fue grabado en Kling Klang Y tenía un gran componente de improvisación con secuenciadores. El álbum fue mezclado en Rudas Studio, en Düsseldorf y dos ingenieros vinieron desde Los Ángeles, como encargados para mezclar el álbum. La portada del nuevo álbum fue producida en rojo, blanco y negro; y el arte de portada estaba inspirado por el artista ruso, El Lissitzky. La imagen del grupo en la portada fue fotografiado por Gunther Frohling. Mostraba al grupo vestido con camisas rojas y corbatas negras.

En mayo de 1981, Kraftwerk lanzó el álbum Computer World, en la discográfica EMI. El álbum fue grabado siguiendo la costumbre en Kling Klang entre 1979 y 1981. Se pasaron mucho tiempo modificando el estudio de Kling Klang para que el grupo lo llevara en concierto con ellos.
"Computer Love" fue lanzado como un sencillo del álbum acompañado de un tema anterior de Kraftwerk llamado "The Model". A los DJs de radio les gustó mas la caraB así que el sencillo se relanzó del revés con The Model en la cara A y Computer Love en la B.estaban más interesados en la cara-b, así que el sencillo fue relanzado con "The Model" como la cara-a. El sencillo alcanzó el puesto número uno en Gran Bretaña haciendo de The Model, la grabación más exitosa de Kraftwerk en el Reino Unido.




[...continuará]

Proyectos de los músicos de Dreamtheatre

Quiero hablar de otros proyectos que también desarrollan o han desarrollado los miembros de Dreamtheatre.

El 1º y que más me gusta es Liquid Tension Experiment, que formaron Petrucci, Rudess y Portnoy con el músico Tony Levin.
Liquid Tensión Experiment es un grupo de rock progresivo que fusiona varios géneros como el jazz y prácticamente sin voz. Hoy he querido traer algún tema de este grupo porque me parece realmente bueno y digno de que lo conozcáis.

Otros grupos en los que ha estado Pornoy son Transatlantic y O.S.I., y algunos tributos a Led Zeppelin y los Beatles. Ha colaborado además en los 3 últimos discos en solitario de Neal Morse. Y recientemente,como ya dijo Santi en anteriores programas, Mike Portnoy colaboró con Avenged Sevenfold en su nuevo álbum de estudio , y estuvo con ellos en su mas reciente gira sustituyendo a The Rev quien falleció tiempo antes de completar el álbum.

LaBrie lanzó dos álbumes Mullmuzzler, Elements of persuasion con la banda 'James LaBrie' y participó en Frameshift- Madmen & Sinners, Ayreon - The Human Equation y el proyecto True Symphonic Rockestra con tenores.

Petrucci ha participado con Joe Satriani y Steve Vai en el "G3" ya sabeis, este proyecto en el que tocan 3 guitarrista. Pues ha participado en las ediciones 2001 y 2005, ésta última con Mike Portnoy en la batería de la gira .

La actuación de 2005 fue grabada y lanzada como el DVD y CD doble "Live in Tokyo".
John Myung se unió a Ty Tabor, Rod Morgenstein y el ex teclista de Dreamtheater, Derek Sherinian, para formar el grupo Platypus, y editaron When Pus Comes To Shove en 1998 y Ice Cycles en 2000. Más tarde, ya sin Derek Sherinian, el grupo pasó a llamarse The Jelly Jam y ha lanzado hasta el momento otros dos álbumes, The Jelly Jam en 2002 y 2 en 2004.

Johnny Thunders

Johnny Thunders, a quien sus padres llamaron John Anthony Genzale.Jr, nació el 15 de Julio de 1952 y desde el bachillerato supo que quería ser cantante y guitarrista de rock’n’roll. Por eso decidió formar la banda JOHNNY AND THE JAYWALKERS donde se autonombró JOHNNY VOLUME.

Tras dejar a los JAYWALKERS se unió a la banda ACTRESS donde conocería a algunos de sus futuros New York Dolls: Arthur "Killer" Kane y Billy Murcia, y donde se bautizó JOHNNY THUNDERS, como sería conocido.

Tras los 2 albumes con los New York Dolls y a pesar de la gran influencia y buena crítica que forjaron, Thunders decidió que la separación no era el final de su carrera y formó los HEARTBREAKERS con el baterista de los New York Dolls, Jerry Nolan, con Walter Lure, el guitarrista de ‘Demons’ y el bajista de ‘Television’ Richard Hell, vamos… con lo mejorcito del género. Más tarde Hell fue sustituido por Billy Rath.

Los HEARTBREAKERS, hicieron giras por EEUU e Inglaterra con su álbum oficial L.A.M.F de 1977, un mítico del género punk, que los expertos califican como el puente entre lo que se estaba haciendo a ambos lados del Atlántico. Y por lo visto a los HEARTBREAKERS les fue mejor en la vieja Europa y se mudaron al Reino Unido.

En 1979 Johnny Thunders empezó a tocar con GANG WAR formada por John Morgan, Ron Cooke, Philippe Marcade y Wayne Kramer, el antiguo guitarrista de MC5. Grabaron muchas demos y tocaron mucho en directos, pero es muy difícil encontrar algo de ellos. Se dice que hay un álbum que se llama Gang War, como el grupo grabado en vivo y que se puede encontrar en tiendas especializadas.

Desde entonces Thunders grabó varios álbumes en solitario. El primero de ellos de llamó So Alone y es de 1978. El álbum estuvo marcado por un alto consumo de drogas durante su grabación. Parece ser que esto influyó en el sonido, dándole unas pinceladas de maestría y que retoman el debate de la turbulenta mezcla entre drogas y genio. El caso es que este álbum creó un estándar que muchas bandas aspiran emular y es universalmente aclamado como la obra maestra de Johnny Thunders. El disco además contó con el trabajo de Phil Lynott, Steve Jones, Ron Cooke y algunos artistas invitados más.


Tras la puesta en venta del álbum, Thunders y Sid Vicious ,el archiconocido bajista de los Sex Pistols, tocaron con Living Dead . La versión en CD de este álbum contiene cuatro canciones extra, incluyendo el sencillo "Dead or Alive," uno de los momentos más brillantes en la carrera de Thunders.

A comienzos de los años 1980, Thunders reunió a The Heartbreakers para varias giras, y el grupo grabó su último álbum en 1984. Sin embargo, durante los años 80 su adicción a la heroína le hizo reducir su producción musical.
En 1985, Thunders grabó Que Sera Sera, una colección de material inédito que demostró que todavía estaba en forma. Tres años más tarde en 1988 Copy Cats, un álbum de versiones de rock y R&B con la vocalista Patti Palladin.
Thunders siguió tocando y grabando hasta su muerte en 1991.

Su última grabación es de 36 horas antes de su muerte, una versión de "Born to Lose" con la banda alemana de punk Die Toten Hosen.
Como siempre sucede en estos casos, se habla de que su muerte sucedió en extrañas circunstancias. Pero lo cierto es que como todo el mundo sabía Johnny Thunders abusaba de las drogas, si es que se puede no abusar al ritmo que él llevaba. Simplemente apareció muerto en una habitación de un hotel de Nueva Orleans el 23 de Abril de 1991. La causa, sobredosis de metadona, algunos dicen que también tenía sida. Lo que sí se sabe es que sufría leucemia terminal, quizá Johnny decidió elegir él mismo su final.

martes, 23 de noviembre de 2010

La pregunta de la semana

¿Quién tiene el pelo más rizado: Santi Sultán Elipe o Bob Dylan?


domingo, 21 de noviembre de 2010

Bruce Springsteen - Steel Mill:

Que Bruce Springsteen lo petó con sus discos Born To Run, The River y sobre todo con Born In The USA y se convirtió en una figura indiscutible del Rock es un hecho incuestionable, pero vamos a indagar un poco más en el interesante pasado musical que tuvo El Boss...

Como bien han dicho los compañeros en el programa, Bruce se adentró en el mundo de la música desde muy joven, formando ya en 1965 parte de una banda local del área de Nueva Jersey: The Castiles, de la cual se conservan registradas únicamente dos grabaciones, en un estado de conservación bastante precario y que no vamos a poner aquí por respeto a vuestros oídos.

Poco tiempo después y ya entrando en la década de los 70, Bruce encabezó otros proyectos musicales como fueron las bandas Earth y Child, en las que practicaba un Hard Rock muy del gusto de la época, con marcado carácter Blues y mucha presencia de órgano Hammond y guitarras que les acercaba a superbandas del tipo Allman Brothers en cuanto al interés en el trabajo instrumental o a Ten Years After -pero sin acercarse tan descaradamente al sonido sureño o al Blues- ; y que a su vez les distanciaba musicalmente de lo que más tarde les llevaría al éxito, pues todavía no tenían ese sonido tan personal...

La formación de Child contaba con la presencia de Danny Federici a los teclados, Vini López a la batería y Vinnie Roslin al bajo, así que se puede decir que aquí ya estaba el germen y la raíz de lo que posteriormente sería Bruce Springsteen and the Friendly Enemies, Bruce Springsteen and The Hot Mammas, también conocidos como Dr Zoom & the Sonic Boom, o como The Sundance Band, y que más tarde cambiarían a The Bruce Springsteen Band, para finalmente quedarse con un nombre que sería recordado por todo el mundo: Bruce Springsteen and The E Street Band...
¡¡¡Lo que está claro es que no se estaban quietos con los nombres!!!

Pues bien, lo que tenemos a continuación es un pequeño ejemplo del talento que Bruce y compañía ya mostraban encima de los escenarios de la costa oeste en el año de 1970, pero para no perder las buenas costumbres, todavía bajo otro nombre: Steel Mill.
La grabación de este bootleg consta del 13 de enero de 1970, cuando la banda marchó a la soleada California en busca de fortuna -una especie de "Eldorado musical" de la época-, y en él, aparece un greñudo Bruce dándolo todo en el prestigioso club The Matrix de San Francisco -un templo de la música que albergó entre sus paredes las actuaciones de legendarias y ácidas bandas como Jefferson Airplane, Country Joe and The Fish o Moby Grape, Quicksilver Messenger Service. Casi nada.

El tema que va a sonar a continuación pertenece a la por entonces joven e inagotable pluma de Bruce Springsteen: el glorioso "Goin´ Back To Georgia":

martes, 9 de noviembre de 2010

Rarezas: Space - Magic Fly

Música del Espacio, eso es lo que traemos el día de hoy. Y traemos de verdad... Aquí tenemos el single original del año 77 y editado por la casa Hispavox de Space, un proyecto musical francés de Electrónica, sonido Experimental Espacial y unas pequeñas gotas de Disco-Funk bastante elegante e interesante que parece ser que tuvo bastante repercusión en toda Europa, convirtiéndose en un pelotazo en su Francia natal y también un poco por estas tierras.

La mente que estaba detrás de todo esto es Didier Marouani, también conocido con el nombre artístico de Ecama, que acompañado desde los inicios de esta idea por Jannick Top y Roland Romanelli, se dedicaron a practicar unos sonidos fuertemente influenciados por Kraftwerk. Una huella profunda que se aprecia tanto en lo musical -sintetizadores, teclados, aparatos y cables por doquier- como en lo estético, pues se caracterizaron por eludir lo convencional e ir un paso más allá. Así, si los alemanes iban vestidos de forma impecable, todos de la misma forma y acompañados de sus queridos robots; a estos franceses no se les ocurrió mejor cosa que ponerse unos trajes pseudoespaciales y unas escafandras interestelares para subirse a los escenarios y tocar...
Para que luego digan algunos que el dúo Daft Punk es lo más en originalidad porque iban enmascarados, cuando Space ya lo hacía unos 30 años antes...

Ahora nos despedimos con una de sus canciones más recordadas, "Magic Fly". Tal vez el título así de oídas no os resulte familiar, pero si sois de esa buena gente que escucha programas radiofónicos de misterio como los del grandísimo Iker Jiménez, habéis visto alguna vez documentales sobre el espacio o reportajes sobre algún descubrimiento astronómico, entonces seguro que os sonará.
¡Ahí va ese "Magic Fly"!:

miércoles, 3 de noviembre de 2010

Selección de la discografía de Chuck Berry:


Vamos allá con la discografía de Chuck Berry… Como desde 1955 hasta épocas más recientes la obra de este tipo es bastante más que amplia entre los LP´s, directos y recopilatorios que tiene en su haber, lo que vamos a hacer es una pequeña selección de los trabajos que todo el mundo debería si no tener, por lo menos sí escuchar una vez en la vida…

Si empezamos ya, el álbum de estudio básico que hay que mencionar es, a mi parecer, After School Session: su primer disco como solista editado por Chess Records en 1957. Resulta increíble, pero pocas veces un álbum de debut resultó tan cuajado de clásicos, tan demoledor e impactante para el mundo del Rock, pues entre sus pistas se hayan temazos como “School Days (Ring Ring Goes The Bell”, “Too Much Monkey Bussiness”, “Brown Eyed handsome Man” y tantas y tantas otras no tan conocidas pero geniales como “Driftin Heart”, “Havana Moon” y “Wee Wee Hours”. Pero incluso, si pilláis la reedición 50 aniversario, que está por las tiendas a precio asequible, podréis disfrutar aún más ya que cuenta con “You Can´t Catch Me”, “30 Days” y la colosal “Maybellene” de extras.

Desde aquí recomendamos su compra…

En el apartado de los recopilatorios, un formato ideal para conocer a fondo la obra de un artista sin tener que dejarse un pastón, podemos citar dos discos: El primero se titula Chuck Berry Is On Top: publicado ni más ni menos que en 1959. Repito: Chuck Berry tuvo su primer recopilatorio de grandes éxitos ni más ni menos que en 1959, asombroso. Está publicado bajo la protección de Chess Records y tiene todo los exitos que creó en ese breve período de tiempo como “Johnny B Goode” o “Roll Over Beethoven” entre otros.

La siguiente compilación es de esas claves y se titula The Great 28: publicado en 1982 y se puede considerar la cúspide de su obra. Es como una enciclopedia musical. Ahí está todo toíto todo de Chuck Berry.

Y para finalizar vamos ya con la música en vivo. El trabajo que he elegido es el Live at Fillmore Auditorium. Un disco grabado en el legendario Auditorio Fillmore de San Francisco en el año 67 –en una época en la que por los auditorios Fillmore East de Nueva York y West de San Francisco pasaban bandas y artistas del calibre de Cream, The Byrds o Grateful Dead, y donde quedaban recogidas impresionantes actuaciones-. Pues bien, en este caso Chuck Berry se hizo acompañar de la Steve Miller Band –todos sabemos que el listo de Chuck no tenía equipo ni banda de directo fija para así ahorrarse el sueldo de su mantenimiento en beneficio propio- con la que realizó un concierto que si bien carece de sus clásicos más grandes, lo compensa con creces con unos desarrollos musicales más trabajados, bastante más interesantes y con toda la magia y encanto del directo… Un gran entertainer:)




Eso es todo. Ya saben, ¡pongan un poquito de Chuck Berry en sus vidas!

Listado de Temas Programa 38 Especial Chuck Berry:


Maybellene – Chuck Berry – Rock, Rock, Rock (Banda Sonora) – Chess Records – 1956.

Little Queenie – Chuck Berry – Rock, Rock, Rock (Banda Sonora) – Chess Records – 1956.
30 Days – Chuck Berry – Rock, Rock, Rock (Banda Sonora) – Chess Records – 1956.

Beautiful Delilah – Chuck Berry – The Great 28 – Chess Records – 1982.

You Never Can Tell – Chuck Berry – St Louis To London – Chess Records - 1964

Roll Over Beethoven – Chuck Berry – Rock, Rock, Rock (Banda Sonora) – Chess Records – 1956.

Brown Eyed Handsome Man – Chuck Berry – After School Session - Chess Records- 1957.

Johnny B Goode – Chuck Berry – Chuck Berry Is On Top – Chess Records – 1959.

Back In The USA – Chuck Berry – More Chuck Berry – Chess Records – 1962.

10º Havana Moon - Chuck Berry – After School Session - Chess Records- 1957.

11º School Days (Ring Ring Goes The Bell) - Berry – After School Session - Chess Records- 1957.

12º Around and Around – Chuck Berry – Rock, Rock, Rock (Banda Sonora) – Chess Records – 1956.

13º Carol – Chuck Berry – Rock, Rock, Rock (Banda Sonora) – Chess Records – 1956.

14º Too Much Monkey Business – The Kinks – The Kinks – PYE Records – 1964.

jueves, 28 de octubre de 2010

Listado de Temas Programa 37 Especial Kraftwerk:



"Die Roboter" - Kraftwerk - Die Mensch-Maschine - Capitol/Kling Klang - 1978.

"Autobahn" - Kraftwerk -Autobahn - Phillips - 1974.

"Das Modell" - Kraftwerk - Die Mensch-Maschine - Capitol/Kling Klang - 1978.

4º "Trans Europa Express" - Kraftwerk - Trans Europa Express - Kling Klang - 1977.

"Der Telefon-Anruf" - Kraftwerk - Electric Café - EMI - 1986.

"Radio-Aktivität" - Kraftwerk - Radio-Aktivität - Kling Klang - 1975.

"Expo 2000" - Kraftwerk - Expo2000 - EMI - 1999.

"Die Mensch-Maschine" - Kraftwerk - Die Mensch-Maschine - Capitol/Kling Klang - 1978.

"Ballad For Space Lovers" - Space - Magic Fly - Hispavox - 1977.

10º "Magic Fly" - Space - Magic Fly - Hispavox - 1977.

miércoles, 13 de octubre de 2010

Listado de Temas Programa 35 Especial Johnny Thunders:

"Blue And Evil" - Joe Bonamassa - Black Rock - J&R Adventures - 2010.

"Back In The U.S.A" - New York Dolls - Seven Day Weekend - Receiver 1973/1992.

"Dance Like A Monkey" - New Tork Dolls - One Day It Will Please Us to Remember
Even This - Roadrunner - 2006.

"Human Being" - New York Dolls - Too Much Too Soon - mercury - 1974.

"In Cold Blood" - Johnny Thunders - Diary Of A Lover - Jem Records - 1982.

"Pipeline" - Johnny Thunders - So Alone - Sire Records - 1978.

"Personality Crisis" New York Dolls - NYD - Mercury - 1972.

"Baby Talk" - Johnny Thunders - Stations of the Cross - 1892/1987 - ROIR.

"You Can´t Put Your Arms Around A Memory" - Johnny Thunders - So Alone - Sire
Records - 1978.

10º"Very Nice Off To Call You" - Aardvark - Ardvark - DERAM - 1970.

11º"Copper Sunset" - Aardvark - Aardvark - DERAM - 1970.

martes, 5 de octubre de 2010

Especial lo mejor y lo peor de este verano:


Pues vamos allá con las músicas y canciones que me han estado rodeando a lo largo de este verano ya pasado...
En el programa tengo la sección de Rarezas Musicales, y aunque me gusta la buena música de todas las épocas pues como que tengo predilección por los sonidos clásicos y con solera de los 60 y 70, pero este verano hemos estado atentos y nos han venido a los oídos cosas a destacar.
Así que vamos a hablar de un par de canciones que durante este período estival más me ha gustado bastante, sonando en mi equipo sin parar. Como no puede haber bien sin mal, también seleccioné un par de canciones catastróficas, truñeras y pésimas, pero por hoy nos lo vamos a ahorrar...

La primera referencia notable e interesante que me gustaría destacar es la de Hot Chip, una banda británica de Pop Electrónico cargada de sintetizadores, conocida principalmente por estar "protegida" por DFA Records y los referentes de este mundillo LCD Soundsystem, por las cotizadas remezclas a otros artistas y por haber sacado a lo largo de su discografía varios singles de relevancia como "Over And Over" y "Ready For The Floor" -tema que conocerán todos los que hayan jugado al FIFA 2009-, año en el que publicaron su último disco One Life Stand, que incluye "I Feel Better" la canción aqui elegida, que nos muestra que se puede hacer buena electrónica.
Una recomendación: vean su flipadísimo y genial videoclip. Aparentemente se inicia como el típico video de una boyband a lo Backstreet Boys pero va más allá, pues de la nada, de un resplandeciente aura a parece lo que parece un enfermo terminal extrañísimo que se carga a los cantantes lanzando rayos láser por la boca ante la atónica mirada y esquizofrénico comportamiento de las fans. Entre el desbocado grupo aparece el grupo verdadero, aunque acaba siendo desintegrado y exterminado por los rayos láser que salen esta vez no del enfermo que os he dicho anteriormente, si no de una cabeza flotante del señor negro ese al que se le salen los ojos de sus órbitas.... Si cuando he dicho que es flipante, es que lo es:)

Pero como me es imposible poner le vídeo, pues os pongo otro de Hot Chip. "Over And Over", qye también merece la pena:


Beach Fossils son la segunda y agradable noticia que he tenido este verano. Son un grupo indie que hace Low - Fi (una especie de subgénero o lo que sea que en estudio puede sonar bastante normal pero que en directo pues como que pierde, aunque esa sea otra historia). A modo de batidora, estos americanos nos ofrecen un sonido bastante clásico con guitarras brillantes y cantarinas, recuerdos de la Velvet Underground en lo básico del ritmo, a la Nueva Ola americana, la languidez de The Cure... O a los recientemente exitosos The Drum. Esto que suena es uno de sus sencillos que más resonancia han tenido y se llama "Daydream":

viernes, 1 de octubre de 2010

Buenos descubrimientos del verano

Es mi turno de comentar mis descubrimientos de este verano.

La verdad es que he hecho varios buenos descubrimientos musicales este verano, pero me he quedado con 2, lo siento pero no podía quedarme con 1 sólo.
Para empezar os traigo jazz desde oriente: HIROMI UEHARA
Hiromi Uehara es una pianista de origen japones, de 31 años, con una apuesta bastante amplia en el género del Jazz, porque partiendo e inspirada en lo más clásico en el piano ha evolucionado hasta alcanzar sonidos experimentales y disonantes, mezclados con todo tipo de música y cargados de una rítmica inigualable.
Desde luego versatilidad no le falta.
Y de ella vamos a escuchar un tema que se llama Kung-Fu World Champion en el que empieza tocando el teclado y luego se pasa al piano, ya veréis.
Hiromi Uehara:



El 2º descubrimiento es Jubilee.
Es un grupo algo menos conocido y sin embargo con un gran talento. Y que a diferecia de lo que podríamos pensar al escucharles: no vienen de América, ni de las praderas, aunque su música suene a ese folk clásico que tanto nos gusta. Estos chicos vienen de Andujar (Jaén) y con un álbum de 2003 a sus espaldas: "The Ghost Orchestra".
Ahora acaban de sacar su nuevo trabajo de los hornos de los estudios Sequentialee, en Andujar. El nuevo álbum se llama "A Place Called Home" y se dice y se comenta que ya se vende en la Fnac pero también podeis enteraros en su myspace: http://www.myspace.com/jubileeparade
Y el tema que os traigo es del último álbum.
Escuchemos The Preacher:

sábado, 18 de septiembre de 2010

Rarezas Musicales Programa Tina Turner:


Como dentro de ná empieza la nueva temporada de Los Sultanes del Swing -¡¡¡con más y mejor música, nuevas curiosidades, noticias a tres pistas, trapecistas, forzudos y ligres!!!- y todavía tengo Rarezas sin publicar, pues ahí que va una de ellas, para ir preparando lo que se nos viene encima a partir del 24 de septiembre...

Pues bien, al igual que Tina Turner es la Reina del Rock, la protagonista del Rarezas de hoy es también una reina, pero en este caso la Reina del Funk...
¡Estamos hablando de Betty Davis!

Natural de Carolina del Norte, Betty comenzó a moverse en el ambiente cultural de la ciudad de Nueva York a mediados de los 60, mientras hacía sus primeros pinitos como modelo fotográfico.
Interesada en ese mundo y familiarizada con los círculos musicales que allí se estaban dando, entabló amistad con gente tan interesante como Jimi Hendrix y Sly Stone, dos de las luminarias e iconos más grandes de la música negra estadounidense.

Es posible que el apellido de Betty -Davis- os suene de algo, y es que esta mujer fue esposa de un grande del Jazz y de la música en general: Miles Davis.
La relación matrimonial en realidad fue muy breve, pero también fructífera para ambos: gracias a Miles, Betty Davis vio impulsada su carrera musical en solitario; y a su vez, ella le sirvió de inspiración y acicate para que éste acercara el Jazz a los nuevos y emergentes sonidos -la Psicodelia, la Electrónica, el Funk,...- Una experiencia que dio como resultado el Jazz/Fusión/Rock del que ya hablamso hace tiempo en el programa dedicado al genio creador de Kind Of Blue.

Pero quedémonos con Betty: después de su divorcio, nuestra aguerrida chica decidió volar en solitario y formar una banda que sirviera de sólido apoyo para cimentar y poder materializar sus ideas y composiciones. Así, sin dudarlo y aprovechando su carisma y contactos, logró reclutar a profesionales de cinco estrellas, la gran mayoría músicos provenientes de otras bandas de prestigio como el guitarrista Neil Schon -de grupos como Santana y Journey-, Gregg Errico y Larry Graham que formaban parte de la sección rítmica de Sly And The Family Stone, la sección de viento metal de tower of power o las Pointer Sisters como coristas.
Con el apoyo de esta constelación de músicos de primera fila llegó a las tiendas su primer trabajo de 1973, titulada simplemente Betty Davis: el ejemplo perfecto de cómo debe ser el Funk: rítmico, pegadizo, orgánico y caliente.

En sus trabajos, la provocativa y femenina actitud de Betty tenía reflejo en su personalísima voz: felina, sugerente y expresiva como pocas, anteponiéndose a todo y atodos. Todo esto le ha servido a Betty para convertirse en un referente oculto que deberían seguir todas las figuras femeninas del nuevo Soul, R´n´B y Funk..

Aquí os dejamos con una de las mejores canciones de su primer trabajo, un diamante negro titulado "Anti Love Song":




Y cómo no, siempre tenemos un Bonus Track. ¡¡¡Este tema es pura crema!!!:


viernes, 30 de julio de 2010

Festival Mundo Idiota



MOJINOS ESCOZIOS - MI JEFE



LENDAKARIS MUERTOS - PASTEL DE COSTO



LOS PETERSELLERS - HOMENAJE A LOS RAMONES



HOMBRE LINTERNA - EL PRINCIPE DE BEL AIR



RICKY LÓPEZ - EL MENÚ DEL BAR RAMBO


MAMA LADILLA - COSAS QUE JODEN


jueves, 29 de julio de 2010

Facebook

Los Sultanes del Swing se suben al carro del


Ya puedes encontrarnos: SultanesdelSwing Ruah.

!!Te estamos esperando!!

martes, 27 de julio de 2010

David Bowie. De los 90 a la actualidad.

Tras el fracaso de sus 2 últimos discos de estudio con Tin Machine, entramos en los 90 y Bowie retoma su carrera en solitario con el exitazo de su disco de grandes éxitos ChangesBowie que llega el nº1 de las lista de ventas de 1990.


Dos años después, en 1993, Bowie graba Black Tie White Noise con Nile Rodgers como productor, con el que ya había grabado Let´s Dance.
Este es un disco en el que se combina la comercialidad que Bowie necesita en ese momento sin dejar de lado la experimentación que le caracteriza.
El resultado es el nº1 en Europa con en single Jump, they say; y el fracaso en América.



En 1995, Bowie vuelve a colaborar con Brian Eno en un disco sumamente experimental de nombre Outside. El álbum consiguió muy buenas críticas e incluía un duo con Pet Shop Boys.
Fue en esta época cuando Bowie se dejó ver en los escenarios con un nuevo look de nuevo, esta vez a un estilo más moderno y alternativo que conectaba más con las nuevas generaciones y las tendencias musicales del momento.

Con nuevas influencias, en 1997, Bowie graba Earthling ,un disco al más puro estilo de bandas punteras de entonces como Prodigy. El disco logra muy buenas críticas y dos singles de éxito, Little Wonder en Europa y I´m Afraid Of Americans con Trent Reznor en EEUU. Este éxito estadounidense fue importante para Bowie, pues no había conseguido colarse en las listas amercianas desde los 80.



Para celebrarlo inició una gran gira y macroconcierto celebrando además sus 50 años Una fiesta con todas las estrellas del momento que acabó de colocar a Bowie como el artista más influyente de momento.

En 1999, Bowie regresa al mundo del pop, con Hours. Este es un trabajo maduro y pensado creo yo, ya que llevaba más de 10 años haciendo discos experimentales. Tanto es así que su single: Thursday Child y el tema Something In The Air aparecieron en muchas películas.



El año 2000 fue para Bowie un año de recuerdo en el que se movió por diversas cadenas de televisión americanas repasando su carrera e influencia. Además de editar un disco de las actuaciones en la BBC. También retoma su relación con su antiguo productor Tony Visconti, quien produciría su siguiente trabajo.

En 2002, el nuevo álbum Heathen, obtiene un éxito mundial comparable con los de los 80. Puede ser que la influencia de Visconti supusiera la vuelva aese sonido oscuro y retro, que los fans tanto añoraban en Bowie. Las críticas alabaron este trabajo que llevó a Bowie a una gran gira en 2003.

Año en el que repetiría la fórmula con el álbum también exitoso Reality, también producido por Visconti; y que resultó en una de las mejores giras de su carrera que en 2004. Por desgracia en esta gira Bowie sufrió un ataque al corazón que le ha apartado de música y escenarios hasta hoy.

Pero aún así Bowie sigue siendo uno de los mejores artistas de los siglos XX y XXI. Discos de todo tipo, versiones, producción, cine, y colaboraciones con infinidad de grupos y artistas: The Cure, Iggy Pop,Massive Attack , Aphex Twin , Tina Turner, Pet Shop Boys, David Gilmour, Blur, Placebo, Lou Reed, Queen, Mick Jagger, Billy Corgan, Pink Floyd . También infinidad de artistas han nacido bajo su influencia como Joy Division, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pixies, Muse y Suede.
En mayo de este año se ha anunciado la salida del primer disco tributo a Bowie, en el que participan Duran Duran, John Frusciante, Carla Bruni, Soulwax y MGMT entre otros. El mismo tiene un proposito solidario y podrá ser escuchado a principios de septiembre.